A propósito del artículo de opinión de Paco Roa sobre Miguel Fleta…, una grabación del artista aragonés que aún no tenemos en casa, más una versión de Alfredo Kraus de la misma romanza. Dos grandes, cada cual en su época y estilo, y por motivos diferentes.

No proponemos comparar, sólo escuchar. Que cada cual manifieste su opinión si lo considera oportuno. Como siempre…

Programa del concierto de Miguel Fleta del 2 de agosto de 1926 en la Plaza de toros de La Coruña.

(Gracias, Enrique)

Fleta / Adiós, Granada

(Gracias, Werther)

* * *
Actualización: 10 de febrero de 2011

De los Ángeles / Adiós, Granada

(Gracias, Roberto)

* * *
Actualización: 16 de febrero de 2011

(Gracias, Victoria)

¿1926?

* * *

Actualización: 18 de febrero de 2011

Romeu

(Gracias, Enrique, por el mp3 y la foto)

* * *

Actualización: 20 de febrero de 2011

Di Stefano

Álvarez Mera

García

Lázaro

Por cierto, nueva biografía sobre Lázaro (en catalán): Hipólito Lázaro. O paradiso!, de Miquel Pérez García. Témenos Edicions. 2011.

Luis Mariano

(Gracias, Juan, por los mp3 )

Actualización: 21 de febrero de 2011

Alexandrovich

(Gracias, Roberto, por el mp3 )

Programa (tercera página) del concierto de Miguel Fleta del 2 de agosto de 1926 en la Plaza de toros de La Coruña.

Migue Fleta ('La Estampa, Madrid, 4 de diciembre de 1928).

Nuevo libro a la vista sobre Alfredo Kraus: Alfredo Kraus, una concepción del canto, del crítico musical Arturo Reverter, autor de El arte del canto. Saldrá publicado en la editorial Alianza.

—Alfredo Kraus, una concepción del canto, responde a un encargo de la Asociación Lírica Asturiana Alfredo Kraus ¿Cómo surgió la idea?
—Tenía ganas de escribirlo desde hace tiempo, ya que poseía un material muy valioso en forma de entrevistas con Kraus realizadas a lo largo de más de 20 años. Pensé que sería interesante darles forma y usarlas como base de un estudio más amplio sobre él. Desde hace tiempo mantengo una intensa relación con la Asociación Lírica Asturiana Alfredo Kraus, que es una entidad que realiza muchas actividades todo el año. En una de las ocasiones en las que se me invitó para ofrecer una conferencia, hace 5 años, Carlos Abeledo, su presidente, me hizo el encargo del libro, que finalmente se publicará con la editorial Alianza.

—Haga un resumen del libro.
Mi trabajo ha consistido en comentar todo lo que Kraus va diciendo, ya sea a modo de glosa, apoyatura o incluso polémica porque, evidentemente, hay ocasiones en las que disiento de su opinión. A lo largo de 15 capítulos, Kraus nos muestra su técnica de canto y concepto interpretativo, tanto en ópera como en zarzuela. También analiza los principales personajes que ha cantado, y habla sobre su vertiente docente. El último capítulo es enteramente mío, y está dedicado a la técnica vocal.

—¿Cómo era su personalidad?
—Kraus era una persona exquisita, un hombre muy cordial, amable y educado, aunque es probable que no tuviera el don de gentes de Pavarotti o Domingo. Su manera de cantar era muy rigurosa, y estaba puesta al servicio de las reglas de oro del bel canto. Es posible que este aspecto le haya apartado de las grandes masas, pero para los buenos aficionados siempre será una referencia.

—¿Cuál fue la base que sustentó sus críticas a Los tres tenores?
—Él consideraba que no era apropiado popularizar la ópera como hacían Pavarotti. A él no le gustaban ese tipo de manifestaciones tan populares.

—Aunque, más tarde, él haría algo parecido.
—Sí, por supuesto. Era un hombre que, como todos, tenía algunas contradicciones. Creo que se sintió herido y preterido por ellos. Sentía que se le había dejado un poco de lado. Fue una sensación que, con los Juegos Olímpicos de Barcelona, se intensificó. Allí volvieron a tener sus más y sus menos, porque era evidente que no formaba parte del grupo. De cualquier manera, siempre fue un artista independiente, que se preocupó mucho de cuidar el repertorio que cantaba, buscando lo que mejor le iba. Esta forma de actuar también le separaba de los demás.

