>

[El gran Kraus: Com’è gentil la notte a mezzo april]

I puritani en el Real: aplausos para Diego Flórez; bravos para Eglise Gutiérrez

“Vocalmente el tenor ha estado tan sublime como suele estarlo aunque tampoco se ha entregado o así lo ha entendido el público, que ha premiado ’sólo’ con aplausos al peruano durante la representación, y unos ralos ‘bravos’ cuando ha salido a saludar, acostumbrado en este coliseo a verdaderos desbordamientos de entusiasmo”

“Casi todos los cantantes saltan a la fama con ocasión de una sustitución. Es el ciclo vital de la ópera. Pavarotti sustituyó a Di Stefano y Ramón Vargas se hizo un nombre como el Rodolfo que no pudo encarnar Luciano”.

27 de abril

[Teatro Coliseo. Buenos Aires, diciembre 2009]

¿No echan en falta algo?;-)

26 de abril

[Sì, ritrovarla io giuro, Liceo de Barcelona, enero 2008]

22 de abril

21 de abril

[Albelo: Credeasi misera, Puritani, Bellini. La Coruña, 2009]

(Gracias, Victoria)

[Dúo Orpheo: Maria Eugenia Boix y Jacinto Sánchez. Noviembre 2008]

20 de abril

Carreras, en Buenos Aires
Sábado 24 de abril, Luna Park, junto a Rebeca Olvera

Non piangere, Liù

[Con Mirella Freni, Paul Plishka, 1978]

—¿Cuál es su impresión sobre la actualidad en cuanto a los cantantes?
—Creo que en el mundo de la ópera hay magníficos profesionales cantantes y en la cuerda tenoril tenemos, por ejemplo, a un magnifico Juan Diego Flores para el repertorio ligero, rossiniano, y también está Villazón, un Manes, un José Cura y otros de altísimo nivel artístico. (…)
—Pero, ¡atención!, que no es sólo la voz o el talento para cantar lo que consagra a un artista, sino el cómo consigue llegar al público desde el punto de vista emocional… (…)
—¿Qué les recomendaría a los estudiantes de canto?
—Evidentemente, me gustaría tener las palabras adecuadas para cada uno de ellos, asunto ahora difícil, pero si tuviera que escoger una sugerencia para todos, ya ni siquiera un consejo, les diría que ante todo estén seguros de que son capaces de observar una disciplina férrea y muy seria en dedicación. Sin disciplina y rigor no se logra nada.

* *
—Hay magníficos tenores en la última generación. Para citar los primeros que me vienen a la cabeza: Roberto Alagna, Marcelo Alvarez, Rolando Villazón, José Cura y Juan Diego Flórez en su propio repertorio belcantista.
—De los cinco nombres que acaba de dar, cuatro son latinoamericanos…
—Y no son los únicos latinoamericanos. Hay otros, como (el mexicano) Ramón Vargas, y también hay grandes cantantes de otras cuerdas, tanto hombres como mujeres. Sin duda le ha llegado el turno a Latinoamérica, que está en un momento buenísimo en cuanto a voces, lo que también habla de la salud y la vigencia de la ópera entre ustedes.

17 de abril

16 de abril

Placido Domingo, La Scala, Simon Boccanegra. Quince minutos de sonada ovación para Domingo; abucheos para Daniel Barenboim

13 de abril

[Ch'i il bel sogno di Doretta, La rondine, Puccini]

Montserrat Caballé: “Aragón es la tierra de mi familia y ahora es también la mía”:
Caballé “interpretó un recital de 80 minutos que incluyó temas de Donizetti, Bellini, Rossini, Giménez y Serrano, entre otros. (…) Entre pieza y pieza, se incluyó la fotografía de gente que se quiso unir al homenaje a la catalana mientras la periodista María José Cabrera leía los textos que habían hecho llegar gente como Zubin Mehta, el barítono Carlos Álvarez, el tenor Juan Diego Flórez, José Cura, la soprano Ainhoa Arteta, Federico Mayor Zaragoza, Marilyn Horne, Jesús López Cobos y Joan Holender.

Todos destacaron ‘la calidad humana de la artista, por encima incluso de la profesional’ a la que calificaron como la mejor soprano del último medio siglo”.

[Liceo de Barcelona, abril 2010. Vídeo promocional]

12 de abril

Diana Damrau (hoy en el Liceo, El rapto en el serrallo):

“Para un cantante, ir cambiando del texto hablado al cantado es difícil. Muchos directores prefieren hacer recortes para evitar riesgos. Pero en esta versión hay momentos de suspense donde las palabras, como las atmósferas y los silencios, son claves”.

10 de abril

9 de abril

[A bello a me ritorna, cabaletta del Primer Acto de Norma, Bellini. Théâtre Antique d’Orange, 1974]

Medio siglo de Caballé
Concierto homenaje de Montserrat Caballé, el lunes 12 de abril, en el Auditorio de Zaragoza

8 de abril

Daniella Barcellona: “La función de un cantante es llevar lo que está en la partitura directamente al corazón del público”

La mezzosoprano italiana será hoy, y el sábado, Adalgisa en Norma en el Festival Internacional de Ópera Alejandro Granda

—Usted es una mezzosoprano. ¿Qué la diferencia de una soprano?
—La diferencia está en el color, en el volumen y la extensión de la voz. La voz de una soprano es más potente. Carmen, por ejemplo, es una obra escrita para una mezzosoprano. Si la canta una soprano, se puede crear una pared de sonido, donde la voz no pasa la orquesta y se pierde su coloratura. Una soprano no es mejor que una mezzosoprano. Somos diferentes.

—Es especialista en ‘bel canto’. Explíquenos qué es el bel canto…
—’Bel canto’ es ‘canto bello’, es decir, algo con más armonía y melodía; quizá por eso llega tanto a la gente. Es un canto muy elegante, rico en expresividad, con roles siempre positivos, como pasa con Tancredi, la ópera de Rossini, el máximo representante del bel canto. Bellini y Donizetti también lo hicieron.

[Di tanti palpiti, 2005]

—La crítica dice que usted hace el mejor Tancredi de la actualidad…
—(Ríe). No lo sé. A veces lo dice el público, pero yo no puedo juzgarme. Sí le puedo decir que amo esta obra porque le ha dado todo a mi carrera. Empecé en Pessaro, en 1999, con esta ópera, y con ella he recorrido teatros como la Scala de Milán, el Metropolitan Opera House (MET)… Solo me falta el Palais Garnier de París, pero este año cantaré allí (ríe).

—¿Qué diferencias hay entre cantar en la Scala y en el MET?
—Al MET, la gente va a divertirse y a pasar un día tranquilo, con música. En Italia, a veces, el público va a juzgar a los artistas, a oír si hizo bien tal o cual agudo, o si su carrera se está terminando; es decir, no va a divertirse necesariamente. Todos son unos expertos… pasa como en el fútbol, donde todos se creen entrenadores (risas).

