Con esta entrada (la 1.449), anunciamos una pausa en óperasiempre.es No ponemos fecha. Quizás dentro de unos meses. Es posible. Quizás.

Gracias mil por su participación durante estos cinco años. Fue un placer compartir e intercambiar tantos hallazgos.

Un abrazo para todos,

Gio

“Estos acordes pertenecen a una vieja canción tradicional que allá hace muchos años encontré en la zona Caribe, en la frontera de Venezuela y Colombia. La cantaba una mujer de color. La aprendí, me encantó, y la caminé por el mundo.

Mucha gente me la adjudica. Honor hubiera sido para mí que fuera mía, pero no lo es. Es mía en cuanto a lo que tenga de sensibilidad mi corazón de cosas receptivas. Es un tema anónimo, plural, folclórico. Es de ellos: de la gente morena de esa zona, frontera Venezuela-Colombia.

El tema es la madre que deja a su niño porque se va al cafetal a trabajar, y deja a su niño en manos de una mujer, de una vecina, hermana de ella en el color, en el destino, en la vida.

Y entonces le dice que se duerma, le pide que se duerma al niño la vecina, y le ofrece, le promete, que la madre ha de traerle cosas que todo niño negro quisiera gustar, comer, probar. Pero de adónde; a veces no se puede, la vida tiene otras letras, otra condición.

Le ofrece codornices, dos dólares la yunta: no puede ser. Carne de cerdo, tampoco: no puede ser. En fin. Como toda canción de cuna pisa la tierra y es un poco metafísica. Duerme negrito se llama”.

8 Octubre 2010 @ 6:16

Nicolás Camilo: “Todo está bién… Pero la canción, a pesar de esta bella historia de Atahualpa, tiene dueño…. Sí!… La canción pertenece al músico cubano Ignacio Villa, más conocido como Bola de Nieve.

(Gracias, Nicolás)

Mamá [a], la negrita,
se le salen lo pie’ e la cunita
y la negra Mesé
ya no sabe qué ‘asé.

Tú drume, negrita,
que yo va comprá’ nueva cunita
que va tené capité,
que va tené cahcabé.

Si tú drume, yo te traigo un mamey
muy colorao.
Y si no drumi, yo te trai’un babalao
que da paupau.

Tú drume, negrita
que yo va comprá ‘ nueva cunita
que va tené capité,
que va a tené cahcabé.

(Gracias, Gabriela)

25 Septiembre 2010 @ 5:05

(Gracias, Victoria)

25 Septiembre 2010 @ 12:24

(Gracias, Dinora)

24 Septiembre 2010 @ 6:16

(Gracias, Victoria)

Sep 24, 2010 @ 2:03

Por unos ojazos negros,
igual que penas de amores,
hace tiempo tuve anhelos,
alegrías y sinsabores.

Y al dejarlos algún día,
me decían así llorando
no te olvides, vida mía,
de lo que te estoy cantando…

Una de románticos… (empedernidos;-) La idea partió de Victoria, allá por el mes de agosto (gracias, Victoria).

* Se admiten sugerencias. Como siempre.

“La carrera internacional de Celso Albelo parece haber entrado en una autopista por la que el joven cantante tinerfeño —en tantos sentidos heredero del gran Alfredo Kraus—circula con más prudencia que velocidad.

Atento a cada uno de sus pasos, el tenor lagunero va enriqueciendo su repertorio con nuevos personajes, obteniendo paulatinos reconocimientos, como el obtenido en los V Premios Nacionales de la Lírica, y conquistando nuevos destinos”

—Se encuentra en el festival romano que se celebra en las termas de Caracalla, representando Rigoletto, o lo que es lo mismo reencarnando al duque de Mantua, caballo de batalla de muchos tenores. ¿Cuál es su visión del personaje? ¿Sigue a través de él la línea “krausiana” que guía su trayectoria?
—Kraus siempre ha sido, para mí, referencia absoluta a la hora de afrontar los personajes. Entre ellos está, desde luego, el Duque de Mantua, pero es que además en esta ocasión tengo la oportunidad de cantar bajo la dirección del maestro Renzetti, que alguna vez dirigió a Kraus.

—Es fundamental para mí realizar un Duque elegante, basado en la palabra, remarcando las intenciones y reguladores musicales que Verdi escribe, y así destacar ese carácter libertino, caprichoso pero a la vez aristocrático del Duca. He tenido la suerte de hacer muchas veces el papel con el gran Leo Nucci, quien compartiera escenario con Alfredo, y cada vez que nos encontramos para cantar esta ópera, Leo me indica ciertos matices que me ayudan a encontrar el camino. Sin duda, otra buena guía para mí.