—Ernesto Palacio dijo que, llegado el momento, Kraus dejó de cantar bello para cantar con la voz colocada.
—Kraus siempre intentó hacer bel canto, en el sentido de cantar bello y bien. No obstante, sí es cierto que, entre los 55 y 60 años, se preocupó más de buscar determinadas sonoridades y puntos de apoyo para ir disimulando problemas que, de manera natural, el tiempo causa en una voz. Es sabido que tras los 50 años, la voz de cualquier tenor comienza a resquebrajarse, más o menos rápido; pero él poseía una técnica maravillosa que siempre se ha alabado, y que encaminó usando determinadas cavidades de resonancia que le interesaban para seguir cantando bien.

—¿Qué tipo de voz tenía?
—Era una lírico ligero. Lo fue siempre, desde que empezó a cantar hasta que se murió. Su timbre de voz fue siempre el mismo.

—Los expertos siguen sin ponerse de acuerdo para clasificar las voces.
—Es algo subjetivo. No hay un criterio absolutamente unívoco. Yo creo que, lo fundamental, es el timbre, más que el volumen y la extensión. Por poner un ejemplo: Plácido Domingo era un tenor corto, un tenor lírico que ni siquiera era pleno. Desde luego, nunca poseyó el color de las voces de Pavarotti o Carreras. Domingo es un auténtico fenómeno que se ha metido en lo dramático oscureciendo la voz, un recurso que es artificial. También engola y nasaliza, pero es un cantante de una gran resistencia.

—Nombre algún cantante actual que le guste.
—Juan Diego Flórez. En su canto no se aprecian desigualdades cuando realiza el pasaje, como tampoco se apreciaban en el Kraus joven o en Fritz Wunderlich. Francesco Meli es un lírico ligero tirando a lírico que lo está haciendo muy bien. Celso Albelo también es un tenor interesante, como un tenor tinerfeño que se llama Jorge de León.

(Gracias, Victoria)

Es ley de vida… Pero no por eso se siente menos. Ya todos ustedes lo saben. Falleció Joan Sutherland . ¿’La Stupenda’? El epíteto se le queda chico. Dame Joan Sutherland, una de las GRANDES de la historia de la lírica (con mayúsculas, como bien apuntaba Antonio).

Hasta siempre, Sutherland. Gracias, por tanto.

♣ El País.com

♣ ABC.es

(Gracias, Antonio. Gracias, Juan)

12 Octubre 2010 @ 5:27

(Gracias, Victoria)

Australia despide con un funeral de Estado a la soprano Joan Sutherland

Memoria de ‘La Stupenda’

En memoria de Joan Sutherland

(Gracias, Gabriela)

25 Septiembre 2010 @ 5:05

(Gracias, Victoria)

25 Septiembre 2010 @ 12:24

(Gracias, Dinora)

24 Septiembre 2010 @ 6:16

(Gracias, Victoria)

Sep 24, 2010 @ 2:03

Por unos ojazos negros,
igual que penas de amores,
hace tiempo tuve anhelos,
alegrías y sinsabores.

Y al dejarlos algún día,
me decían así llorando
no te olvides, vida mía,
de lo que te estoy cantando…

Una de románticos… (empedernidos;-) La idea partió de Victoria, allá por el mes de agosto (gracias, Victoria).

* Se admiten sugerencias. Como siempre.

Una buena noticia, publicada en el once aniversario del fallecimiento de Kraus, y que no parece haber originado en los medios gran repercusión: “La Escuela Superior de Canto Alfredo Kraus inicia su andadura“. Con sede en Las Palmas de Gran Canaria, donde se trasladará la Fundación que lleva el nombre del tenor, estará dirigida por su hija, Patricia Kraus Ley, “heredera directa de la técnica de su padre”.

“Nacerá con el propósito de dotar a la ciudad de un centro de alta formación profesional dirigido a los jóvenes cantantes de talento, tanto de las islas como del resto de la península y también de la comunidad internacional. (…)

La escuela acogerá a estudiantes de todas las nacionalidades y contará con un excelente cuadro de profesores de reconocido prestigio nacional e internacional bajo la dirección de la cantante española Patricia Kraus, hija de Alfredo, que cuenta en su bagaje profesional con una amplia carrera como pedagoga, además de ser heredera directa de la técnica de su padre el gran tenor”.