7 de abril

Robert Carsen: “No estoy nada interesado en la provocación”

—El público de Madrid le adora, pero esta propuesta es muy distinta, menos espiritual. ¿No teme que la acogida no sea tan buena?
—Las otras dos eran obras muy reflexivas y emocionales. No estoy nada interesado en la provocación, pero aquí más bien habría que preguntar al público que no le guste cuáles eran sus expectativas: ¿por qué va no a ver una obra donde hay aberraciones sexuales y de todo tipo como en la historia de Salomé? El texto de Wilde fue muy impactante en su tiempo, la ópera también, este y cualquier montaje también debe serlo.

6 de abril

Salomé se va a Las Vegas

“Siglo XXI. ¿Dónde se puede encontrar gente que vista túnicas bíblicas? ¿Cuál es el lugar que representa el exceso más absoluto —codicia, frivolidad…—?

La respuesta la encontró Robert Carsen en Las Vegas, ciudad norteamericana donde el director de escena canadiense ha decidido trasladar su nuevo montaje de «Salomé», una coproducción entre el Teatro Regio de Turín, el Maggio Musicale Fiorentino y el Teatro Real de Madrid, donde se estrena el próximo domingo”.

[Nina Stemme: escena final de Salomé. Liceo de Barcelona, julio 2009]

“La piedra angular de la historia es la archiconocida danza de los siete velos, ‘una venganza de Salomé hacia sus padres’, que Carsen conserva pero transforma ‘de una más pervertida’, indica Jesús López Cobos, poniéndose al frente de 95 músicos pues se tocará la versión completa (a veces por problemas de espacios se han interpretado otras con menos instrumentos). Esta gran orquesta requiere de una gran voz, como es la de Nina Stemme, que ya interpretó este personaje la pasada temporada en el Liceo de Barcelona”.

5 de abril

[Damrau: Ach, ich liebte, aria de Konstanze del Primer Acto de El rapto en el serrallo, Mozart. Metropolitan Opera House, mayo 2008]

Debut de Diana Damrau en el Liceo

“Junto a ella, la también soprano Olga Peretyatko, los tenores Christoph Strehl y Norbert Ernst, el bajo Franz-Josef Selig y el actor berlinés Christoph Quest en el papel hablado del pachá Selim. La dirección musical correrá a cargo del británico Ivor Bolton”.

4 de abril

Malikian: Oblivion (Piazzola)

Malikian: Princesa

Ara Malikian: “Lo bastardo es preferible a lo puro, tanto en la música como en la sociedad”

—¿Por qué se piensa siempre en la música clásica sólo como una manifestación occidental y del hemisferio norte?
—Por el poco conocimiento que se tiene del mundo. Es verdad que la cuna de la música clásica es Europa, pero también existen músicas clásicas de las tradiciones árabe, japonesa o india que deberíamos conocer mejor, al igual que sus culturas de origen.

Frühbeck, Medalla del Palau de la Música

“En 1998, el galardón fue para el director de orquesta de origen argentino Daniel Barenboim, mientras que la mezzosoprano Teresa Berganza lo ganó en 1999, el tenor Alfredo Kraus en 2000 y al año siguiente, les fue concedida a título póstumo al director Luis Antonio García Navarro y al compositor Joaquín Rodrigo”.

3 de abril

Teatro de la Maestranza, 18 de marzo de 2010

Fabio Armiliato: “El protagonismo trae mala suerte”

“No es correcto para un cantante hacer declaraciones en los periódicos, ni responder públicamente a la provocación. En este momento necesitamos trabajar todos juntos por el teatro, dejando el ego atrás, sin esas polémicas. El protagonismo solo trae mala suerte”.

Se refiere Armiliato a la polémica de Marcelo Álvarez con el gran jefe del Real, Mortier.

2 de abril

26 de marzo de 2010

1 de abril

Simon Boccanegra y el problema del ausente

“Caído Plácido del cartel por su reciente operación, le siguieron la soprano, el tenor y el bajo. Pero Barenboim, sin inmutarse. A las siete de la tarde del martes atravesaba tranquilamente la gran plaza a sotavento de la Ópera fumándose un purazo formato Churchill. Media hora más tarde comenzaba una función en la que algunas de las voces suplentes ni siquiera llegaron con tiempo de ensayar.

Tampoco esto importa, porque además de tenerle allá abajo, dos pantallas de TV en el borde del primer piso transmiten a los cantantes cada uno de sus gestos. Cuando no basta, se pone de pie, alza los brazos muy por encima del foso y todo el mundo entra en caja al instante. Si el aplauso ralea al final, repite él sus salidas a escena y el público enloquece”.

[Gruberova: Pâle et blonde...,  aria de la locura (segunda parte) Hamlet, Thomas. Teatro Real, 21 de marzo de 2010]

Una edición más de ‘Viva la ópera’ que no necesita presentación. La única audición que encontré sobre el recital de Gruberova del pasado 21 de marzo va sobre estas líneas.

Esperamos que alguien más se anime a participar y nos cuente por escrito qué escuchó, vivió, sintió… en determinada interpretación operística o recital lírico de un cantante. Vale también contarlo de viva voz, por qué no. ¿Alguien se atreve?

Insistimos: no es imprescindible que los recuerdos sean de ayer mismo.  Si lo atesoran en su memoria, seguro que es bueno. Sugerencias, textos…, ya saben, a operasiempre[arroba]gmail.com

El autor de la crónica, o critica, como prefieran, que hoy llevamos a portada es Paco Roa: gracias mil.

La Gruberova dicta una clase magistral de canto y ‘artisteo’ en su despedida de Madrid

Me preguntaba nuestra amable anfitriona si quería dejar en el foro una reseña del concierto lírico que la Gruberova ofreció en el Teatro Real de Madrid, el pasado día 21 de Marzo del corriente.

Supuestamente me quede algún lector, cosa que a estas alturas de tan pertinaz presencia mía (al igual que aquella famosa sequía del franquismo que bien recordamos los mayores de estos pagos) en este tan grata tertulia operística dudo razonablemente, conocerá de sobra que soy un tanto renuente a pronunciarme, ni para bien ni para mal, sobre las sopranos, toda vez que, primero, no son de mi negociado, y, segundo, cada una de ellas dispone para su uso discrecional de prietas legiones de seguidores incondicionales y rendidos admiradores —a los que, mucho ojo, se oponen en parecido número los abigarrados detractores— que ya se ocupan y preocupan por mantenerlas en el candelero, ora para endiosarlas, los primeros; ora para enfangarlas, los segundos.

Mientras que mis queridas mezzos y contraltos, pobrecitas, como no tener no tienen siquiera un perrito que les ladre (bueno, a excepción de una, la Larmore, cuyo miniaturizado can es un primor). Y que conste que no tengo absolutamente nada en contra de quienes son consideradas las reinas indiscutibles de la ópera, más bien estoy claramente a su favor (recordarán que, de hecho, no tuve el más mínimo problema en echar mi cuarto a espadas para salir en defensa de la Milanov y de la Gencer cuando entendí que se las había minusvalorado injustamente), pero, ¡caramba!, hay que equilibrar un poco la balanza, digo yo.