—En los próximos días regresa a España para atender dos compromisos en Galicia y Cataluña, donde además vuelve a reunirse con grandes voces que ya se han cruzado en su camino, caso de Desirée Rancatore.
—Sí, regreso a Santiago de Compostela para cantar (el 4 de agosto) en la Gran Gala Lírica en el marco del Xacobeo Classics. Vuelvo por segunda vez este año al Xacobeo; la primera fue con un recital, acompañado al piano por Rubén Fernández, y junto a Mariella Devia. Esta vez compartiré escenario con Desirée, pero también con Cristina Gallardo-Dômas, Maria Guleghina, Marco Berti, Leo Nucci y María José Montiel. Todos cantaremos con la Filarmónica de Galicia, dirigida por Pietro Rizzo.

—En Cataluña ya estuve, precisamente antes de viajar a Roma. Allí he interpretado Don Pasquale, obra que abrió el Festival de Peralada. Formé parte de un elenco fantástico, que me ha permitido compartir un montón de cosas con cantantes como Carlo Colombara, Isabel Rey o Manel Esteve. Un marco incomparable, el Festival de Peralada. Uno se da cuenta por qué lleva tantos años siendo referencia en el ámbito de los festivales de verano en España.

—Antes del verano cosechó un nuevo triunfo con La sonámbula en el Festival de Ópera de Las Palmas. ¿Sigue considerándola una de sus plazas propicias?
—Sí, porque es como jugar en casa. Ellos (por los organizadores del festival) tienen una gran tradición operística, manejan la temporadas con un rigor artístico importante y facilitan mucho las cosas a los artistas, de ahí la calidad que cada año muestran en sus espectáculos.

—Con La Sonnambula pude apreciar el cariño de la gente, el respeto hacia mi trabajo. Hicimos cuatro funciones y, si no se registraron llenos completos en todas ellas, poco faltó. La próxima temporada volveré con L’elisir d’amore, una producción del festival que espero nos depare otro buen momento. Por añadidura, siguen contando conmigo para el futuro. ¿Cómo no la voy a considerar una de mis plazas?

—Si no ha cambiado de opinión, Giancarlo del Monaco le tenía en mente para un futuro proyecto en el festival Ópera de Tenerife. Incluso se ha barajado montar una ópera de tema canario o con voces canarias. ¿Está al tanto?
—Sinceramente, no lo sé. El último proyecto fue un concierto, pero por diversos problemas no se pudo concretar. En cuanto a lo de la ópera canaria, no tengo ni idea, ni si se hará con voces canarias o sin ellas; preciso, además, que las voces canarias pueden hacer obras canarias o de repertorio.

—Obviamente, me encantaría cantar en Tenerife, pero desearía presentarme con obras que hago en otros lugares, las que tengo en repertorio o aquellas otras que quisiera incluir próximamente en él: intentar dar en el Auditorio lo mejor de mí con aquellos roles que mejor se adapten a mi momento vocal. Esperemos que dejen hacer al maestro Del Monaco y quiera contar conmigo.

—¿Apoyaría una eventual fusión de los festivales líricos de Tenerife y Las Palmas?
—Sinceramente, creo que no es un proyecto viable y, en mi modesta opinión, ni aconsejable.

—Su palmarés también se va ampliando poco a poco, de hecho viene de obtener un importante reconocimiento en los V Premios Líricos. ¿Qué supone para usted y cuándo cree que, al menos a este nivel, se dejará de verle como cantante revelación?
—Sí, este año me han dado el premio revelación en los Premios Líricos Nacionales por mi interpretación de Lord Arturo Talbot en I puritani, en La Coruña. Un reconocimiento que me hace especial ilusión, ya que se trata de un papel muy complicado, era la primera vez que lo representaba en España y lo hacía en mi otra casa: el Festival de Ópera de La Coruña. Que me reconozcan de esta manera es muy emocionante y de agradecer. Emocionante para mí también, porque entre los galardonados de este año están nombres como Leo Nucci, José Van Dam o Nina Stemme, grandísimos, obviamente, y no como revelaciones (ja, ja, ja).

—Nucci obtuvo el premio al mejor cantante masculino por su Rigoletto en el Teatro Real, donde yo hacía el Duca; Nina Stemme logró el reconocimiento a la cantante femenina y Van Dam, a toda su carrera. Supongo que superar la condición de revelación será cuestión de tiempo. Es normal que me cataloguen así, no llevo muchos años cantando; apenas comienzo a hacerlo. Lo importante es mantener la regularidad y conservar las ganas de seguir aprendiendo.