Una audición sobre la técnica de canto del gran Kraus que Werther nos recomendó en su momento (gracias mil, Werther).

«Berganza ha pedido que músicos y cantantes sean incluidos en las titulaciones universitarias. “¿No merecemos, ya que somos capaces de crear belleza, armonía y arte, el reconocimiento que merecen otras disciplinas artísticas?”».

9 de julio

[Alfredo Kraus: No puede ser!. Teatro Real, 1999]

* *

La atraccion del veneno

“Un tema recurrente en los semanarios y revistas del verano es ¿qué llevarías a un isla desierta? Una mayoría dice el móvil, y otra gran parte elige el ordenador. He dado vueltas a esta simple y profunda pregunta para llegar a una aparente frívola respuesta. Yo salvaría, en el posible viaje de deseos, un perfume.

Un móvil —¿con quién hablar si has elegido irte?— no tiene cargador. Un ordenador al fin necesita también enchufe y si te has ido a una isla desierta, las personas sobran y el mundo no importa. Lo que queda es el olor, como un rumor de permanencia. Lo sé, el aroma se va en el aire, pero queda el recuerdo. Y un recuerdo se puede evocar.

Cuando trabajaba en La Gaceta del Norte me atrapó el nombre de un perfume: Poison. Significa veneno. Abrí el tapón con miedo, como temiendo que su aroma me fuese a envolver en un sueño interminable, pero la fórmula alquímica entró lentamente por mi nariz y se fue apoderando de mí con una sensualidad casi maligna.

Sentí que me había hechizado y me daba respeto usarlo para ir a trabajar. Además, dejaba una estela casi lujuriosa y turbadora. Guardé la esencia sólo para noches especiales. La estrené en mi primera velada de ópera de la temporada de la ABAO. Era Lucía di Lammermoor con Alfredo Kraus, mi tenor favorito.

El veneno me llevó al camerino del tenor. Había entrevistado a Kraus por la mañana y me invitó a visitarle como Edgard en la noche. Para conseguir mi primer encuentro, cambié la entrevista por un desayuno. Al Ercilla iba a ir Lourdes Mateo, entonces la vedette de las entrevistas (perfectas y deliciosas conversaciones que Lourdes escribía la mejor).

Mi súplica la enterneció y con el fotógrafo Paco Gras —entrañable y querido fotógrafo— me encontré en el vestíbulo del hotel un mediodía de septiembre. Temblaba. Fue tanta mi turbación que cuando vi a Kraus le dije: “Desde niña he estado enamorada de usted”. Y le desarmé”.

Buscando hacer fortuna, como emigrante me fui a otras tierras
y entre las mozas una quedó llorando por mi querer.
Vuélvete al caserío, no llores más, mujer,
que en unos pocos años, muy rico me he de hacer
y, si me esperas, lo que tú quieras de mí conseguirás,
Maitetxu mía, Maitetxu mía, calla y no llores más.

(Gracias, Victoria)

* *
Para Miriam y Juan. Por aquel feliz 18 de abril.
Para que no olvidemos que no hace tanto, o hace muchos años, éramos nosotros quienes marchábamos lejos.

Rosa Kraus

(Gracias, Victoria)

—Hablábamos de Werther, hablabas de Werther, la obra de Massenet, que fue muy especial para tu padre. ¿Por qué fue tan especial?
—Yo creo que se adaptó perfectamente a todas las posibilidades tanto artísticas como vocales de mi padre. Y yo creo que él se identificó mucho con el héroe romántico. También porque a él le gustaba mucho meterse en los papeles que interpretaba, y yo creo que el Werther coincidía plenamente con todos sus gustos artísticos y musicales. (…)

—¿Cómo se percibe desde la familia el trato que recibe siempre la memoria de tu padre?
—Bueno, pues es increíble, claro, porque después de diez años de su muerte y por donde vas lo recuerdan ¡como si estuviera vivo!, porque realmente hablan de él como si estuviera vivo, y lo quieren muchísimo, no sólo a nivel artístico, sino también como persona, como ser humano, y eso emociona mucho. (…)

—En este país a menudo lo del recuerdo de las grandes figuras parece algo excepcional, por desgracia.
—Sí, yo tengo que decir que realmente el recuerdo de mi padre es a nivel de público, de aficionado y de las instituciones de su tierra, por supuesto, y luego los teatros y, sobre todo, el entendido en ópera, que no lo olvidará jamás, porque realmente marcó un hito en la época histórica que le tocó vivir.