Bien, pues si hay una soprano en activo que, aun siendo ya ¡sesentona!, cuenta con una verdadera multitud de leales por todo el mundo repartidos e inasequibles al desaliento —desde luego, no parece que dé muestras de cansancio alguno por más que la persigan (¿atosigan?) de plaza en plaza— esa es sin el menor riesgo a equivocarnos Edita Gruberova (al concierto de referencia no faltaron, fíjense bien, ni los inevitables japoneses de cuota).

Por esta razón me resulta un tanto chocante que ninguno de los tertulianos, ya sean eventuales o fijos, que tiene “ópera, siempre” haya pedido la palabra para contarnos lo mucho y bueno que dio de sí la eslovaca en su esperada reaparición en el coliseo madrileño. En fin, en el primer hueco que tengo tras el alta hospitalaria de mi madre, venzo mi natural reticencia sopranil —además la ocasión ya verán que lo merece— accediendo muy gustosamente a la invitación que me hacía la gestora del foro, y en lo que sigue les dejo una modesta crítica del evento en cuestión.

Dentro del ciclo de “Grandes Voces” de la actual temporada lírica 2009-2010 del Teatro Real de Madrid, se inscribe este cuarto concierto de los anunciados que protagonizó la veterana soprano, una de las cantantes sin duda alguna más respetadas y sobresalientes de su generación, Edita Gruberova.

En atril estuvieron presentes fragmentos de celebradas partituras de Rossini, Bellini, Verdi y Massenet, seleccionados éstos para los momentos meramente orquestales, alternándose, ya en la parte vocal, con otros pertenecientes a obras no menos aplaudidas de Donizetti, Bellini, Verdi y Thomas.

Sin sorpresas, pues, en la elección de este bien ensamblado programa musical de sobra conocido por los aficionados y perfectamente acomodado al saludable estado vocal por el que atraviesa la grandísima intérprete de Bratislava. Si bien, como reza el dicho popular, más vale maña que fuerza, en ocasiones es preciso disponer y hacer uso tanto de la primera como de la segunda para conseguir llevar a buen puerto determinadas empresas que requieren de ambas cualidades.

En esa convicción dirigió la orquesta titular del Real el joven maestro alemán Michael Güttler, de una parte, con la suficiente habilidad, esmero, cuidado y como, en apariencia, dejando hacer para conducir a los profesores donde él quería sin que se notase, y así pudimos disfrutar de una matizadísima ‘Meditación’ de Thaïs —con total seguridad lo más logrado de la velada lírica instrumentalmente hablando—, colmada de sosiego y delicadeza (aquí es de justicia hacer mención expresa del primer violín de la formación, Rafael Khismatulin), pero también, de otra, sabiendo imponer su autoridad con mano firme y hasta con la adecuada dosis de contundencia, para firmar, entre lo más destacable de las piezas sinfónicas, unas rotundas oberturas de Guillaume Tell, con la que se abrió el concierto, y de La forza del destino, ya en el comienzo de la segunda parte.

Aprobaron con nota a mi juicio, pues, director y profesores, que además, lo cual no es poco, dejaron cantar, cosa que no se pudo decir del director que nos tocó en “suerte” en la precedente Andrea Chénier, Víctor Pablo Pérez.

Yo creo que a estas alturas de su carrera resultaría totalmente ocioso por mi parte, hasta incluso ridículo, pretender descubrirles a quien durante más de 40 años de ininterrumpida carrera —sin haber cosechado ni una sola mala crítica y habiéndose venido abajo todos y cada uno de los teatros por ella visitados— está considerada con toda la razón en virtud de los méritos contraídos como un prodigioso fenómeno vocal de irreprochable línea de canto, musicalidad innata, y capaz de articular sin necesidad de desmelenarse cualquiera de las intricadas agilidades del más arduo pentagrama que se le proponga a modo de desafío.

Soslayamos, pues, las presentaciones, y antes que nada sí convenga quizá indicarles brevemente cuál es la situación tanto vocal como interpretativa que después de tantos lustros cantando sin desmayo tiene en nuestros días la Gruberova.

Seguro que también muchos de Vds. conocen la evolución que ha tenido su instrumento vocal, pero como estoy de acuerdo con mi buen amigo el cátedro de Ética D. José Luis, últimamente compañero de fatigas operísticas de un servidor, cuando dice que “en los tiempos que corren no se puede dar (casi) nada por sabido”, lo dejo apuntado a vuelapluma.

No obstante haber llamado la atención esta genial intérprete desde sus inicios profesionales porque, aun pudiendo ser clasificada correctamente como una soprano coloratura, su instrumento resultaba mucho más grande, voluminoso, amplio y, al cabo, de superior vigor “tímbrico” que el de sus colegas de agilidad —pongamos, qué sé yo, una Sills o una Serra, de voces, además, punto monocromáticas—, nunca se apartó en esos primeros años de carrera de los papeles que conforman el repertorio al uso de las cantantes “jilguero”, dejándonos así indelebles creaciones, impecablemente cantadas y no por ello peor escenificadas, de las Lucia, Reina de la Noche (¡11 temporadas teniéndola en repertorio, hasta cumplidos los cuarenta años de edad!), Zerbinetta, Olympia, Norina, Oscar (no confundir con el tertuliano D. Óscar, al que aprovecho para saludarle afectuosamente), Lakmé, Amina, Konstanze…

Pero no bien entrada la década de los noventa del pasado siglo, la voz en evolución de Edita Gruberova comienza a experimentar un mayor ensanche y expansión, se sombrea paulatinamente su zona aguda, va ganando en facilidad para el canto spianato y consigue una correcta emisión de las notas de centro, por lo que deviene apta ya para transitar hacia personajes no exentos de ornamentación vocal bien que de un mayor fuste dramático.

De este modo, acomete con total garantía sus primeras reinas Tudor, Dña. Ana, la Condesa, Violetta (ya probada en su juventud), Elvira, Julieta, Semíramis, y más recientemente Norma o Lucrezia Borgia (2009), mientras que, por otra parte, rechaza sistemáticamente cuantas proposiciones se le hacían para avanzar hacia terrenos de superior peso vocal aún al de estos últimos papeles incorporados.

Con lo dicho, pues, a lo que cabe añadir una gradual reducción selectiva de sus actuaciones operísticas en los últimos años —no oculta una total discrepancia con no pocos escenógrafos— para centrarse mucho más en los recitales, tenemos bien definido, creo, su momento actual como intérprete que ha logrado lo que no todos pueden decir, la total plenitud de la que hoy disfruta: canta y actúa mejor que nunca todo cuanto quiere (y debe), como quiere, cuando quiere, y donde quiere.