— La temporada 2010-2011 promete ser decisiva: L’elisir d’amore en La Fenice de Venecia; Pagliacci en La Scala de Milán y, de nuevo, La sonámbula, esta vez en el Covent Garden de Londres. ¿Comienza a ver cumplido un sueño?
—En realidad, el sueño se empezó a cumplir desde el momento en que pude dedicarme profesionalmente a la música. Eso, de por sí, ya es un sueño. Llegar a cantar en escenarios importantes y con profesionales que te exigen un alto nivel implica mayor responsabilidad, pero también serenidad, estudio y la confianza en uno mismo que permita cumplir las expectativas.

—Ante la posibilidad de debutar en La Scala, bajo la batuta del maestro Daniel Harding y con una nueva producción, no caben otras sensaciones que la de la emoción y la seguridad de que te lo pasarás bien haciendo buena música. También me siento un privilegiado por llegar al Convent Garden bajo la dirección de Daniel Oren, con un título y un autor (Sonnambula, Bellini) que están dentro del más puro bel canto. Espero dar lo mejor de mí para agradecer esta ocasión que me brinda la ópera de Londres.

—Liceo y Teatro Real también le aguardan. ¿Con qué producciones?
—En el Real de Madrid hay un proyecto para cantar con Ana Netrebko, pero todavía debemos esperar. En el Liceo, hay dos títulos en agenda: Il Pirata, de Bellini, y una vez más La Sonnambula. Ambas cosas se están trabajando y aún debemos esperar para poder hablar con más calma de directores, compañeros de reparto, escenografía…

—En Francia, concretamente en la Ópera de La Bastilla, le espera La hija del regimiento. ¿Qué espera de ese desafío habida cuenta la tradicional exigencia del público parisino y la peligrosa ‘ligereza’ del teatro de Donizetti, en el que tantos naufragan?
—Como en todos los retos, espero que con trabajo y dedicación llegaremos a buen puerto. Complicación añadida es presentarse en París con una opera en francés, pero, como siempre he dicho, si existe algún secreto, éste es el estudio y el sacrificio. Donizetti —y en especial La hija del regimiento— es uno de los autores al cual mejor se adaptan mis características vocales.

—De este compositor he cantado Maria Stuarda, L’elisir d’amore o Lucia di Lammermoor y siempre me he encontrado cómodo. También en París, pero en los Campos Elíseos, contemplo cantar La favorita, del mismo Donizetti; Don Giovanni, de Mozart, y algo más, pero aún es pronto para adelantarlo.

—Sin dejar Francia, ¿le tienta la Grand Opera, en la que Kraus hizo pocas pero memorables incursiones?
—Me encantaría poder abordar con garantías los papeles masculinos de Werther, Manon o Romeo e Giulietta, óperas que con una normal evolución vocal deberé cantar. Y una vez más tendré que tomar como referencia al maestro. Del repertorio francés he cantado Lakmé en Tokyo y Los pescadores de perlas en Trieste. Guardo magníficos recuerdos de ambas experiencias.

—Volverá a reunirse en Londres con Antonio Pappano, interpretando al pescador de Guillermo Tell, un personaje que tampoco es nuevo para usted. ¿Ha pensado explorar el catálogo de Rossini o no se considera una voz plenamente rossiniana?
—Exacto, en octubre estaré en Santa Cecilia de Roma bajo la batuta del maestro Pappano, con un Guillermo Tell, que además será grabado. Si bien ya canté el pescador en Roma y en el Concertgebouw de Ámsterdam (además de interpretar el Stabat Mater de Rossini en el Festival de Pésaro, dirigido por Alberto Zedda), pienso que mis características vocales y mi trabajo más profundo van dirigidos hacia autores más plenamente belcantistas como Bellini y Donizetti. El canto rossiniano exige dotes que creo no tener y, en cierta medida, no van en la misma dirección del trabajo que estoy realizando.

—Pappano le dedicó elogios a su paso por el Festival de Música de Canarias. ¿Qué relación le une al maestro italiano y cómo trabaja con el cantante?
—Antonio Pappano tiene una energía especial, trabaja al 200 por cien en cada sesión y es capaz de sacar lo mejor de sus intérpretes en todo momento. Se trata de un hombre paciente y a la vez exigente, una figura cuya forma de concebir la música te permite aprender muchos pequeños detalles. Me alegra que haya querido contar conmigo otra vez para este Guillermo Tell y estoy igualmente contento por cantar en el Covent Garden, teatro del cual es director musical.

—Hablando del Festival de Música de Canarias, sus organizadores apuestan finalmente por usted con los tres recitales que ofrecerá a comienzos de 2011.
—Será justo después de mi paso por Milán. Para mí resulta una invitación muy especial dentro de un año especial, entre otros motivos porque me brindará la oportunidad de actuar en el teatro Leal de mi ciudad, La Laguna. Acompañado al piano por Rubén Fernández, haremos un poco de todo: canción española, zarzuela y ópera. Debo decir que desde que Candelaria Rodríguez llegó al cargo de directora artística, mostró un interés especial en contar no sólo conmigo, sino con los canarios más internacionales en este ámbito.