No estoy tan contenta, sinceramente, a nivel nacional, con digamos estamentos un poquito más generales, que realmente no se hacen eco, pero yo creo que no sólo es de la figura de mi padre, sino de casi nadie; y eso creo que las figuras españolas que han llevado el nombre de España por el mundo y que, sobre todo, han contribuido a la cultura española, creo que se debería prestar más atención.

—Rosa, ¿el tiempo hace crecer el recuerdo de los grandes personajes; en este caso, de un gran cantante? Es decir, ¿te sorprenden algunas cosas que se dicen ahora de tu padre? ¿Ha crecido su figura con el tiempo?—Vamos a ver. Siempre se ve desde el recuerdo, como bien has dicho. Pero, sinceramente, yo también estas cosas las oí en vida de él; o sea, cada actuación suya era realmente un acontecimiento. Pero sí, posiblemente, lo que empieza un poco a crecer es el mito, del recuerdo.

—A tu padre le gustaba cantar zarzuela, ¿no?
—Sí, a él le gustaba mucho el género lírico español, y la verdad es que él lo interpretó siempre como si estuviera cantando ópera. Digamos que siempre le tuvo muchísimo respeto. Lo que no le gustaba era tener que hacer los diálogos, no le gustaba hablar y cantar al mismo tiempo (ríe) (…)

—¿Tu padre era muy clásico, muy conservador?
—No tanto. Yo creo que él era un persona… Bueno, al haber viajado mucho…; claro, empezó a ir muy pronto a Estados Unidos y por toda Europa, pues yo creo que no correspondía o no era el tipo de hombre español de la época, porque, claro, él había viajado, había visto cosas, y él nunca se definió exactamente como conservador, pero…, bueno, yo creo que era bastante abierto. (…)

—“Agrio, determinante y pragmático en sus juicios, pero también exquisito administrador de un arte que le facilitó llegar más allá del límite que marca la edad”.
—Sí. Posiblemente, sí. Era eso.

—¿Es cierto que tu madre viajaba casi siempre con él?
—Siempre.

—¿Y cómo llevabais vosotros, los cuatro hermanos, esta ausencia?
—Muy mal, lo llevábamos fatal. Porque, claro, ellos se iban… —desde muy pequeños, ¿eh?, o sea que desde siempre; sobre todo las temporadas que iban a Estados Unidos, que a lo mejor estaban cuatro o cinco meses fuera—, y, claro, se llevaba mal, porque los niños nos quedábamos en Madrid y venían nuestros abuelos cuando podían, porque todos vivían en Canarias, y siempre teníamos a alguien que nos cuidaba, pero se echaba mucho en falta su presencia. (…)

—Alfredo Kraus, fue y sigue siendo ejemplo de profesionalidad, de seriedad, de disciplina, de entrega. ¿Tu padre vivió para la música?
—Yo creo que sí. Concretamente, para la voz y para la ópera, porque él se cuidaba muchísimo. No era el típico tenor exagerado que iba con una bufanda… y se privaba de tomar cosas frías o no se tomaba su helado. Eso no. Porque él tenía además una salud excelente y un físico envidiable, pero sí que hacía todos los días sus ejercicios gimnásticos, nadaba… Se cuidaba, se cuidaba. Vocalizaba a diario, menos en vacaciones. Se cuidaba mucho.

—¿Era tan perfeccionista como parecía?
—Sí.

