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[El gran Kraus: Com’è gentil la notte a mezzo april]

I puritani en el Real: aplausos para Diego Flórez; bravos para Eglise Gutiérrez

“Vocalmente el tenor ha estado tan sublime como suele estarlo aunque tampoco se ha entregado o así lo ha entendido el público, que ha premiado ’sólo’ con aplausos al peruano durante la representación, y unos ralos ‘bravos’ cuando ha salido a saludar, acostumbrado en este coliseo a verdaderos desbordamientos de entusiasmo”

“Casi todos los cantantes saltan a la fama con ocasión de una sustitución. Es el ciclo vital de la ópera. Pavarotti sustituyó a Di Stefano y Ramón Vargas se hizo un nombre como el Rodolfo que no pudo encarnar Luciano”.

27 de abril

[Teatro Coliseo. Buenos Aires, diciembre 2009]

¿No echan en falta algo?;-)

26 de abril

[Sì, ritrovarla io giuro, Liceo de Barcelona, enero 2008]

22 de abril

21 de abril

[Albelo: Credeasi misera, Puritani, Bellini. La Coruña, 2009]

(Gracias, Victoria)

[Dúo Orpheo: Maria Eugenia Boix y Jacinto Sánchez. Noviembre 2008]

20 de abril

Carreras, en Buenos Aires
Sábado 24 de abril, Luna Park, junto a Rebeca Olvera

Non piangere, Liù

[Con Mirella Freni, Paul Plishka, 1978]

—¿Cuál es su impresión sobre la actualidad en cuanto a los cantantes?
—Creo que en el mundo de la ópera hay magníficos profesionales cantantes y en la cuerda tenoril tenemos, por ejemplo, a un magnifico Juan Diego Flores para el repertorio ligero, rossiniano, y también está Villazón, un Manes, un José Cura y otros de altísimo nivel artístico. (…)
—Pero, ¡atención!, que no es sólo la voz o el talento para cantar lo que consagra a un artista, sino el cómo consigue llegar al público desde el punto de vista emocional… (…)
—¿Qué les recomendaría a los estudiantes de canto?
—Evidentemente, me gustaría tener las palabras adecuadas para cada uno de ellos, asunto ahora difícil, pero si tuviera que escoger una sugerencia para todos, ya ni siquiera un consejo, les diría que ante todo estén seguros de que son capaces de observar una disciplina férrea y muy seria en dedicación. Sin disciplina y rigor no se logra nada.

* *
—Hay magníficos tenores en la última generación. Para citar los primeros que me vienen a la cabeza: Roberto Alagna, Marcelo Alvarez, Rolando Villazón, José Cura y Juan Diego Flórez en su propio repertorio belcantista.
—De los cinco nombres que acaba de dar, cuatro son latinoamericanos…
—Y no son los únicos latinoamericanos. Hay otros, como (el mexicano) Ramón Vargas, y también hay grandes cantantes de otras cuerdas, tanto hombres como mujeres. Sin duda le ha llegado el turno a Latinoamérica, que está en un momento buenísimo en cuanto a voces, lo que también habla de la salud y la vigencia de la ópera entre ustedes.

17 de abril

16 de abril

Placido Domingo, La Scala, Simon Boccanegra. Quince minutos de sonada ovación para Domingo; abucheos para Daniel Barenboim

13 de abril

[Ch'i il bel sogno di Doretta, La rondine, Puccini]

Montserrat Caballé: “Aragón es la tierra de mi familia y ahora es también la mía”:
Caballé “interpretó un recital de 80 minutos que incluyó temas de Donizetti, Bellini, Rossini, Giménez y Serrano, entre otros. (…) Entre pieza y pieza, se incluyó la fotografía de gente que se quiso unir al homenaje a la catalana mientras la periodista María José Cabrera leía los textos que habían hecho llegar gente como Zubin Mehta, el barítono Carlos Álvarez, el tenor Juan Diego Flórez, José Cura, la soprano Ainhoa Arteta, Federico Mayor Zaragoza, Marilyn Horne, Jesús López Cobos y Joan Holender.

Todos destacaron ‘la calidad humana de la artista, por encima incluso de la profesional’ a la que calificaron como la mejor soprano del último medio siglo”.

[Liceo de Barcelona, abril 2010. Vídeo promocional]

12 de abril

Diana Damrau (hoy en el Liceo, El rapto en el serrallo):

“Para un cantante, ir cambiando del texto hablado al cantado es difícil. Muchos directores prefieren hacer recortes para evitar riesgos. Pero en esta versión hay momentos de suspense donde las palabras, como las atmósferas y los silencios, son claves”.