Una más que probada inteligencia a la hora planificar la carrera, a lo que hay que sumar una dosificación adecuada, además de, claro está, estudio y trabajo sin descanso, y, en última instancia, interpretando en cada momento únicamente lo que más le convenía han obrado el “prodigio” de preservar su voz (casi) intacta, sin apenas desgaste perceptible, en su año ¡cuarenta y dos! de profesión. “¡A ver si aprenden otras!”.  Repetía una y otra vez no bien concluía cada interpretación la Gruberova el caballero que teníamos justo a nuestras espaldas, en la fila anterior del patio de butacas.

Y es que hay que reconocer que muy pocas sopranos (ciertas de no poca nombradía que se consideran coloratura no saben ni trinar, y no me tiren de la lengua), si acaso alguna, han conseguido lo que ella a su ya avanzada edad, la casi absoluta ausencia de vibrato, no digamos ya siquiera el más mínimo asomo de trémolo alguno, unos agudos y sobreagudos que aún son verdaderos chupinazos, una cosa ciertamente astral, conservar (casi) la misma amplitud dinámica que tenía de joven, y, en fin, una voz, antes que fenecida como la de sus colegas de “quinta”, increíblemente lozana; y todos estos recursos puestos a la disposición de un programa que hubiera arredrado a la más intrépida de las veinteañeras.

Tras una estimulante obertura de Guillaume Tell, salió a escena, acogida con gran cariño y una interminable ovación de las que sólo se reservan para las muy grandes ocasiones, una bien elegante Edita Gruberova preparada para sentar cátedra con sus muchas tablas y su insuperable oficio canoro. De los cuales ya nos dio sobrada muestra en las mismas páginas iniciales ‘Tranquillo ei posa… Com’ è bello! Quale incanto’ y ‘Respiro io qui… Ma la sola, ohimè!, son io… Ah! la pena in lor piombò’, de Lucrezia Borgia y Beatrice di Tenda, respectivamente, sabiéndoles imprimir el carácter propio de dichas páginas y haciendo gala de un firme registro central, de una buena disposición dramática, y también, lógicamente, de su confesado talón de Aquiles, nadie es perfecto: los graves.

[Sempre libera]

Pero lo mejor estaba aún por llegar de la mano de Verdi, antes de irnos al descanso y justo después de la ‘Música de ballet’ de Macbeth, más Verdi ahora con el aria del primer acto de La Traviata, ‘È strano… Ah, fors’è lui… Sempre libera’, que he de confesarles todavía resuena en mis oídos. Aquí, amigos míos, la Gruberova echó el resto: plena intensidad interpretativa e inteligente control de sus fabulosos medios vocales, es verdad que con alguna puntual nota alta mal negociada, para dejarnos en el recuerdo la imborrable delectación de una sublime Violetta nunca antes así cantada.

Ya en el descanso, no se hablaba de otra cosa más que de lo que recién se había escuchado y que aún nadie daba crédito, y es que, verdaderamente, parece no tener explicación humana lo que hace esta señora con su instrumento.

En fin, cambió de vestuario nuestra soprano para afrontar la segunda mitad del concierto, ahora vestido de raso largo de color negro, y vino lo que me resultó menos satisfactorio, acaso fruto del necesitado relajo tras la tensión generada en la endiablada aria de la frívola cortesana, una un punto acomodaticia Belliniana ‘O rendetemi la speme…Qui la voce sua soave…Vien, diletto, è in ciel la luna’, cantada con distancia, como únicamente para coger fuerzas, sacar el arresto necesario y poder hacer justicia a ese verdadero “tour de force” interminable que es la escena de la locura ‘A vos jeux, mes amis’ de la Ofelia “hamletiana”.

[Vien, diletto, è in ciel la luna, Puritani, Bellini. 1985.]

Y visto lo visto, cómo desentrañó tanto con el gesto como con la voz el alma de este atormentado personaje, frágil de cuerpo y de mente, que es Ofelia, todos nos pusimos en pie para premiar con vítores esta generosa muestra del talento y el arte de la Gruberova. Con las dos propinas fuera de programa concedidas –Linda de Chamonix y El Murciélago, que sirvió para sacar el lado más cómico de la genial intérprete— se cerró, tras quince minutos de aplausos, el triunfal concierto.

Una sensación agridulce nos quedó al final a todos: por un lado, felicidad completa por haber podido gozar hasta lo indecible de una jornada musical que cabe ya calificar de histórica, y, por otro, la pena de que, casi con toda seguridad, no se volverá a repetir en Madrid. Su edad y, el que supone un obstáculo mucho mayor, Gérad Mortier nos lo impedirán.

Muchas gracias de antemano a la gentil anfitriona por la publicación de esta crónica, saludos cordiales y hasta una próxima ocasión.

27 de marzo de 2010

30 de marzo

Especial Alfredo Kraus (II)

Ópera en la radio. Con Tomás Ataz y Gerardo Andrés

Nueva gira de Bartoli en España: “San Sebastián (el 8 de abril, en el Kursaal), Bilbao (el 10, Teatro Arriaga), Oviedo (el 12, Auditorio Príncipe Felipe), Santiago de Compostela (el 14, Auditorio de Galicia), Valladolid (el 17, Centro Cultural Miguel Delibes), Pamplona (el 19, Baluarte) y Vitoria (el 20, Teatro Principal)”.

29 de marzo

Villazón, Ópera de Viena, 22 de marzo de 2010

Calixto Bieito convence en Stuttgart con su versión de Parsifal

“La innovadora contundente propuesta de Bieito provocó no pocos comentarios ingeniosos entre el público durante el primer entreacto. Entre ellos el de si Wolfgang Wagner, nieto del compositor que ayer hizo una semana que falleció, haría una propuesta similar si ahora volviera dirigir escénicamente el testamento musical de su abuelo”.

28 de marzo

27 de marzo

Rolando Villazón regresa a la Ópera de Berlín

«La noticia del esperado regreso de Villazón a los escenarios alemanes viene enmarcada por su reciente presentación en la Ópera de Viena, con El elíxir de amor, de Donizetti, donde la prensa reportó un verdadero “estado de excepción” ante la desbordante respuesta del público vienés”».

26 de marzo

Gallardo-Domâs triunfa en Valencia

“Una ovación interminable premió anoche el debut de la soprano chilena Cristina Gallardo-Domâs como Salud en La vida breve (Manuel de Falla), en el Palau de les Arts de Valencia, bajo la dirección de Lorin Maazel, en una puesta de Giancarlo del Monaco”.

Simon Rattle: “No quiero vivir de las rentas del pasado”

—¿Sobrevivirá el festival a los titulares de prensa?

—De los perjuicios económicos no respondemos nosotros. Con o sin titulares, Salzburgo pertenece a otra dimensión. Allí te rodeas de historia y te expones a uno de los públicos más sofisticados del mundo. Lo importante para nosotros es El ocaso de los dioses, que la Orquesta lleva 40 años sin abordar.