—¿Y era tan coqueto como parecía?
—Más. (risas)

—Rosa, ¿cuál crees que fue el secreto de una carrera tan larga como la de tu padre? ¿Ser muy consciente de sus limitaciones, por ejemplo; tener muy claro qué podía cantar o qué no podía cantar?
—Eso sobre todo, pero yo creo que fue un cúmulo de cosas. También yo creo que hubo mucha suerte en su vida, en el sentido de la buena salud que tuvo hasta el final, el cuidarse muchísimo, el saber lo que podía cantar y lo que no, y el perseverar en ese afán que tenía él de la búsqueda de la perfección, que yo creo que eso te marca una meta y es lo que realmente le llevó toda su vida a ser cada vez mejor.

—En 1997 falleció tu madre, y eso sumió a Alfredo Kraus en una profunda depresión. ¿Nunca pudo superarlo?
—No. No, no, no. Porque… ellos empezaron juntos desde muy pequeños, no sé, yo creo que tenían 14 años o algo así; y, claro, pues tener siempre la presencia constante al lado de mi madre, que yo creo que a un artista eso hace un poco volver a la “dimensión humana”, entre comillas, y a la dimensión de la cotidianeidad; o sea, el decir, pues, mira, ahora estamos en casa, y vamos a hacer una vida de familia…; o sea, el tener los pies en el suelo, que se dice, porque los artistas es muy fácil que se vayan a otras esferas, ¿no? Y el apoyo constante y siempre tenerla al lado…, eso él, como hizo toda la carrera así, no lo pudo superar, no lo puedo superar.

—De hecho, volvió a los escenarios me parece que nueves meses más tarde, pero nunca fue el mismo, ¿no?
—No; hombre, nosotros le animamos, toda la familia, por supuesto, a que volviera, porque era lo que había hecho toda su vida, y sumirse en casa en la desesperación y la tristeza pues hubiera sido peor para él. Y la verdad es que, bueno, él empezó un poco a remontar en aquella época, el decir, bueno, pues, voy otra vez a los escenarios, su cabeza ya estaba ocupada en esto, pero, desgraciadamente, la enfermedad ya estaba ahí, y no le dejó.

Estatua de Alfredo Kraus, a tamaño real, en la Plaza de Alfredo Kraus, frente al Auditorio Municipal Maestro Padilla, en la ciudad de Almería.

“Almería ha brindado su cariño a mi padre. Es la primera estatua que se le dedica en la Península. Toda la familia no puede por más de sentirse orgullosa y emocionada con este homenaje”, manifestó Rosa Kraus el día de la inauguración, en abril de 2007.

Al fondo, el Paseo Marítimo, sin duda la zona más bonita de la ciudad. A su vera, el mar, sólo la mar.

Firma de la autora, Lourdes Umérez. Una réplica de esta escultura preside desde noviembre de 2009 en el cementerio de Vegueta, en Las Palmas de Gran Canaria, la sepultura donde definitivamente descansan los restos mortales de Alfredo Kraus. El epitafio, elegido por el propio Kraus, reza así: “Silencio, aquí yace un tenor”.

[Fotos: Gio]

“Presumo de ser una persona natural; ahora, una cosa es lo que uno ve y lo que uno cree, y otra cosa es lo que pareces. Y muchas veces las apariencias —como tan sobradamente se ha dicho toda la vida— engañan; o sea, que yo no soy nada serio ni nada formal. Me gusta  la seriedad en el trabajo, en las relaciones humanas porque creo que profesionalmente, además,  así debe ser”.

“El do de pecho lo dan muy pocos cantantes porque es una de las notas más difíciles que hay. Pero, bueno, un cantante tampoco se cataloga porque dé o no dé el do de pecho, sino por una serie de cosas, entre las cuales, además, puede estar el do de pecho incluido”.

“Yo procuro ser auténtico —si se puede decir—, auténtico: cantar con una verdad. Cantar con un compromiso para intentar construir arte, para hacer una cosa que esté por encima de lo normal, desde mi punto de vista; o sea, desde la profesión que yo ejerzo”.

* *
13 de mayo

“Yo me siento muy unido, pero muy unido, a toda Andalucía. Y, además, para colmo, me gusta también el flamenco. Y además digo una cosa —que nadie ha dicho nunca pero que es cierta—, que los flamencos son los que cantan con mejor técnica del mundo. Mejor que los cantantes”.

“Los flamencos no saben por qué, pero lo hacen. Y es muy sencillo. Ellos buscan la defensa de la voz ante el estrés que significa cantar flamenco, y una noche seguida, y otra noche, y otra noche, y venga mandándose copas de vino, o de lo que sea, y fumando y no sé qué… Entonces, se defienden, cómo, a través de la técnica.