10 de abril

9 de abril

[A bello a me ritorna, cabaletta del Primer Acto de Norma, Bellini. Théâtre Antique d’Orange, 1974]

Medio siglo de Caballé
Concierto homenaje de Montserrat Caballé, el lunes 12 de abril, en el Auditorio de Zaragoza

8 de abril

Daniella Barcellona: “La función de un cantante es llevar lo que está en la partitura directamente al corazón del público”

La mezzosoprano italiana será hoy, y el sábado, Adalgisa en Norma en el Festival Internacional de Ópera Alejandro Granda

—Usted es una mezzosoprano. ¿Qué la diferencia de una soprano?
—La diferencia está en el color, en el volumen y la extensión de la voz. La voz de una soprano es más potente. Carmen, por ejemplo, es una obra escrita para una mezzosoprano. Si la canta una soprano, se puede crear una pared de sonido, donde la voz no pasa la orquesta y se pierde su coloratura. Una soprano no es mejor que una mezzosoprano. Somos diferentes.

—Es especialista en ‘bel canto’. Explíquenos qué es el bel canto…
—’Bel canto’ es ‘canto bello’, es decir, algo con más armonía y melodía; quizá por eso llega tanto a la gente. Es un canto muy elegante, rico en expresividad, con roles siempre positivos, como pasa con Tancredi, la ópera de Rossini, el máximo representante del bel canto. Bellini y Donizetti también lo hicieron.

[Di tanti palpiti, 2005]

—La crítica dice que usted hace el mejor Tancredi de la actualidad…
—(Ríe). No lo sé. A veces lo dice el público, pero yo no puedo juzgarme. Sí le puedo decir que amo esta obra porque le ha dado todo a mi carrera. Empecé en Pessaro, en 1999, con esta ópera, y con ella he recorrido teatros como la Scala de Milán, el Metropolitan Opera House (MET)… Solo me falta el Palais Garnier de París, pero este año cantaré allí (ríe).

—¿Qué diferencias hay entre cantar en la Scala y en el MET?
—Al MET, la gente va a divertirse y a pasar un día tranquilo, con música. En Italia, a veces, el público va a juzgar a los artistas, a oír si hizo bien tal o cual agudo, o si su carrera se está terminando; es decir, no va a divertirse necesariamente. Todos son unos expertos… pasa como en el fútbol, donde todos se creen entrenadores (risas).

7 de abril

Robert Carsen: “No estoy nada interesado en la provocación”

—El público de Madrid le adora, pero esta propuesta es muy distinta, menos espiritual. ¿No teme que la acogida no sea tan buena?
—Las otras dos eran obras muy reflexivas y emocionales. No estoy nada interesado en la provocación, pero aquí más bien habría que preguntar al público que no le guste cuáles eran sus expectativas: ¿por qué va no a ver una obra donde hay aberraciones sexuales y de todo tipo como en la historia de Salomé? El texto de Wilde fue muy impactante en su tiempo, la ópera también, este y cualquier montaje también debe serlo.

6 de abril

Salomé se va a Las Vegas

“Siglo XXI. ¿Dónde se puede encontrar gente que vista túnicas bíblicas? ¿Cuál es el lugar que representa el exceso más absoluto —codicia, frivolidad…—?

La respuesta la encontró Robert Carsen en Las Vegas, ciudad norteamericana donde el director de escena canadiense ha decidido trasladar su nuevo montaje de «Salomé», una coproducción entre el Teatro Regio de Turín, el Maggio Musicale Fiorentino y el Teatro Real de Madrid, donde se estrena el próximo domingo”.

[Nina Stemme: escena final de Salomé. Liceo de Barcelona, julio 2009]

“La piedra angular de la historia es la archiconocida danza de los siete velos, ‘una venganza de Salomé hacia sus padres’, que Carsen conserva pero transforma ‘de una más pervertida’, indica Jesús López Cobos, poniéndose al frente de 95 músicos pues se tocará la versión completa (a veces por problemas de espacios se han interpretado otras con menos instrumentos). Esta gran orquesta requiere de una gran voz, como es la de Nina Stemme, que ya interpretó este personaje la pasada temporada en el Liceo de Barcelona”.

5 de abril

[Damrau: Ach, ich liebte, aria de Konstanze del Primer Acto de El rapto en el serrallo, Mozart. Metropolitan Opera House, mayo 2008]

Debut de Diana Damrau en el Liceo

“Junto a ella, la también soprano Olga Peretyatko, los tenores Christoph Strehl y Norbert Ernst, el bajo Franz-Josef Selig y el actor berlinés Christoph Quest en el papel hablado del pachá Selim. La dirección musical correrá a cargo del británico Ivor Bolton”.

4 de abril

Malikian: Oblivion (Piazzola)

Malikian: Princesa

Ara Malikian: “Lo bastardo es preferible a lo puro, tanto en la música como en la sociedad”

—¿Por qué se piensa siempre en la música clásica sólo como una manifestación occidental y del hemisferio norte?
—Por el poco conocimiento que se tiene del mundo. Es verdad que la cuna de la música clásica es Europa, pero también existen músicas clásicas de las tradiciones árabe, japonesa o india que deberíamos conocer mejor, al igual que sus culturas de origen.