—A estas alturas, ¿puede hablarse en su caso de un repertorio firmemente asentado? ¿Hacía qué papeles y obras piensa orientar su carrera en el futuro?
—A estas alturas… Bueno, como dije antes, acabo de empezar, pero creo tener claros los papeles que mejor se adaptan a mi momento. Son justo los que hago: Ernesto, de Don Pasquale; Nemorino, de L’elisir; Leicester, de Maria Stuarda; Elvino, de La Sonnambula; Arturo, de I puritani; Nadir, de Los pescadores de perlas; el Duca de Rigoletto y otros, pero siempre en la misma línea.

—Siempre hay sitio para más, pero eso debe ir aflorando en razón de cómo madure tu instrumento y tus capacidades, y como este oficio es un continuo evolucionar, el tiempo dirá. Hablando de Donizetti, roles de tenor que incorporaré relativamente pronto serán los de Lucrezia Borgia, Anna Bolena y Linda de Chamounix. Hablar de un plazo más largo sería teorizar demasiado sobre la evolución vocal. Prefiero concentrarme en lo inmediato y profundizar en estos papeles.

—Kraus abrió la entrevista y Kraus la cierra. El gran tenor canario hablaba a veces de los sentimientos de ansiedad, soledad y peligro que acometen al cantante sobre el escenario. ¿Cree, con Kraus, que el espíritu se fortalece en la lucha contra la adversidad, que ésta saca del cantante recursos insospechados incluso para sí mismo?
—Este tipo de sensaciones son muy personales. Supongo que cada uno de nosotros las pasamos y gestionamos de manera diversa. Aunque pueda parecer lo contrario, es una vida llena de soledad y ansiedad, aspectos que pueden volverse en tu contra si no te acostumbras rápido y sabes tratar con ellos. En cierto sentido, es lo mas difícil de esta carrera.

—Elegir esta vida ha sido decisión mía: poder trabajar y realizarse con ella es, en sí, un privilegio. Mi enfoque artístico, junto con el amor y el cariño de mi familia, suponen para mí el apoyo más preciado. No olvidemos que tal como está la situación económica actual, con tanta gente pasando dificultades de todo tipo, nosotros, aun con nuestros miedos, ansiedades y todo lo demás, somos afortunados por tener trabajo, y, encima, realizarnos en un oficio que amamos.

“Nadie podrá reemplazar nunca al gran Alfredo Kraus”

Siepi

Siepi

Ricordi ancora il dì che c’incontrammo,
le tue promesse le ricordi ancor… ?
Folle d’amore io ti seguii… ci amammo
E accanto a te sognai, folle d’amor.

Sognai felice, di carezze a baci
Una catena dileguante in ciel
Ma le parole tue… furon mendaci…
Perchè l’anima tua è fatta di gel.

Te ne ricordi ancor?
Te ne ricordi ancor?

(Gracias, Enrique)

* *

Cesare Siepi, el más célebre de los bajos italianos de posguerra, falleció ayer, 5 de julio de 2010, en Atlanta (Estados Unidos). Hace unos diez días, fue víctima de un infarto.

Había nacido en Milán, el 10 de febrero de 1923. Tenía 87 años.

[Dies irae... Liber Scriptus (Misa de Réquiem, Verdi): Herva Nelli, Fedora Barbieri, Giuseppe di Stefano, Cesare Siepi. NBC Symphony Orchestra. Dirige: Arturo Toscanini. 27 de enero de 1951]

Después de Ezio Pinza, Siepi fue el mayor exponente en la cuerda de bajo, tanto en Europa como en América.

Descanse en paz.

(Gracias, Juan)

Luis Sagi-Vela ('Mundo gráfico', 14 de junio de 1933).

La frase no es mía, pero la comparto. La pronunció el director de orquesta  Miguel Roa refiriéndose al barítono Luis Sagi-Vela, “la más grande y feliz memoria de la música española”.

Una muy fructífera carrera de casi treinta años: de 1932 a 1960. Un dignísimo sucesor de su padre, el célebre barítono Sagi-Barba. Un referente, sin duda, en el ámbito de la opereta y la zarzuela,  y que —o a mí me lo parece— no ha recibido el reconocimiento que se merece.  Bien sabemos que no se estila…  Aun así, lo reivindicamos. A quien corresponda.  Qué menos que un homenaje, ¡en vida!; y en su nombre, homenaje a sus padres también, el barítono catalán Emilio Sagi- Barba y la soprano valenciana Luisa Vela.