Lo mismo que hace un niño pequeño cuando llora, que llora defendiéndose para no quedarse afónico y colocando los sonidos, precisamente, fuera de la garganta, en lo que nosotros llamamos la máscara —que se dice en Italia—, que son los huecos que hay en los huesos frontales. Y ahí no hay manera de que te haga daño las cuerdas vocales ni hay manera de quedarse ronco. Y la prueba es que un niño pequeño llora, llora, llora, llora, y no se queda nunca ronco”.

“El profano se imagina al cantante de ópera todo el día en el escenario, cantando, dando dos de pecho y cosas de esas (ríe). Pero el cantante, cuando sale del escenario, pues se convierte en una persona normal y corriente…, y corriente”.

(Gracias, Victoria)

Y ahora sí, la Cueva de Nerja;-) Y el perro ladrando al mar… Uf, qué recuerdos… Todos buenos. Casi todos…

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[El gran Kraus: Com’è gentil la notte a mezzo april]

I puritani en el Real: aplausos para Diego Flórez; bravos para Eglise Gutiérrez

“Vocalmente el tenor ha estado tan sublime como suele estarlo aunque tampoco se ha entregado o así lo ha entendido el público, que ha premiado ’sólo’ con aplausos al peruano durante la representación, y unos ralos ‘bravos’ cuando ha salido a saludar, acostumbrado en este coliseo a verdaderos desbordamientos de entusiasmo”

“Casi todos los cantantes saltan a la fama con ocasión de una sustitución. Es el ciclo vital de la ópera. Pavarotti sustituyó a Di Stefano y Ramón Vargas se hizo un nombre como el Rodolfo que no pudo encarnar Luciano”.

27 de abril

[Teatro Coliseo. Buenos Aires, diciembre 2009]

¿No echan en falta algo?;-)

26 de abril

[Sì, ritrovarla io giuro, Liceo de Barcelona, enero 2008]

22 de abril

21 de abril

[Albelo: Credeasi misera, Puritani, Bellini. La Coruña, 2009]

(Gracias, Victoria)

[Dúo Orpheo: Maria Eugenia Boix y Jacinto Sánchez. Noviembre 2008]

20 de abril

Carreras, en Buenos Aires
Sábado 24 de abril, Luna Park, junto a Rebeca Olvera

Non piangere, Liù

[Con Mirella Freni, Paul Plishka, 1978]

—¿Cuál es su impresión sobre la actualidad en cuanto a los cantantes?
—Creo que en el mundo de la ópera hay magníficos profesionales cantantes y en la cuerda tenoril tenemos, por ejemplo, a un magnifico Juan Diego Flores para el repertorio ligero, rossiniano, y también está Villazón, un Manes, un José Cura y otros de altísimo nivel artístico. (…)
—Pero, ¡atención!, que no es sólo la voz o el talento para cantar lo que consagra a un artista, sino el cómo consigue llegar al público desde el punto de vista emocional… (…)
—¿Qué les recomendaría a los estudiantes de canto?
—Evidentemente, me gustaría tener las palabras adecuadas para cada uno de ellos, asunto ahora difícil, pero si tuviera que escoger una sugerencia para todos, ya ni siquiera un consejo, les diría que ante todo estén seguros de que son capaces de observar una disciplina férrea y muy seria en dedicación. Sin disciplina y rigor no se logra nada.

* *
—Hay magníficos tenores en la última generación. Para citar los primeros que me vienen a la cabeza: Roberto Alagna, Marcelo Alvarez, Rolando Villazón, José Cura y Juan Diego Flórez en su propio repertorio belcantista.
—De los cinco nombres que acaba de dar, cuatro son latinoamericanos…
—Y no son los únicos latinoamericanos. Hay otros, como (el mexicano) Ramón Vargas, y también hay grandes cantantes de otras cuerdas, tanto hombres como mujeres. Sin duda le ha llegado el turno a Latinoamérica, que está en un momento buenísimo en cuanto a voces, lo que también habla de la salud y la vigencia de la ópera entre ustedes.