Frühbeck, Medalla del Palau de la Música

“En 1998, el galardón fue para el director de orquesta de origen argentino Daniel Barenboim, mientras que la mezzosoprano Teresa Berganza lo ganó en 1999, el tenor Alfredo Kraus en 2000 y al año siguiente, les fue concedida a título póstumo al director Luis Antonio García Navarro y al compositor Joaquín Rodrigo”.

3 de abril

Teatro de la Maestranza, 18 de marzo de 2010

Fabio Armiliato: “El protagonismo trae mala suerte”

“No es correcto para un cantante hacer declaraciones en los periódicos, ni responder públicamente a la provocación. En este momento necesitamos trabajar todos juntos por el teatro, dejando el ego atrás, sin esas polémicas. El protagonismo solo trae mala suerte”.

Se refiere Armiliato a la polémica de Marcelo Álvarez con el gran jefe del Real, Mortier.

2 de abril

26 de marzo de 2010

1 de abril

Simon Boccanegra y el problema del ausente

“Caído Plácido del cartel por su reciente operación, le siguieron la soprano, el tenor y el bajo. Pero Barenboim, sin inmutarse. A las siete de la tarde del martes atravesaba tranquilamente la gran plaza a sotavento de la Ópera fumándose un purazo formato Churchill. Media hora más tarde comenzaba una función en la que algunas de las voces suplentes ni siquiera llegaron con tiempo de ensayar.

Tampoco esto importa, porque además de tenerle allá abajo, dos pantallas de TV en el borde del primer piso transmiten a los cantantes cada uno de sus gestos. Cuando no basta, se pone de pie, alza los brazos muy por encima del foso y todo el mundo entra en caja al instante. Si el aplauso ralea al final, repite él sus salidas a escena y el público enloquece”.

[Gruberova: Pâle et blonde...,  aria de la locura (segunda parte) Hamlet, Thomas. Teatro Real, 21 de marzo de 2010]

Una edición más de ‘Viva la ópera’ que no necesita presentación. La única audición que encontré sobre el recital de Gruberova del pasado 21 de marzo va sobre estas líneas.

Esperamos que alguien más se anime a participar y nos cuente por escrito qué escuchó, vivió, sintió… en determinada interpretación operística o recital lírico de un cantante. Vale también contarlo de viva voz, por qué no. ¿Alguien se atreve?

Insistimos: no es imprescindible que los recuerdos sean de ayer mismo.  Si lo atesoran en su memoria, seguro que es bueno. Sugerencias, textos…, ya saben, a operasiempre[arroba]gmail.com

El autor de la crónica, o critica, como prefieran, que hoy llevamos a portada es Paco Roa: gracias mil.

La Gruberova dicta una clase magistral de canto y ‘artisteo’ en su despedida de Madrid

Me preguntaba nuestra amable anfitriona si quería dejar en el foro una reseña del concierto lírico que la Gruberova ofreció en el Teatro Real de Madrid, el pasado día 21 de Marzo del corriente.

Supuestamente me quede algún lector, cosa que a estas alturas de tan pertinaz presencia mía (al igual que aquella famosa sequía del franquismo que bien recordamos los mayores de estos pagos) en este tan grata tertulia operística dudo razonablemente, conocerá de sobra que soy un tanto renuente a pronunciarme, ni para bien ni para mal, sobre las sopranos, toda vez que, primero, no son de mi negociado, y, segundo, cada una de ellas dispone para su uso discrecional de prietas legiones de seguidores incondicionales y rendidos admiradores —a los que, mucho ojo, se oponen en parecido número los abigarrados detractores— que ya se ocupan y preocupan por mantenerlas en el candelero, ora para endiosarlas, los primeros; ora para enfangarlas, los segundos.

Mientras que mis queridas mezzos y contraltos, pobrecitas, como no tener no tienen siquiera un perrito que les ladre (bueno, a excepción de una, la Larmore, cuyo miniaturizado can es un primor). Y que conste que no tengo absolutamente nada en contra de quienes son consideradas las reinas indiscutibles de la ópera, más bien estoy claramente a su favor (recordarán que, de hecho, no tuve el más mínimo problema en echar mi cuarto a espadas para salir en defensa de la Milanov y de la Gencer cuando entendí que se las había minusvalorado injustamente), pero, ¡caramba!, hay que equilibrar un poco la balanza, digo yo.

Bien, pues si hay una soprano en activo que, aun siendo ya ¡sesentona!, cuenta con una verdadera multitud de leales por todo el mundo repartidos e inasequibles al desaliento —desde luego, no parece que dé muestras de cansancio alguno por más que la persigan (¿atosigan?) de plaza en plaza— esa es sin el menor riesgo a equivocarnos Edita Gruberova (al concierto de referencia no faltaron, fíjense bien, ni los inevitables japoneses de cuota).

Por esta razón me resulta un tanto chocante que ninguno de los tertulianos, ya sean eventuales o fijos, que tiene “ópera, siempre” haya pedido la palabra para contarnos lo mucho y bueno que dio de sí la eslovaca en su esperada reaparición en el coliseo madrileño. En fin, en el primer hueco que tengo tras el alta hospitalaria de mi madre, venzo mi natural reticencia sopranil —además la ocasión ya verán que lo merece— accediendo muy gustosamente a la invitación que me hacía la gestora del foro, y en lo que sigue les dejo una modesta crítica del evento en cuestión.