—Se ha dicho que es usted el José Antonio Abreu europeo.

—Exageran. José Antonio es un Nelson Mandela, un revolucionario, un catalizador de ideas. Ha salvado vidas con un Sistema que cuenta por miles los jóvenes que pueden vivir de la música. Chavales, de apenas 17 años, que te hacen estremecer con la Primera de Mahler.

A apretarse el cinturón… Mortier, dixit:

«”Vamos a intentar subir los ingresos. Gregorio Marañón y yo vamos a hablar con patrocinadores. Además se van a subir un poco los precios. Otra de las medidas es el intercambio de producciones con otros teatros sin ningún coste. El primer año el recorte es del 10%, el segundo del 20% y tengo miedo por el tercero, el 30%.

Este es un tema que tenemos que hablar con los cantantes”. La propuesta de Mortier será “congelar” sus cachés, además de “buscar nuevas voces”».

25 de marzo

Viaje al corazón de los celos, en El Palau de les Arts

«La mujer destrozada por amor de La vida breve toma su venganza en Cavalleria rusticana, donde es, precisamente, un hombre el que sufre mal de amores.

“Es como una ópera en dos actos”, describió Del Monaco, que, no obstante, llamó la atención sobre las divergencias de las dos obras. “Tienen un color diferente porque el alma española es más oscura que la italiana“».

24 de marzo

Plácido Domingo se mantiene en buena recuperación

“Cuenta con viajar a Madrid el próximo julio para cantar en el Teatro Real Simon Boccanegra”.

“Domingo se alternaría con Carlos Álvarez en la interpretación del papel de Simon Boccanegra. De hecho, será Álvarez el que estrene, el 17 de julio, y está previsto que Domingo cante las funciones del segundo reparto, junto a Anghela Gheorghiu, los días 22, 25 y 28 de julio”.

En vídeo:

“Lo que yo quiero dar a los espectadores es una gran emoción”.

“Es muy importante que la gente conozca la música de nuestros días”.

Gérard Mortier: “Mi sueño es conseguir que Plácido Domingo venga a enseñar al Teatro Real cuando decida dejar de cantar”

«Si algo tiene claro Gérard Mortier es que su intención al frente del Real pasa por objetivos concretos, como situar al coliseo madrileño entre los primeros teatros de ópera de Europa (”podemos ser mejores que París”, aseguró); hacer que Madrid sirva de “puente” con América Latina (al Teatro Colón de Buenos Aires viajará la producción del Real de Aida y a Brasil el Don Quijote de Halffter); y apoyar con decisión a los nuevos creadores».

Gérard Mortier: “Dormirse en la ópera no es tan grave. Una cabezadita nunca viene mal”

—Antes de jurar el cargo y empezar a trabajar, ¿qué cree que se pueden ofrecer, el Teatro Real y usted?

—Madrid tiene un teatro estupendo. Pero le falta trabajo en equipo, un mensaje que nos haga creernos ganadores, como en un equipo de fútbol. El símil con el Real Madrid me viene fenomenal.

—Acostumbrado a cruzar rubicones, ¿qué hará en Madrid sin Sena, sin Ruhr, sin Salzch?

—En Madrid me he encontrado con un clima muy parecido al de Bruselas, en mis comienzos. Sólo que ahora tengo 30 años de experiencia a mis espaldas. Se me ha advertido de que el público de Madrid es muy conservador. Y qué me dicen de Katia Kabanova o Jenufa. Aquello fue un tremendo éxito comparado con el recibimiento del último Andrea Chénier.

Fabio Armiliato: “La sangre latina es importante para cantar bien”

—La Fura dels Baus debutó la semana pasada en La Scala de Milán y recibió sonoros abucheos. ¿Es excesivo el protagonismo de los montajes sobre la voz?

—Armiliato: Necesitamos hacer óperas nuevas pero en Italia vas a ver La Traviata y te encuentras a los protagonistas vestidos de astronautas. Es un sinsentido. Abundan los directores de escena que piensan que pueden hacer lo que quieran.

—Dessì: La ópera tiene que convivir con la emotividad del canto y con la belleza del componente teatral. Hay que mantener el equilibrio entre la música, el canto y la escena. (…)

—¿Qué similitudes y diferencias encuentran entre la cultura operística en Italia y en Sevilla?

—Armiliato: En Italia como en España hay mucha tradición operística y una gran historia vocal. La sangre latina es importante para cantar bien.

—Dessì: Estoy de acuerdo. Y añadiría que la afición es mayor en España que en Italia actualmente. Allí llevamos años padeciendo la crisis y aquí se han abierto muchos teatros líricos recientemente. Lo peor es que los apasionados italianos se están desapasionando porque se ha vuelto habitual el que se cambien los elencos durante la temporada y se supriman o cancelen títulos.

—¿A qué mitos de la lírica española admiran más?

23 de marzo

Entrevista con Isabel Rey

—Usted comentaba en un artículo publicado en Ópera Actual el pasado año sobre esta ampliación de su repertorio que el barítono Leo Nucci le recomendaba no dejarse “descorazonar por los prejuicios ajenos”.

—Recuerdo que el primero en darse cuenta del cambio en mi sonido fue Ruggero Raimondi, con quien he hecho infinidad de Norinas. Juan Pons me oyó Amelia en vivo y me felicitó. A José Van Dam, otro gran Simone, también le entusiasmó el cambio.

Hasta ahora no he encontrado comentarios negativos ni en la crítica ni en el público, pero sí cierta reticencia en los teatros. Me siguen viendo como una ligera. Es duro que te encasillen. Que sólo las voces grandes sean las adecuadas para cantar Verdi es ya tradición, creo que equivocada, pero tradición, y en muchos casos hemos dado poder sonoro a las orquestas por encima de los requerimientos del autor.

Villazón se eleva al paraíso en su regreso en Viena a los escenarios

“El público ovacionó al tenor, que respondió arrodillándose ante el respetable al que ofreció su corazón en un gesto de agradecimiento”.

22 de marzo

Una bravissima Edita Gruberova pone en pie al Teatro Real

“Con Lucrecia de Borgia de Donizetti y Beatrice de Tenda de Bellini, heroínas cuya profundidad Gruberova aumenta con su poderosa voz y su primorosa técnica, inició su triunfante primera parte del recital programado dentro del Ciclo Grandes Voces de la presente temporada del coliseo madrileño y que el próximo miércoles 23 de marzo podrá escucharse en Radio Clásica de Radio Nacional.

Y muchos escuchaban ya con la boca y las manos listas para premiar a su diva con una pasión más propia de los conciertos de rock que de los escenarios líricos. Pero fue justo antes del entreacto cuando el público se confesó sobrecogido por su poderosísima interpretación del difícil aria ‘È strano!… Ah, fors’è lui… Sempre libera’ de La Traviata“.