Sí hubo un concierto homenaje en honor de Sagi-Vela, en enero de 2006, en Torrelodones, localidad madrileña donde reside, o residía, Sagi-Vela. ¿Y qué más? Nada más. Sagi-Vela cumplió 96 años, que se dice pronto, el pasado 17 de febrero. ¿Y a qué esperan?

Luis Sagi-Vela nació en Madrid, el 17 de febrero de 1917. Estudió con los maestros Enrique Brú (solfeo y piano), Francesco Marcoli (piano) y Juan Bautista Lambert (composición y armonía). Sus maestros de canto: su padre, Sagi-Barba; Marcella Ghibaudo, Antonio Paoli y Carlota Dahmen.

Debutó en el Teatro Ideal de Madrid, en la compañía de Jacinto Guerrero, como Juan Pedro en La rosa del azafrán.  A la batuta, Sagi-Barba, que en marzo de 1930 estrenaba esta misma obra en el madrileño Teatro Calderón. Sagi-Vela tiene tan sólo 18 años. Era el 24 de noviembre de 1932.

Su triunfo fue inmediato. Además de en España, canta en prácticamente todos los países de América del Sur (salvo Brasil), donde fue aplaudido en numerosísimas ocasiones; en Estados Unidos, Italia y Portugal. En 1934, con veinte años,  crea la ‘Compañía Lírica Luis Sagi-Vela’, con la que contribuyó a la gran popularidad de que gozó la zarzuela en Argentina, México, Chile, Perú, Bolivia…  durante los años treinta y cuarenta. La compañía, heredada de su padre, cosechó éxitos durante casi veinte años; no consecutivos, debido al estallido de la guerra civil española.

Dorini de Diso y Luis- Sagi Vela, en 'La barbiana', zarzuela en dos actos de Leopoldo Magenti y Rafael Fernández Shaw, estrenada "con gran éxito" en el Teatro Ideal de Madrid el 24 de febrero de 1933 ('Mundo gráfico', 8 de marzo de 1933).

Estrenó en España un total de 25 obras. Entre ellas, La del manojo de rosas, de Pablo Sorozábal (noviembre de 1934, Teatro Fuencarral de Madrid), Me llaman la presumida, de Francisco Alonso (diciembre de 1935, Teatro Ideal de Madrid), Monte Carmelo, de Moreno Torroba (octubre de 1939, Teatro Calderón de Madrid), La Caramba, también de Torroba (abril de 1942, Teatro de la Zarzuela) y en 1944, Golondrina de Madrid, de José Serrano.

En la temporada de 1949-1950 se presenta en el Colón de Buenos Aires, como Alfredo en La traviata; y Edgardo, en Lucia di Lammermoor. Interviene también por estas fechas en el estreno argentino del oratorio de Mendelssohn Elías en el Teatro Municipal de Buenos Aires.

Maruja Vallojera y Luis Sagi-Vela, en una escena de 'Me llaman la presumida', sainete lírico en tres actos de Francisco Alonso (música) y Francisco Ramos de Castro y Anselmo C. Carreño (libreto), "que tan brillante y rotundo éxito ha tenido" ('Mundo gráfico', 1 de enero de 1936).

En su repertorio, 68 títulos, entre los que se incluyen operetas y zarzuelas.

“Sus caballitos de batalla eran los que exigían un canto elegante y una presencia escénica impecable”.

“La voz de Luis Sagi-Vela se encuentra a caballo entre la cuerda de barítono y tenor, si bien el artista debió de optar finalmente por la más grave —con esporádicas incursiones en la de tenor— por la mayor comodidad y seguridad de las tesituras baritonales para un cantante de sus características”.

“El timbre es de gran belleza, claro y aterciopelado. Los centros adolecen del peso requerido para la cuerda baritonal, aunque —dadas las condiciones exigidas para un barítono de zarzuela (tesituras muy altas y agudos brillantes)— nos encontramos con un cantante muy adecuado para la interpretación del género español”.

“El intérprete es elegante y busca en todo momento el hilo conductor de la línea de canto, logrando convencer por la musicalidad de sus interpretaciones”.

[Sagarmínaga]

Caricatura de Maruja Vallojera y Luis Sagi-Vela en 'La del manojo de rosas' (Sorozábal), por Del Arco ('Heraldo de Madrid', 14 de noviembre de 1934).

Actualización: 22 de junio de 2010

Sagi-Vela

(Gracias, Roberto)

Triste noticia para la lírica. En la mañana de hoy, miércoles 5 de mayo de 2010, falleció en su hogar de Roma, Giulietta Simionato. La gran mezzosoprano italiana nació en Forlì el 12 de mayo de 1910. Siete días más, y hubiera cumplido cien años.  El destino no lo quiso así.