Dentro del ciclo de “Grandes Voces” de la actual temporada lírica 2009-2010 del Teatro Real de Madrid, se inscribe este cuarto concierto de los anunciados que protagonizó la veterana soprano, una de las cantantes sin duda alguna más respetadas y sobresalientes de su generación, Edita Gruberova.

En atril estuvieron presentes fragmentos de celebradas partituras de Rossini, Bellini, Verdi y Massenet, seleccionados éstos para los momentos meramente orquestales, alternándose, ya en la parte vocal, con otros pertenecientes a obras no menos aplaudidas de Donizetti, Bellini, Verdi y Thomas.

Sin sorpresas, pues, en la elección de este bien ensamblado programa musical de sobra conocido por los aficionados y perfectamente acomodado al saludable estado vocal por el que atraviesa la grandísima intérprete de Bratislava. Si bien, como reza el dicho popular, más vale maña que fuerza, en ocasiones es preciso disponer y hacer uso tanto de la primera como de la segunda para conseguir llevar a buen puerto determinadas empresas que requieren de ambas cualidades.

En esa convicción dirigió la orquesta titular del Real el joven maestro alemán Michael Güttler, de una parte, con la suficiente habilidad, esmero, cuidado y como, en apariencia, dejando hacer para conducir a los profesores donde él quería sin que se notase, y así pudimos disfrutar de una matizadísima ‘Meditación’ de Thaïs —con total seguridad lo más logrado de la velada lírica instrumentalmente hablando—, colmada de sosiego y delicadeza (aquí es de justicia hacer mención expresa del primer violín de la formación, Rafael Khismatulin), pero también, de otra, sabiendo imponer su autoridad con mano firme y hasta con la adecuada dosis de contundencia, para firmar, entre lo más destacable de las piezas sinfónicas, unas rotundas oberturas de Guillaume Tell, con la que se abrió el concierto, y de La forza del destino, ya en el comienzo de la segunda parte.

Aprobaron con nota a mi juicio, pues, director y profesores, que además, lo cual no es poco, dejaron cantar, cosa que no se pudo decir del director que nos tocó en “suerte” en la precedente Andrea Chénier, Víctor Pablo Pérez.

Yo creo que a estas alturas de su carrera resultaría totalmente ocioso por mi parte, hasta incluso ridículo, pretender descubrirles a quien durante más de 40 años de ininterrumpida carrera —sin haber cosechado ni una sola mala crítica y habiéndose venido abajo todos y cada uno de los teatros por ella visitados— está considerada con toda la razón en virtud de los méritos contraídos como un prodigioso fenómeno vocal de irreprochable línea de canto, musicalidad innata, y capaz de articular sin necesidad de desmelenarse cualquiera de las intricadas agilidades del más arduo pentagrama que se le proponga a modo de desafío.

Soslayamos, pues, las presentaciones, y antes que nada sí convenga quizá indicarles brevemente cuál es la situación tanto vocal como interpretativa que después de tantos lustros cantando sin desmayo tiene en nuestros días la Gruberova.

Seguro que también muchos de Vds. conocen la evolución que ha tenido su instrumento vocal, pero como estoy de acuerdo con mi buen amigo el cátedro de Ética D. José Luis, últimamente compañero de fatigas operísticas de un servidor, cuando dice que “en los tiempos que corren no se puede dar (casi) nada por sabido”, lo dejo apuntado a vuelapluma.

No obstante haber llamado la atención esta genial intérprete desde sus inicios profesionales porque, aun pudiendo ser clasificada correctamente como una soprano coloratura, su instrumento resultaba mucho más grande, voluminoso, amplio y, al cabo, de superior vigor “tímbrico” que el de sus colegas de agilidad —pongamos, qué sé yo, una Sills o una Serra, de voces, además, punto monocromáticas—, nunca se apartó en esos primeros años de carrera de los papeles que conforman el repertorio al uso de las cantantes “jilguero”, dejándonos así indelebles creaciones, impecablemente cantadas y no por ello peor escenificadas, de las Lucia, Reina de la Noche (¡11 temporadas teniéndola en repertorio, hasta cumplidos los cuarenta años de edad!), Zerbinetta, Olympia, Norina, Oscar (no confundir con el tertuliano D. Óscar, al que aprovecho para saludarle afectuosamente), Lakmé, Amina, Konstanze…

Pero no bien entrada la década de los noventa del pasado siglo, la voz en evolución de Edita Gruberova comienza a experimentar un mayor ensanche y expansión, se sombrea paulatinamente su zona aguda, va ganando en facilidad para el canto spianato y consigue una correcta emisión de las notas de centro, por lo que deviene apta ya para transitar hacia personajes no exentos de ornamentación vocal bien que de un mayor fuste dramático.