17 de abril

16 de abril

Placido Domingo, La Scala, Simon Boccanegra. Quince minutos de sonada ovación para Domingo; abucheos para Daniel Barenboim

13 de abril

[Ch'i il bel sogno di Doretta, La rondine, Puccini]

Montserrat Caballé: “Aragón es la tierra de mi familia y ahora es también la mía”:
Caballé “interpretó un recital de 80 minutos que incluyó temas de Donizetti, Bellini, Rossini, Giménez y Serrano, entre otros. (…) Entre pieza y pieza, se incluyó la fotografía de gente que se quiso unir al homenaje a la catalana mientras la periodista María José Cabrera leía los textos que habían hecho llegar gente como Zubin Mehta, el barítono Carlos Álvarez, el tenor Juan Diego Flórez, José Cura, la soprano Ainhoa Arteta, Federico Mayor Zaragoza, Marilyn Horne, Jesús López Cobos y Joan Holender.

Todos destacaron ‘la calidad humana de la artista, por encima incluso de la profesional’ a la que calificaron como la mejor soprano del último medio siglo”.

[Liceo de Barcelona, abril 2010. Vídeo promocional]

12 de abril

Diana Damrau (hoy en el Liceo, El rapto en el serrallo):

“Para un cantante, ir cambiando del texto hablado al cantado es difícil. Muchos directores prefieren hacer recortes para evitar riesgos. Pero en esta versión hay momentos de suspense donde las palabras, como las atmósferas y los silencios, son claves”.

10 de abril

9 de abril

[A bello a me ritorna, cabaletta del Primer Acto de Norma, Bellini. Théâtre Antique d’Orange, 1974]

Medio siglo de Caballé
Concierto homenaje de Montserrat Caballé, el lunes 12 de abril, en el Auditorio de Zaragoza

8 de abril

Daniella Barcellona: “La función de un cantante es llevar lo que está en la partitura directamente al corazón del público”

La mezzosoprano italiana será hoy, y el sábado, Adalgisa en Norma en el Festival Internacional de Ópera Alejandro Granda

—Usted es una mezzosoprano. ¿Qué la diferencia de una soprano?
—La diferencia está en el color, en el volumen y la extensión de la voz. La voz de una soprano es más potente. Carmen, por ejemplo, es una obra escrita para una mezzosoprano. Si la canta una soprano, se puede crear una pared de sonido, donde la voz no pasa la orquesta y se pierde su coloratura. Una soprano no es mejor que una mezzosoprano. Somos diferentes.

—Es especialista en ‘bel canto’. Explíquenos qué es el bel canto…
—’Bel canto’ es ‘canto bello’, es decir, algo con más armonía y melodía; quizá por eso llega tanto a la gente. Es un canto muy elegante, rico en expresividad, con roles siempre positivos, como pasa con Tancredi, la ópera de Rossini, el máximo representante del bel canto. Bellini y Donizetti también lo hicieron.

[Di tanti palpiti, 2005]

—La crítica dice que usted hace el mejor Tancredi de la actualidad…
—(Ríe). No lo sé. A veces lo dice el público, pero yo no puedo juzgarme. Sí le puedo decir que amo esta obra porque le ha dado todo a mi carrera. Empecé en Pessaro, en 1999, con esta ópera, y con ella he recorrido teatros como la Scala de Milán, el Metropolitan Opera House (MET)… Solo me falta el Palais Garnier de París, pero este año cantaré allí (ríe).

—¿Qué diferencias hay entre cantar en la Scala y en el MET?
—Al MET, la gente va a divertirse y a pasar un día tranquilo, con música. En Italia, a veces, el público va a juzgar a los artistas, a oír si hizo bien tal o cual agudo, o si su carrera se está terminando; es decir, no va a divertirse necesariamente. Todos son unos expertos… pasa como en el fútbol, donde todos se creen entrenadores (risas).

7 de abril

Robert Carsen: “No estoy nada interesado en la provocación”

—El público de Madrid le adora, pero esta propuesta es muy distinta, menos espiritual. ¿No teme que la acogida no sea tan buena?
—Las otras dos eran obras muy reflexivas y emocionales. No estoy nada interesado en la provocación, pero aquí más bien habría que preguntar al público que no le guste cuáles eran sus expectativas: ¿por qué va no a ver una obra donde hay aberraciones sexuales y de todo tipo como en la historia de Salomé? El texto de Wilde fue muy impactante en su tiempo, la ópera también, este y cualquier montaje también debe serlo.