Sus funerales tendrán lugar mañana en la Capilla de los Caballeros de Malta, en Roma.

«La noticia la ha dado el director de la Asociación Bruno Tosi quien ha definido a la intérprete como “un extraordinario fenómeno artístico” y a la que iba ser entregado el “Premio a Una vida en la Música”. “Nada hacía presagiar su improvisada desaparición pues estos últimos días estaba en discretas condiciones de salud, aunque se sentía bastante fatigada”».

Descanse en paz.

[Tu qui, Santuzza? Con Jussi Björling. Met, 1959]

(Gracias, Juan)

[Dúo del IV Acto de Aida. Con Mario del Monaco. 1961]

(Gracias, Mefisto)

30 de abril, a las 3:26

(Gracias, Juan)

30 de abril, a las 12:25

(Gracias, Victoria)

* *

(Gracias, Pablo)

Rescatamos un comentario del fondo del mar. La semblanza que de Rockwell Blake elaboraba hace unos días Paco Roa (gracias mil).

Por Paco Roa

«(…) Lo que sí quería es, aprovechando que de refilón salió a colación el tenor rossiniano por excelencia de los últimos años y uno de los cantantes que meritoriamente más contribuyó al renacimiento de la obra de Rossini en nuestros días, hacer una mínima semblanza de Rockwell Blake que, así lo creo, bien se lo tiene merecido.

Como pueden ver, al final siempre cada loco con su tema. Tenemos que reconocer además que el norteamericano, no obstante su exitosa y premiada carrera en repertorio tan exigente, apenas sí gozó de predicamento alguno entre los “foristas” y eso es algo que me propongo reparar. Vamos, pues, con ello.

Blake contó de partida, mal asunto, con dos no pequeños hándicaps, de esos que, diría yo, sistemáticamente hacen que el grueso de la afición —mucho más entregada y rendida (¿sin condiciones?) a las voces grandes, opulentas, con brillo y bien timbradas que poseen otros tipos de bizarros tenores más “agraciados”— postergue a un segundo término, casi a la marginalidad, a quienes “adolecen” de los mismos: un instrumento vocal pequeño y, para más inri, a decir de muchos acidulado y falto de belleza.

Si a esto añadimos la elección de un repertorio altamente especializado que no está al alcance ni en el interés del gran público, irremediablemente la carrera del norteamericano estaba predestinada a una minoría, la que gusta salirse de los caminos más trillados y que aprecia en los cantantes otras cualidades además de una robusta voz más o menos bonita.

Tras formarse musicalmente en su localidad natal de Plattsburgh, muy cerca de Nueva York, y perfeccionar la técnica canora con la que ha sido su única maestra, Renata Carisio Booth, consiguiendo al cabo su proverbial fiato y una perfecta emisión en la “máscara” que le es característica, en 1977 Blake debuta profesionalmente en el Kennedy Center de Nueva York, siendo el Lindoro de La Italiana en Argel.

[Pour mon âme]

Desde un primer momento me interesa subrayar un aspecto fundamental de la particular forma en la que ha entendido la profesión este fantástico tenor, toda vez que el mismo será el santo y seña de tan grande artista desde sus comienzos: jamás Rockwell Blake, y eso que, dada la enorme facilidad para el virtuosismo que posee y una agilidad vocal sin parangón hubiera sido lo más cómodo, sucumbió a la tentación de hacer de éstos un fin en sí mismos, un permanente alarde sin más de sus soberbias facultades canoras, antes al contrario, tan privilegiada capacidad para la más compleja coloratura quedó siempre al servicio de las exigencias teatrales.

Y así ha conseguido, antes que nada, sabiendo velar cualquier signo exterior de semejante superioridad que pudiera interpretarse como un lucimiento personal al margen de la dramática, y, en última instancia, vía introspección y concienzudo estudio de los rasgos esenciales y del modo de ser de cada personaje por él abordado, memorables caracterizaciones dentro de su repertorio que hoy están consideras como no superadas (véase, p.ej., su más que lograda composición del Conde Almaviva que ha paseado por todo el mundo).

Y fíjense que este, cómo diríamos, complicarse la vida sin necesidad para, en definitiva, hacer buen teatro, podría servirnos de percha en la recuperación de aquel otro estimulante debate de hace algunos meses sobre la voz versus la interpretación en ópera.

Seguimos. Un dato acaso no demasiado conocido del currículo de este cantante, es su proclamación como ganador de la primera edición del prestigioso Concurso de Canto Richard Tucker, allá por el año 1978, lloviéndole a partir de ese triunfal momento no pocos contratos hasta llegar su debut, tres años más tarde, en el más importante coliseo norteamericano, el Metropolitan.