De este modo, acomete con total garantía sus primeras reinas Tudor, Dña. Ana, la Condesa, Violetta (ya probada en su juventud), Elvira, Julieta, Semíramis, y más recientemente Norma o Lucrezia Borgia (2009), mientras que, por otra parte, rechaza sistemáticamente cuantas proposiciones se le hacían para avanzar hacia terrenos de superior peso vocal aún al de estos últimos papeles incorporados.

Con lo dicho, pues, a lo que cabe añadir una gradual reducción selectiva de sus actuaciones operísticas en los últimos años —no oculta una total discrepancia con no pocos escenógrafos— para centrarse mucho más en los recitales, tenemos bien definido, creo, su momento actual como intérprete que ha logrado lo que no todos pueden decir, la total plenitud de la que hoy disfruta: canta y actúa mejor que nunca todo cuanto quiere (y debe), como quiere, cuando quiere, y donde quiere.

Una más que probada inteligencia a la hora planificar la carrera, a lo que hay que sumar una dosificación adecuada, además de, claro está, estudio y trabajo sin descanso, y, en última instancia, interpretando en cada momento únicamente lo que más le convenía han obrado el “prodigio” de preservar su voz (casi) intacta, sin apenas desgaste perceptible, en su año ¡cuarenta y dos! de profesión. “¡A ver si aprenden otras!”.  Repetía una y otra vez no bien concluía cada interpretación la Gruberova el caballero que teníamos justo a nuestras espaldas, en la fila anterior del patio de butacas.

Y es que hay que reconocer que muy pocas sopranos (ciertas de no poca nombradía que se consideran coloratura no saben ni trinar, y no me tiren de la lengua), si acaso alguna, han conseguido lo que ella a su ya avanzada edad, la casi absoluta ausencia de vibrato, no digamos ya siquiera el más mínimo asomo de trémolo alguno, unos agudos y sobreagudos que aún son verdaderos chupinazos, una cosa ciertamente astral, conservar (casi) la misma amplitud dinámica que tenía de joven, y, en fin, una voz, antes que fenecida como la de sus colegas de “quinta”, increíblemente lozana; y todos estos recursos puestos a la disposición de un programa que hubiera arredrado a la más intrépida de las veinteañeras.

Tras una estimulante obertura de Guillaume Tell, salió a escena, acogida con gran cariño y una interminable ovación de las que sólo se reservan para las muy grandes ocasiones, una bien elegante Edita Gruberova preparada para sentar cátedra con sus muchas tablas y su insuperable oficio canoro. De los cuales ya nos dio sobrada muestra en las mismas páginas iniciales ‘Tranquillo ei posa… Com’ è bello! Quale incanto’ y ‘Respiro io qui… Ma la sola, ohimè!, son io… Ah! la pena in lor piombò’, de Lucrezia Borgia y Beatrice di Tenda, respectivamente, sabiéndoles imprimir el carácter propio de dichas páginas y haciendo gala de un firme registro central, de una buena disposición dramática, y también, lógicamente, de su confesado talón de Aquiles, nadie es perfecto: los graves.

[Sempre libera]

Pero lo mejor estaba aún por llegar de la mano de Verdi, antes de irnos al descanso y justo después de la ‘Música de ballet’ de Macbeth, más Verdi ahora con el aria del primer acto de La Traviata, ‘È strano… Ah, fors’è lui… Sempre libera’, que he de confesarles todavía resuena en mis oídos. Aquí, amigos míos, la Gruberova echó el resto: plena intensidad interpretativa e inteligente control de sus fabulosos medios vocales, es verdad que con alguna puntual nota alta mal negociada, para dejarnos en el recuerdo la imborrable delectación de una sublime Violetta nunca antes así cantada.

Ya en el descanso, no se hablaba de otra cosa más que de lo que recién se había escuchado y que aún nadie daba crédito, y es que, verdaderamente, parece no tener explicación humana lo que hace esta señora con su instrumento.

En fin, cambió de vestuario nuestra soprano para afrontar la segunda mitad del concierto, ahora vestido de raso largo de color negro, y vino lo que me resultó menos satisfactorio, acaso fruto del necesitado relajo tras la tensión generada en la endiablada aria de la frívola cortesana, una un punto acomodaticia Belliniana ‘O rendetemi la speme…Qui la voce sua soave…Vien, diletto, è in ciel la luna’, cantada con distancia, como únicamente para coger fuerzas, sacar el arresto necesario y poder hacer justicia a ese verdadero “tour de force” interminable que es la escena de la locura ‘A vos jeux, mes amis’ de la Ofelia “hamletiana”.

[Vien, diletto, è in ciel la luna, Puritani, Bellini. 1985.]

Y visto lo visto, cómo desentrañó tanto con el gesto como con la voz el alma de este atormentado personaje, frágil de cuerpo y de mente, que es Ofelia, todos nos pusimos en pie para premiar con vítores esta generosa muestra del talento y el arte de la Gruberova. Con las dos propinas fuera de programa concedidas –Linda de Chamonix y El Murciélago, que sirvió para sacar el lado más cómico de la genial intérprete— se cerró, tras quince minutos de aplausos, el triunfal concierto.