6 de abril

Salomé se va a Las Vegas

“Siglo XXI. ¿Dónde se puede encontrar gente que vista túnicas bíblicas? ¿Cuál es el lugar que representa el exceso más absoluto —codicia, frivolidad…—?

La respuesta la encontró Robert Carsen en Las Vegas, ciudad norteamericana donde el director de escena canadiense ha decidido trasladar su nuevo montaje de «Salomé», una coproducción entre el Teatro Regio de Turín, el Maggio Musicale Fiorentino y el Teatro Real de Madrid, donde se estrena el próximo domingo”.

[Nina Stemme: escena final de Salomé. Liceo de Barcelona, julio 2009]

“La piedra angular de la historia es la archiconocida danza de los siete velos, ‘una venganza de Salomé hacia sus padres’, que Carsen conserva pero transforma ‘de una más pervertida’, indica Jesús López Cobos, poniéndose al frente de 95 músicos pues se tocará la versión completa (a veces por problemas de espacios se han interpretado otras con menos instrumentos). Esta gran orquesta requiere de una gran voz, como es la de Nina Stemme, que ya interpretó este personaje la pasada temporada en el Liceo de Barcelona”.

5 de abril

[Damrau: Ach, ich liebte, aria de Konstanze del Primer Acto de El rapto en el serrallo, Mozart. Metropolitan Opera House, mayo 2008]

Debut de Diana Damrau en el Liceo

“Junto a ella, la también soprano Olga Peretyatko, los tenores Christoph Strehl y Norbert Ernst, el bajo Franz-Josef Selig y el actor berlinés Christoph Quest en el papel hablado del pachá Selim. La dirección musical correrá a cargo del británico Ivor Bolton”.

4 de abril

Malikian: Oblivion (Piazzola)

Malikian: Princesa

Ara Malikian: “Lo bastardo es preferible a lo puro, tanto en la música como en la sociedad”

—¿Por qué se piensa siempre en la música clásica sólo como una manifestación occidental y del hemisferio norte?
—Por el poco conocimiento que se tiene del mundo. Es verdad que la cuna de la música clásica es Europa, pero también existen músicas clásicas de las tradiciones árabe, japonesa o india que deberíamos conocer mejor, al igual que sus culturas de origen.

Frühbeck, Medalla del Palau de la Música

“En 1998, el galardón fue para el director de orquesta de origen argentino Daniel Barenboim, mientras que la mezzosoprano Teresa Berganza lo ganó en 1999, el tenor Alfredo Kraus en 2000 y al año siguiente, les fue concedida a título póstumo al director Luis Antonio García Navarro y al compositor Joaquín Rodrigo”.

3 de abril

Teatro de la Maestranza, 18 de marzo de 2010

Fabio Armiliato: “El protagonismo trae mala suerte”

“No es correcto para un cantante hacer declaraciones en los periódicos, ni responder públicamente a la provocación. En este momento necesitamos trabajar todos juntos por el teatro, dejando el ego atrás, sin esas polémicas. El protagonismo solo trae mala suerte”.

Se refiere Armiliato a la polémica de Marcelo Álvarez con el gran jefe del Real, Mortier.

2 de abril

26 de marzo de 2010

1 de abril

Simon Boccanegra y el problema del ausente

“Caído Plácido del cartel por su reciente operación, le siguieron la soprano, el tenor y el bajo. Pero Barenboim, sin inmutarse. A las siete de la tarde del martes atravesaba tranquilamente la gran plaza a sotavento de la Ópera fumándose un purazo formato Churchill. Media hora más tarde comenzaba una función en la que algunas de las voces suplentes ni siquiera llegaron con tiempo de ensayar.

Tampoco esto importa, porque además de tenerle allá abajo, dos pantallas de TV en el borde del primer piso transmiten a los cantantes cada uno de sus gestos. Cuando no basta, se pone de pie, alza los brazos muy por encima del foso y todo el mundo entra en caja al instante. Si el aplauso ralea al final, repite él sus salidas a escena y el público enloquece”.