Bajo la tutela del célebre bajo-barítono ya retirado George London, cuyo interés había despertado el debutante, Houston, Filadelfia, Chicago y, entre otras renombradas plazas de su país, San Francisco serán testigo en estos primeros años de carrera de sonados éxitos personales que irán afianzado al joven intérprete en la que habrá de ser su especialidad belcantista por la que, sin tardar, le llegará el reconocimiento mundial, Rossini.

[Ecco, ridente in cielo]

Del maestro de Pésaro, Rockwell Blake ha cantado con igual buena fortuna hasta un total de dieciocho títulos, convirtiéndose así en el mayor experto de esta obra de su cuerda y, así lo creo, el más destacado epígono contemporáneo del legendario Giovanni David, el primer contraltino rossiniano de la historia; Blake, explicitando la perfecta comunión que mantiene con su operista de cabecera, llegó a afirmar que “Rossini está hecho para mí y yo estoy hecho para Rossini”.

En 1983 salta al Viejo Continente y se presenta en el Festival de Aix-en-Provence con Mitridate, re di Ponto, desde ese momento Europa se ha de convertir en el gran escenario de sus mayores éxitos y en su domicilio particular. Después de hacer de “meritorio” en plazas “menores” como las de Zúrich, Lyon, Niza, Marsella, Ginebra, Florencia o, qué sé yo, Estrasburgo, en ese mismo primer año de rodaje europeo se consagra definitivamente como el más grande cantante rossiniano de su generación en el Festival de Pésaro, convirtiéndose rápidamente en asiduo al mismo y contándose sus intervenciones por memorables triunfos de crítica y público, como lo fue, por citar uno de ellos solamente, su recordada participación en la edición de 1984 con Le Comte Ory.

En los siguientes años, uno tras otro todos los grandes teatros europeos, desde el temible Regio de Turín —otro escenario habitual de Blake— hasta la Ópera de París, pasando por el Festival de Salzburgo, le abren sus puertas y le reciben con igual entusiasmo al que ya es figura indiscutible del belcanto y gran defensor del genuino rossinianismo. Así hasta que, entrada la siguiente década (1992), alcanzada la plenitud como intérprete y atravesando su mejor momento vocal, bajo las órdenes de Riccardo Muti, finalmente se presenta en La Scala caracterizado como Uberto de La Dama del Lago, en una brillante producción de esta obra prerromántica de la que todavía hoy se habla.

Sea suficiente con esta sumaria pincelada de los más significativos hitos profesionales del estadounidense para dar cuenta de una inteligente carrera —perfectamente acorde con sus posibilidades reales, hecha sin prisas pero siempre con una trayectoria ascendente y, en definitiva, magníficamente planificada—, y poner de relieve también lo mucho que ha conseguido Blake contando con dos únicas armas: Rossini y, ciertamente, una técnica de canto fuera de serie.

Bien, pues, hora es ya de poner al descubierto su notable instrumento de trabajo. Sobra con haber escuchado una sola vez a Rockwell Blake para encuadrar sin la menor duda su registro de tenor dentro de la tesitura de los contraltinos y, convenida la misma, apreciar las cualidades vocales de los mismos en su máximo grado de virtud.

Desde un timbre no especialmente bello, punto pálido y ajeno por completo a la coloración latina que tanto aprecian muchos aficionados, su minorada voz, bien que fenomenalmente impostada, aguda y clara “corre” con gran facilidad llegando hasta el último recoveco por grande que pueda ser el teatro que la albergue.

Dotado de un inmenso fiato y notable extensión, alcanza con inusitada comodidad las notas más altas sin perder colorido y las mantiene cuanto sea menester para realizar todos los adornos que se exijan sin trucos ni desgaste aparente. No tiene problema tampoco con los típicos saltos de octava tan característicos del pentagrama rossiniano, y, llegado el caso, consigue la delicadeza necesaria para subrayar las líneas más elegiacas.

Pues nada más que no fue poco, dejamos para otra ocasión mis encuentros personales con este enorme artista, continuador en lo dramático de la escuela de los Capecchi, Montarsolo y Bruscantini».

[Machaidze:  aria de Elvira del Primer Acto, Escena VIII, de Los puritanos, Bellini. Con Juan Diego Flórez (Arturo), Ildebrando D'Arcangelo (Giorgio). Bologna, 2009]

«Nino Machaidze (Tblisi, Georgia, 1983) ha irrumpido con fuerza en el circuito de la ópera. Su voz y su imagen —alguien la llamó la ‘Angelina Jolie de la ópera’— han atraído la atención. En Valencia interpreta uno de los papeles más exigentes, con algunas de las notas más agudas del belcanto. Uno sólo advierte cierto reproche si se le insinúa si es la ‘nueva Anna Netrebko’».