Una sensación agridulce nos quedó al final a todos: por un lado, felicidad completa por haber podido gozar hasta lo indecible de una jornada musical que cabe ya calificar de histórica, y, por otro, la pena de que, casi con toda seguridad, no se volverá a repetir en Madrid. Su edad y, el que supone un obstáculo mucho mayor, Gérad Mortier nos lo impedirán.

Muchas gracias de antemano a la gentil anfitriona por la publicación de esta crónica, saludos cordiales y hasta una próxima ocasión.

[Machaidze:  aria de Elvira del Primer Acto, Escena VIII, de Los puritanos, Bellini. Con Juan Diego Flórez (Arturo), Ildebrando D'Arcangelo (Giorgio). Bologna, 2009]

«Nino Machaidze (Tblisi, Georgia, 1983) ha irrumpido con fuerza en el circuito de la ópera. Su voz y su imagen —alguien la llamó la ‘Angelina Jolie de la ópera’— han atraído la atención. En Valencia interpreta uno de los papeles más exigentes, con algunas de las notas más agudas del belcanto. Uno sólo advierte cierto reproche si se le insinúa si es la ‘nueva Anna Netrebko’».

—¿En qué piensa cuando tras representar la locura de Lucia, el público irrumpe en aplausos durante unos minutos?
—Soy sólo muy feliz, porque lo que hacemos es para el público y los aplausos demuestran que les ha gustado. Si puedo emocionar es que he conseguido mi objetivo.

—¿Es felicidad también por superar el reto del momento técnicamente más complicado?
—No, porque la ópera es un continuo, no hay un punto que tengas que hacer mejor, es de la primera a la última nota.

[Machaidze: Spargi d’amaro pianto. La Monnaie, 2009]

—¿Qué representa el personaje de Lucia para una soprano?
—Es un papel muy importante, muy difícil de cantar e interpretar, como todos los personajes que enloquecen. Creo que es de los más difíciles del belcanto y de toda la historia de la ópera.

—¿Que le pongan la etiqueta de ‘nueva diva’ es mucha presión para una cantante joven?
—No, es bello, me gusta [dice en español y ríe]. No me molesta, es algo que se dice y que la gente comenta, pero presión, no.

—¿Y la comparación con las grandes, como la Callas o más recientemente Anna Netrebko, cómo la lleva?
—Me parecen bien las comparaciones. En este mundo de la ópera siempre las hay, todo se compara. Lo importante es que la comparación sea positiva. Lo que no me gusta es que digan que soy ‘la nueva…’, porque yo soy Nino Machaidze, siempre lo he sido, no la nueva nadie, porque no es verdad. Uno es uno mismo.

—Da la impresión de que tiene claro que para la ópera no es necesario sólo cantar bien, sino también actuar.
—Sí, la interpretación es muy importante, en Lucia sobre todo, pero también en otros papeles del belcanto. Si Lucia sólo se canta, el papel se queda vacío, plano. En la ópera lo más importante es la voz, pero el teatro es un conjunto y hay que saber actuar. Además es algo natural; si tú escuchas la letra que estás cantando, representar esas palabras sale de manera automática.

—¿Piensa también que no es necesario llegar a las notas más altas para ser una buena cantante?
—Absolutamente de acuerdo, porque la ópera no son sólo una o dos notas, sino tres horas de música y hay que hacer bien la ópera completa.

—Hay cierto desprestigio del belcanto dentro del mundo de la ópera, ¿qué replica?
—No estoy de acuerdo. El belcanto es algo muy bonito y muy difícil, que no todos los cantantes pueden hacer. No se puede decir sólo Verdi o Puccini. Están muy bien, pero el belcanto es espléndido. La escena de la locura de Lucia o el aria final de Edgardo son extraordinarias. Es algo muy completo; hace falta agilidad, tener una voz grande y entonación.

—¿La imagen es fundamental hoy en día para abrirse camino?
—Hoy es importante estar en forma, ser ágil para poder moverse en el escenario, pero la ópera se llama así por la voz, que es lo más importante. Si eres guapa claro que te ayuda, pero no es lo más importante.

—¿Y el ‘glamour’, la imagen social, estar en prensa y fiestas, es también importante?
—Si sales en televisión y prensa, aumenta un poco tu nombre y te das más a conocer, pero día tras día has de demostrar cantando que realmente vales. Te haces más famoso, pero una cosa es el amor y otra, el trabajo.

—¿Hubiera llegado al mismo sitio si fuera menos agraciada físicamente?
—Espero que sí. Tengo mi voz y mi personalidad en el escenario, pongo todo mi corazón para demostrar al público que doy lo máximo, así que creo que sí que hubiera llegado igualmente.

—¿Considera una una falta de respeto eso de ‘la Angelina Jolie de la ópera’?
—No, es una mujer muy bella. Me lo tomo como un cumplido.