21 de marzo

Patricia Kraus: “Desde el principio aposté por una carrera personal y eso tiene un precio”

“Acaba de publicar su nuevo trabajo en solitario, ‘Vintage Fun Club’, en el que se adentra de lleno en los sonidos del soul y del jazz que escuchó de niña gracias a su padre, el mítico tenor canario Alfredo Kraus. De formación clásica, la intérprete ha experimentado a lo largo de su carrera con distintos ritmos hasta encontrar en la música negra su verdadera vocación, tras su experiencia en el campo de los sonidos alternativos.

Su potente voz y su pasión por la música están reflejados en los temas de este disco, que contiene versiones de grandes intérpretes de jazz y cuatro temas propios. Con su nuevo álbum ha culminado un proceso de búsqueda personal que comenzó con ‘Alma’, su anterior disco”.

—¿Que podrán encontrar sus fans en esta nueva producción?

—Este trabajo sigue la manera de cantar que siempre he tenido, ahora más definida con el tiempo. Sobre todo, pretendo seguir desarrollando mi faceta como vocalista, que es lo que siempre he querido. He incluido versiones de grandes temas de las voces que más me influyeron desde pequeña como Nina Simone, Aretha Franklin Janis Joplin, y otras como las de Billie Holiday o Ray Charles, que marcaron mi infancia.

—¿Qué la llevó a explorar el mundo del soul y del jazz?

—Es una música que siempre me ha gustado. Mi padre tenía una colección de discos de gospel, de música espiritual negra, y yo escuchaba esas canciones maravillada, deseosa de interpretar como aquellas voces que tanto admiraba.

20 de marzo

19 de marzo

[La Scala, 17 de marzo]

La Fura divide La Scala

“La gran triunfadora de la noche en los veredictos del público fue, no obstante, la soprano Anja Harteros como Elisabeth. La división de opiniones alcanzó al tenor Robert Dean Smith como Tannhäuser, a Roman Trekel como Wolfram y a Julia Gertseva como Venus. Y, por supuesto a La Fura, abucheada por un sector del público con la misma o mayor intensidad que era aclamada por otro”.

¿A qué ha venido Mortier?

“Lo primero que le llamó la atención de Madrid fue que su teatro de ópera diera la espalda a la ciudad. Por eso Gérard Mortier (Gante, 1943) le ha cogido gusto al metro, que cada mañana le deja, a eso de las nueve, en plena Plaza de Isabel II, en las antípodas de un Palacio Real cuyas vistas parecen evocar el absolutismo lírico que lleva tres décadas aboliendo”.

“Ya no es la imagen del subversivo Thomas Bernhard la que preside la solemnidad de su nuevo despacho, sino la reproducción de un grabado de Goya. ‘El sueño de la razón provoca monstruos’, se lee al pie. ¿Significa que Mortier ya no es el mismo, que ha perdido fuelle en los avatares de París y viene a Madrid para entregarse a los pecados de una vejez rossiniana? ¿O acaso el enfant terrible aguarda su momento en estado de latencia?

El miércoles lo sabremos. A las doce de la mañana hará oficial la programación de la temporada 2010-2011 y adelantará también las claves de su proyecto para los cinco años que, desde el próximo mes de septiembre, lo atan contractualmente a Madrid. Entre el miedo y la fruición, entre la suspicacia y la entrega desmedida, entre la excelencia y el provincianismo se mueven los melómanos y aficionados madrileños. No saben a qué atenerse. No está claro, dicen, quién es Mortier. Ni a qué ha venido”.

Puccini, palmas por sevillanas

Enigma no resuelto de Turandot

“Maria Guleghina volvía al Maestranza con uno de los últimos personajes incorporados a su repertorio. No me pareció que estuviese en su mejor momento. (…) Armiliato esperó al segundo acto para encontrase en plena forma. A pesar de lo heterodoxo de su técnica, sobre todo en ese giro a base de portamentos, su fraseo es siempre apasionado, con un bello metal en el registro superior, rutilante y encendido, como lo demostró en el exultante Nessun dorma. Un poco como él, a la antigua, canta también Dessì, puro sentimiento en el fraseo, voz que seduce por su forma de proyectarse, aunque los filati de Signore, ascolta sonaron con claras dificultades”.

18 de marzo

La Ópera de Praga se rinde ante David Lomelí

“Cuando uno sale del teatro y uno termina involuntariamente hablando de uno mismo para mí es lo más importante y espectacular que puede pasar, que la gente salga hablando de ella misma y cambie. Si la gente habla de lo bien o lo mal que canta el agudo, no sé, si hablan de la performance, creo que fue un fracaso. Si la gente realmente siente, se ríe, emociona, entonces estamos al otro lado del río. Y para mí esa es mi misión y por eso tengo los maestros que tengo y tengo el manager que tengo, porque son gente que creen en esa visión igual”.

El Metropolitan Opera House se rinde ante la magia de Netrebko

“Un agudo de Anna Netrebko en vivo vale por mil géiseres tibios, una lluvia de flores de jacaranda, el misterio que devela un amanecer. Transcurre el minuto 21 del total de 181 que dura la representación y en cuanto hace su aparición en escena la Netrebko todo cambia: es efectivamente una aparición, blanca y tibia”.

17 de marzo

El Teatro Colón se reabrirá en mayo

«Mientras se inaugura la sala de ensayo del Teatro Colón, el jefe de Gobierno, Mauricio Macri, comunicó vía Twitter que se adelantará la reapertura del edificio para el 24 de mayo, cuando estaba prevista para el 25.

“Queremos evitar cualquier problema o conflicto con los festejos que se van a estar realizando el mismo día en la avenida 9 de julio”, explicó el jefe de Gobierno en la red social.

En estos momentos se está realizando el acto de inauguración de la sala de ensayo, como una forma de mostrar que las obras están avanzando. “Tecnología y acústico de avanzada. Le dan un flexibilidad al teatro muy necesaria. Ahora no se necesita usar el escenario”, comentó Macri en Twitter, en un mensaje transmitido desde la ceremonia.

No obstante, hace unos días la oposición se quejó porque asegura que el teatro no estará en plenas condiciones el día de la reapertura».

Mehta regresa a La Scala de la mano de La Fura

“En realidad lo que trato de mostrar es a Tannhäuser como un personaje universal, quiero hacer a través de él un homenaje a todos los grandes creadores que por diferentes motivos han vivido trágicamente entre el Venusberg y el Wartburg, entre la pasión y la razón espiritual. Es el caso de Marilyn Monroe, de Giordano Bruno, de Pasolini, de Schubert, de Janis Joplin, de Mozart, de John Lennon, de Dalí, de Modigliani y hasta del propio Wagner. La lista es interminable”.

16 de marzo

Exposición sobre Maria Callas, en Los Ángeles

“Más de 50 años después del debut de Maria Callas en Los Ángeles, el espíritu de ‘La Divina’ regresó anoche a esa ciudad gracias a una exhibición ‘de valor extraordinario’ con vestidos y joyas de sus actuaciones y con algunas de sus pertenencias más preciadas”.