—¿En qué piensa cuando tras representar la locura de Lucia, el público irrumpe en aplausos durante unos minutos?
—Soy sólo muy feliz, porque lo que hacemos es para el público y los aplausos demuestran que les ha gustado. Si puedo emocionar es que he conseguido mi objetivo.

—¿Es felicidad también por superar el reto del momento técnicamente más complicado?
—No, porque la ópera es un continuo, no hay un punto que tengas que hacer mejor, es de la primera a la última nota.

[Machaidze: Spargi d’amaro pianto. La Monnaie, 2009]

—¿Qué representa el personaje de Lucia para una soprano?
—Es un papel muy importante, muy difícil de cantar e interpretar, como todos los personajes que enloquecen. Creo que es de los más difíciles del belcanto y de toda la historia de la ópera.

—¿Que le pongan la etiqueta de ‘nueva diva’ es mucha presión para una cantante joven?
—No, es bello, me gusta [dice en español y ríe]. No me molesta, es algo que se dice y que la gente comenta, pero presión, no.

—¿Y la comparación con las grandes, como la Callas o más recientemente Anna Netrebko, cómo la lleva?
—Me parecen bien las comparaciones. En este mundo de la ópera siempre las hay, todo se compara. Lo importante es que la comparación sea positiva. Lo que no me gusta es que digan que soy ‘la nueva…’, porque yo soy Nino Machaidze, siempre lo he sido, no la nueva nadie, porque no es verdad. Uno es uno mismo.

—Da la impresión de que tiene claro que para la ópera no es necesario sólo cantar bien, sino también actuar.
—Sí, la interpretación es muy importante, en Lucia sobre todo, pero también en otros papeles del belcanto. Si Lucia sólo se canta, el papel se queda vacío, plano. En la ópera lo más importante es la voz, pero el teatro es un conjunto y hay que saber actuar. Además es algo natural; si tú escuchas la letra que estás cantando, representar esas palabras sale de manera automática.

—¿Piensa también que no es necesario llegar a las notas más altas para ser una buena cantante?
—Absolutamente de acuerdo, porque la ópera no son sólo una o dos notas, sino tres horas de música y hay que hacer bien la ópera completa.

—Hay cierto desprestigio del belcanto dentro del mundo de la ópera, ¿qué replica?
—No estoy de acuerdo. El belcanto es algo muy bonito y muy difícil, que no todos los cantantes pueden hacer. No se puede decir sólo Verdi o Puccini. Están muy bien, pero el belcanto es espléndido. La escena de la locura de Lucia o el aria final de Edgardo son extraordinarias. Es algo muy completo; hace falta agilidad, tener una voz grande y entonación.

—¿La imagen es fundamental hoy en día para abrirse camino?
—Hoy es importante estar en forma, ser ágil para poder moverse en el escenario, pero la ópera se llama así por la voz, que es lo más importante. Si eres guapa claro que te ayuda, pero no es lo más importante.

—¿Y el ‘glamour’, la imagen social, estar en prensa y fiestas, es también importante?
—Si sales en televisión y prensa, aumenta un poco tu nombre y te das más a conocer, pero día tras día has de demostrar cantando que realmente vales. Te haces más famoso, pero una cosa es el amor y otra, el trabajo.

—¿Hubiera llegado al mismo sitio si fuera menos agraciada físicamente?
—Espero que sí. Tengo mi voz y mi personalidad en el escenario, pongo todo mi corazón para demostrar al público que doy lo máximo, así que creo que sí que hubiera llegado igualmente.

—¿Considera una una falta de respeto eso de ‘la Angelina Jolie de la ópera’?
—No, es una mujer muy bella. Me lo tomo como un cumplido.

—¿Sus objetivos se centran en la ópera o está abierta a otras propuestas artísticas?
—La ópera es todo para mí. No podría vivir sin cantar y sin estar sobre un escenario, pero depende de cómo vayan las cosas. El cine, tal vez, sería una posibilidad, pero siempre relacionado con la ópera.

—¿Le interesa la política?
—La política no me gusta y no me interesa nada. Hay otras cosas mucho más bonitas por las que preocuparse.

—¿Pero está implicada con su país, Georgia, o se mantiene alejada de su realidad y sus conflictos vecinales?
—Sí que estoy informada de lo que pasa, porque mi familia vive allí y todos los días hablo con ellos. Estoy muy preocupada, porque allí la situación siempre es complicada. Ahora está más tranquila, pero es un país siempre en una situación de combate y no es fácil vivir allí. Es una pena porque es un país precioso. Ahora están yendo más turistas y se está empezando a revalorizar.