—¿Sus objetivos se centran en la ópera o está abierta a otras propuestas artísticas?
—La ópera es todo para mí. No podría vivir sin cantar y sin estar sobre un escenario, pero depende de cómo vayan las cosas. El cine, tal vez, sería una posibilidad, pero siempre relacionado con la ópera.

—¿Le interesa la política?
—La política no me gusta y no me interesa nada. Hay otras cosas mucho más bonitas por las que preocuparse.

—¿Pero está implicada con su país, Georgia, o se mantiene alejada de su realidad y sus conflictos vecinales?
—Sí que estoy informada de lo que pasa, porque mi familia vive allí y todos los días hablo con ellos. Estoy muy preocupada, porque allí la situación siempre es complicada. Ahora está más tranquila, pero es un país siempre en una situación de combate y no es fácil vivir allí. Es una pena porque es un país precioso. Ahora están yendo más turistas y se está empezando a revalorizar.

Decíamos ayer sobre esta foto: “El 4 de agosto de ese mismo año, 1915, tiene lugar una actuación memorable en el Colón: Enrico Caruso y Titta Ruffo interpretan el Primer Acto de I Pagliacci en una función extraordinaria (ahí los tienen)”.

Información y fotografía procedentes del libro Titta Ruffo. La mia parabola. Memorie. Staderini Editore. Pomezia (Roma), 1977. Capítulo “Ilustrazioni”, foto número 66.

“66. Caruso (seduto) e T. R. nei panni di Canio e Tonio. Foto presa in occasione di una serata straordinaria pro Associazione stampa argentina durante la quale fu eseguito il primo atto dei Pagliacci. La serata ebbe luogo al Colón di Buenos Aires il 4 agosto 1915 (questa è la data essata del raro cimelio fotografico)”.

Y precisaba hace unos días el investigador de ópera uruguayo Antonio Lagatta Mazzeo (gracias mil):  

“En realidad la foto está cortada, ya que a la derecha de Caruso se encuentra Hipólito Lázaro (eliminado en la foto agregada), y la foto completa fue tomada después de la interpretación de la ópera completa I PAGLIACCI en el Teatro Urquiza de Montevideo, el 16 de agosto de 1915. Previamente Hipólito Lázaro (que en la foto está vestido de smoking) había cantado “Cavalleria Rusticana”.

Ver: Foto Nº 41 (entre las páginas 308 y 309) del libro “My Parabola” RUFFO – The autobiography of Titta Ruffo -
Motiva esta mi intervención el hecho de que no es la primera vez que se pretende hacer pasar esta foto de Caruso y Ruffo (eliminando a Lázaro) como tomada en el Teatro Colón, ya lo había notado en el libro “Historia de los cantantes líricos” de Néstor Echeverría (pág.. 113)”.

Gracias por la paciencia y sepan disculpar a este uruguayo que quiere poner las cosas en su sitio”.

Aquí los tienen.  De izquierda a derecha, Hipólito Lázaro, Enrico Caruso y Titta Ruffo. Montevideo,  16 de agosto de 1915.

Sobre estas líneas, portada de la biografía de Titta Ruffo en la que consta reproducida la famosa foto (página 45), con la fotografía sin recortar y el lugar y la fecha correctos: Ruffo. My Parabola. The autobiography of Titta Ruffo, edición posterior a la italiana de 1977, de donde procede la información y la fotografía en la que Hipólito Lázaro desapareció del mapa.

Además de en Titta Ruffo. La mia parabola. Memorie. Pomezia (Roma), 1977, la fotografía sin Lázaro aparece reproducida en el librito Gent nostra. Hipòlit Lázaro. Ramón Sabatés. Barcelona, 1987.  Y, como nos informa Lagatta Mazzeo, en Historia de los cantantes líricos de Néstor Echeverría (desconozco si en esta edición). Probablemente, en algún otro libro más. Probablemente también, el recorte y la incorrección en lugar y fecha partieron de las primeras ediciones de la biografía de Ruffo, aunque sólo tenemos constancia de ello en la de 1977. ¿Alguien cuenta con la edición de 1937 para poder verificarlo?

Si efectivamente fue así, cabe preguntarse por qué en las primeras ediciones de la biografía de Ruffo, se eliminó inmiserocordemente a Hipólito Lázaro de la foto. Las cosas nunca ocurren por casualidad, ¿o sí?

Y  aunque nada tengamos que ver con el recorte, qué menos que, en desagravio, escuchemos a Lázaro cantar:

Hipólito Lázaro / A te, o cara

Escribe Sagarmínaga sobre Lázaro:

“Hipólito Lázaro, que presumía de cantar siempre a tono, se consideraba a sí mismo el mejor tenor del mundo. Disculpémosle esta bravata (pues lo primero era verdad), que no es sino un modo de autoafirmación, casi ineludible en quien a menudo es juzgado por sus congéneres. Y disculpémosle de paso que no lo dijera en el mejor momento histórico, pues lo cierto es que en el mundo había unos cuantos más que eran también el mejor tenor del mundo. En el mundo estaba Caruso (del que Lázaro en algún caso habló con gran desdén) y, casi a un palmo de su cara, también estaba Fleta.