“La muestra, que reúne también fotografías, documentos inéditos, libros y cartas, llega a Los Ángeles tras haber recorrido desde 1993 ciudades como Nueva York, Atenas, Roma, Tokio o México”.

Carmen, en la tierra de don José. 19 y 21 de marzo, en el Baluarte

“La Carmen de Merimée (la novela) contiene más referencias a Navarra; la Carmen de Bizet (la ópera) muestra, por su parte, un diálogo entre el soldado José Lizarrabengoa y la gitana andaluza que debe apresar, ya que ha herido a otra cigarrera como ella en la Fábrica de Tabacos de Sevilla”.

—Deber ir a la prisión. Palabra de navarro, ordena don José.

—¿Eres de Navarra? Yo también lo soy, responde ella.

—¿De Navarra, tú?

15 de marzo

Inva Mula: “Trato de medir mis actuaciones pero a todos nos ha tentado la vorágine del trabajo”

—Su debut en Valladolid lo hará con su tarjeta de presentación, el bel canto (Puccini, Rossini, Bellini…). ¿Eligió usted este repertorio o fue su tesitura de voz la que determinó esta dedicación?

—Es el repertorio que estoy cantando en la actualidad. La mayor parte de estas arias las he incluido en el disco de arias editado por Virgin Classics ‘Il bel sogno’ que ha salido a la venta hace poco y es muy representativo de mi repertorio actual un aria belcantista, Puccini (las dos arias de un personaje que adoro Mimì, Pagliacci que he cantado en Orange y cantaré en el Liceu en la próxima temporada) en la primera parte y repertorio francés en la segunda: la temporada pasada he cantado Micaela (Carmen) en Florencia dirigida por Zubin Metha, Faust en Toulouse y en Orange, con Roberto Alagna, Manon en Viena y Thais en Las Palmas en el 2008… todos personajes que amo. (…)

—Suele cantar en el Teatro Real de Madrid. ¿Qué le parece el público operístico español?

—Adoro el público español y me siento muy cómoda en España, creo que tengo muy buena comunicación con el público, pero no sólo canto en el Teatro Real, he cantado en el Liceu de Barcelona, Bilbao, Las Palmas y he realizado conciertos en La Maestranza de Sevilla, Vigo, Valencia, Málaga. (…)

—Ha sido compañera de Rolando Villazón en el escenario, que ha tenido que retirarse unos meses. Como parte de la elite de solistas de ópera, ¿se siente presionada para cantar más de lo conveniente?

—Siento gran afecto por Rolando, hemos comenzado juntos y es un gran ser humano además de gran artista. Creo que canta con una inmensa generosidad y esta carrera exige mucho, tanto a nivel vocal como emocional. Muchas veces surgen problemas y hay que superar momentos difíciles, yo espero que muy pronto él pueda continuar la carrera con el mismo éxito.

Personalmente trato de medir mis actuaciones y de elegir los personajes y las producciones que me interesan, pero todos nos hemos sentido tentados en caer en una vorágine de trabajo, sobre todo porque las agendas se planean con mucha anticipación y es complicado pensar que en el 2012 o 2013 se cantarán personajes que quizá cuando llega el momento, ya no están tan cómodos dentro de nuestra vocalidad…

14 de marzo

María Bayo: “Me gusta evitar los caminos trillados; este trabajo es un constante desafío, una carrera de fondo”

—Ha cantado los roles principales de óperas como Los pescadores de perlas, Las bodas de Fígaro o Los cuentos de Hoffmann. ¿Qué le queda por hacer?

—Muchos roles. Tengo en catálogo mas de 50 roles de ópera y zarzuela, pero tengo mucho todavía por descubrir. En mente tengo algún Verdi muy lírico como Simon Boccanegra, y varios roles de Handel como Alcina y Rodelinda. Llevo más o menos debutando dos roles por año desde que he comenzado.

Jorge de León: “No hay vallas ni puertas para mí; intento abrirlas con esfuerzo”

—¿Qué espera de los dos montajes en el Palau de les Arts? ¿Consolidar su nuevo estatus?

—Sí. Mi objetivo es consolidar la carrera sin afán de descubrir nada, sino de hacer las cosas bien, mantenerme y no defraudar la expectación que se ha creado en torno a mí.

—Cuente cómo fue lo del Real desde dentro.

—No lo viví como algo extraordinario. Surgió una indisposición del compañero, el gran Marcelo [Álvarez], y mi objetivo como cover era salvar el espectáculo. Había un patio de butacas lleno y había que ofrecerles lo que querían. Salí a eso. Todo lo demás vino añadido. Cuando terminó la función me di cuenta de que había pasado algo. No tenía pavor de enfrentarme al público del Real, sino de que la función debía continuar.

—¿No ha generado competencia con Marcelo Álvarez?

—En absoluto. No he tenido oportunidad de hablar con él, pero me ha enviado mensajes de apoyo y admiración. Hemos trabajado muy bien, lo admiro y es una referencia.

Noche memorable: José Carreras en Monterrey (México) El Real traslada El árbol de Diana del barroco al manga japonés“En el reparto, Lyubon Petrova y Ekaterina Lekhina se alternarán en el papel de Diana; mientras que Marina Comparato, que cantará lesionada, y Ketevan Kemoklidze, lo harán en el de Amore. Por suparte, Simon Orfila asumirá todas las funciones de Doristo, al haber cancelado Marco Vinco”.

13 de marzo

12 de marzo

El árbol de Diana de Vicente Martín y Soler llega al Teatro Real

“El elenco lo completarán Pavol Breslik y José Luís Sola (Silvio), Ainhoa Garmedia (Britomarte, genio y ninfa), Marisa Martins (Clizia, genio y ninfa), Jossie Pérez (Cloe, genio y ninfa) y Simón Orfila (Doristo)“.

Carta al director General del Teatro Real

“Quiero ser directo, SOLICITO como profesional de las artes escénicas, SOLICITO desde mi compañía teatral, SOLICITO desde mi empresa ALKIMIA 130 S.COOP. :

La DISPONIBILIDAD PARA ADQUIRIR material escénico que desborda los almacenes del Teatro Real, poder acceder al material y por medio de aportación, ayuda, coproducción o convenio específico, REUTILIZAR – RECICLAR – MAXIMIZAR escenografía, vestuario…etc.

Soy consciente que la propiedad de ese material es pública y pertenece a Patrimonio, por ello, para que en situaciones artísticas-económicas como las de ahora y para que en el futuro no se QUEME, no se TIRE, no se TRITURE patrimonio nacional y podamos ser más inteligentes y creamos entre tod@s, le hago esta solicitud.

Alex Rodríguez Ramírez

Carreras no grabará rancheras

“No, Plácido lo hace mucho mejor que yo. Yo no creo tener el talento… para una canción quizá sí, una situación especial, pero grabar todo un disco de ranchera yo sinceramente no creo que sea el cantante ideal, y me gustaría porque me encanta”.