Por hacer alusión a la rivalidad que existió en su tiempo entre fletistas y lazaristas, cabe decir que Lázaro sobrepujó al tenor maño en longevidad vocal y en extensión de la zona aguda. Pero Fleta, además de en la difícil asignatura del filado, siendo emotivos entrambos le superó en emotividad. Los dos eran a veces arbitrarios, y a veces de esas veces magníficos en sus volátiles prontos libérrimos. Mas entre los cantantes de su tiempo y de su cuerda, acaso tuvo mayor parentesco con los De Muro, Martinelli o Lauri-Volpi de alientos colosales…Y con no muchos más.

El primer factor asombroso en Hipólito Lázaro es su timbre vibrante y viril, de fuertes resonancias y soberana expansión. Ello, junto a la gran extensión de su voz, son trazos que le caracterizan. Mas también poseía —a modo de extraño negativo— una media voz, cálida y dulce, cuyo cabrilleo más o menos pronunciado se acentuaba en los finales de frase. Sobre su arte existe la extendida creencia de que era un tanto primario, como su orgulloso protagonista, no tratándose de un verdadero canto fino, por ser su artífice antojadizo, además de pródigo en autobombo y coartadas exculpatorias. Nonsense, que diría un personaje de Pelham Grenville W., o de John Boynton P., porque Lázaro sabía cantar con bella finura, aunque en ciertos momentos deslizara en el engranaje de su canto algunas pequeñas impurezas.

En su primera época, la dieta era limpia, sin dejar por ello de ser calórica: Puritanos, Lucia, Favorita, el inflamado Verdi de Manrico o el Duca. Al punto, Isabeau. Y luego, el roce con repertorios pedregosos —Cavalleria, La cena de las burlas–, unido a sus incursiones en Marina (con su patente de los agudos sin fin), sin duda activaron su vena más tremebunda, aunque cierta fiereza expresiva en el fondo siempre le acompañó.

Desterremos prejuicios: hay varios discos suyos que a mí me gustan a rabiar. El ‘Questa o quella’ del sello Regal, de 1916, o el ‘Dai campi’ mefistofélico de Columbia, posterior en unos diez años. Pero también era grande en Africana; en sus discutidos Puritanos; en su indiscutible ‘Piccolo Marat’. Las sensaciones más salvajes las asocio desde muy antaño al ‘Vieni’ de Puritanos, timbrado y martilleante hasta la saturación, o al Huésped del sevillano, con esa espada lacerante que es casi su propia metáfora; las más delicadas retornan con la nostálgica canción ‘Desde lejos’, o con ‘Españolito’, esta vez sin te guarde Dios pero sombreada con su excepcional claroscuro”.

“No perdería de vista a Celso Albelo, quien ha demostrado su buen hacer en una línea más que brillante por su cálida voz, su musicalidad, su fraseo impecable y sus valientes y limpios agudos. ¡Bravo!”.

(Gracias, Julián)

A te, o cara

Celso Albelo:  A te, o cara, amor talora…, cavatina de Arturo del Primer Acto, Escena V, de Los puritanos, Bellini.

Credeasi, misera

Tercer Acto, Escena III. Elvira: Yolanda Auyanet.

(Nota bene: la grabación es la misma, pero creo que en audi se escucha algo mejor)

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Actualización (09/07/09/20:00)

Son già lontani

Tercer Acto, Escena I

Vieni fra queste braccia

Tercer Acto, Escena III

Teatro Comunale di Bologna, enero 2009.

(Gracias, Zerlina)

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13/09/09

Cavattina del Primer Acto, Escena V, de Los puritanos, Bellini.

A te, o cara, amor talora,
Amor talora mi guidò furtive e in pianto,
Or mi guida a te d’accanto,
A te d’accanto tra la gioia,
Tra la gioia e l’esultar,
Tra la gioia e l’esultar.

Por Miguel Fleta. 1929.

Por Hipólito Lázaro. 1917.

(Ilustración)

Mado Robin: aria de Elvira del Primer Acto, Escena VIII, de Los puritanos, Bellini.

(Gracias, Francisco)

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Sills: Son vergin vezzosa, aria de Elvira del Primer Acto, Escena VIII, de Los puritanos, Bellini.

Su interpretación en Uncle Sol Solves It. Canta Il bacio, de Luigi Arditi. Tiene siete años.

(Foto)

Mariola Cantarero: aria de Elvira del Primer Acto, Escena VIII, de Los puritanos, Bellini. Arturo: Juan Diego Flórez.

XXXVII Festival de Ópera Alfredo Kraus. Teatro Cuyás. Las Palmas de Gran Canaria, mayo 2004.

Actualización (22/01/07):

Por Luciana Serra. Montreal, 1987.

(Foto)