[Houari Aldana: Bella Nice, che d'amore, Bellini. Al piano, Edelmiro Arnaltes]

Entrevista al tenor cubano Houari Aldana

—Houari Aldana, nombre de batalla. Pero ¿qué nombre es ése?

—Es un nombre argelino, concretamente el de Bumedian. Nací cuando el presidente de Argelia visitaba Cuba y era allí más popular que una estrella del rock. El fervor revolucionario del momento me unió para siempre a un nombre que es un problema, porque son raros los documentos de mi vida que no tuve que repetir dos y más veces por errores denominativos.

—¿Le hace falta una oportunidad como la que acaba de tener Jorge de León en el Real de Madrid, que sustituyó con éxito a Marcelo Álvarez en Andrea Chenier?

—Eso sería estupendo. Estoy en condiciones de cantar de ahora para después un Tamino, un Edgardo, un Nemorino, un Alfredo Germont, un Tonio… y me haría feliz, aunque es un rol muy breve, el tenor italiano de El caballero de la rosa de Strauss, que figura en las temporadas próximas del Real y de Amigos Canarios de la Ópera.

—¿Le asusta enfrentarse a Wagner en el concierto de mañana, junto a dos expertos internacionales como son los conferenciantes Werner y Metina Radach?

—Si me asustase no cantaría. Está bien que te preocupes, y hasta un puntito de nerviosismo, pero con miedo no saldría a escena.

El Festival Musitemático homenajea “de corazón” a Alfredo Kraus

«El tenor leonés Ignacio Encinas y la soprano rusa Maya Dashuk, acompañados al piano por Giulio Zappa, recordarán hoy a Alfredo Kraus en una gala lírica con la que el Festival Musitemático de La Orotava homenajeará al gran tenor canario fallecido en 1999. El concierto tendrá lugar, a partir de las 21:30 horas, en el Auditorio Teobaldo Power de La Orotava, escenario donde Kraus actuó hace ahora veinte años. (…)

El homenaje comenzará con la proyección de un documental elaborado a partir de imágenes inéditas de Alfredo Kraus. “En el vídeo se muestra a un Kraus desconocido, de apenas 30 años edad, interpretando cuatro de sus piezas más representativas, entre las que destacan una de Rigoletto y otra de La hija del regimiento».

11 de marzo

Fernando Álvarez: “Kraus es sinónimo de perfección vocal en todo el mundo”

“No conozco con detalle todo lo sucedido en Madrid —reconoce—, pero sí puedo decir que Marcelo [Álvarez] venía de cantar la misma obra en el teatro de La Bastilla en París, bajo la dirección de Daniel Oren y en la misma producción de Giancarlo del Monaco, cosechando ovaciones diarias. Sí sé lo que ocurrió el día que (Marcelo) decidió abandonar tras los dos primeros actos.

Esa noche, los cantantes llevaban incorporados micrófonos porque la ópera se emitía en directo por la radio. En el Real, la cabina de sonido se encuentra en la sala, muy cerca del paraíso, donde se habían dispuesto unos bafles; de modo que cuando los intérpretes cantaban, sonaba su voz y simultáneamente el eco procedente de la altura; como consecuencia, el público rompió a protestar al creer que el sonido estaba siendo amplificado”.

10 de marzo

Carlos Álvarez: “No voy a cantar Simon Boccanegra en el Teatro Real”

“No, no lo voy a hacer. Y soy consciente de que al coliseo se le va a plantear un problema grave, pero ya lo saben. Tenía que haber cantado muchos simones antes que el de Madrid y los he ido cancelando uno a uno. Primero cayó el de Viena, después el de Oviedo, y tampoco cantaré el de La Scala, que llegará en abril. ¿Por qué cantar, entonces, éste? Me parecía una falta de cortesía el haber dicho no en otros teatros y subir a escena en Madrid. Puede ser una decisión que se entienda o no, pero es la mía”.

[Machaidze: Je veux vivre, Romeo y Julieta, Gounod]

Entrevista a Nino Machaidze

—Anoche cantó por primera vez en el Liceu.

—Mi único sentimiento es de felicidad por debutar en uno de los teatros más bellos y con más tradición operística del mundo y que tiene una excelente acústica.

—Y además lo hizo con Marie de La fille du régiment, un personaje clave en su carrera.

—Así es. Con él me presenté en la Scala hace tres años. Me trae muy buenos recuerdos y además es un papel que me permite mostrar mi faceta de cantante y actriz. Es una obra cómica, pero muy lírica y muy completa. ¡Y además es una de las pocas óperas con final feliz!

—Su carrera va por el bel canto.

—Es un repertorio que se adapta a mi vocalidad. Tengo tiempo para plantearme otros retos. Ahora mismo lo alterno con el francés, como es el caso de Romeo y Julieta de Gounod, ópera con la que debutaré en el Covent Garden de Londres, y hasta he cantado Rigoletto de Verdi, con el que actuaré por primera vez en el Met de Nueva York.

—A su edad, ¿no le han advertido que puede quemarse tan acelerada?

—No, lo importante es la calidad de lo que cantas y no la cantidad. Yo estaré siempre atenta a la evolución de mi voz antes de intentar otro tipo de registro. Mientras, cumplo a rajatabla con mis descansos, sigo estudiando una hora al día e intento mantenerme en forma con la gimnasia.

–Ha cantado con Villazón, Flórez y Bros. ¿Qué ha aprendido de ellos?

—¡Solo cosas buenas! Una ópera no son solo dos notas altas, sino tres horas de música y es muy importante que haya feeling con los colegas, es un trabajo conjunto. Con estos grandes artistas sientes que lo que tú das te lo devuelven con creces.

7 de marzo

Marcelo Álvarez: “No me propongo hacer olvidar a Del Monaco”

—Usted comenzó centrado en el repertorio del belcanto, luego hizo papeles mas ‘de fuerza’ como Trovatore, y ahora este verista Chénier. ¿Cómo se producen los cambios? ¿Cambian las condiciones vocales o cambia su propia visión de cómo encarar un papel?

—Un poco de todo. Yo me pregunto ¿quién puede decir si se canta Andrea Chénier como lo hacían Del Monaco o Corelli? ¿Quién sabe cómo era la voz de Gigli, más grande o más chica que la mía? Aquellas orquestas eran más chicas. El verismo de principios del novecientos era muy distinto al que hoy se oye. Muchas veces eran orquestas de aficionados. Los instrumentos tenían otros resonadores; las cuerdas, los vientos, todo era diferente.

Desde que empecé con el belcanto, diez años como tenor lírico ligero, fui seguido por tres profesionales. Al ver mi evolución, comprobaron que mis cuerdas no eran de tenor ligero. Lo que pasa es que yo empecé a estudiar tarde, a los 30, y mis cuerdas eran chicas. No me propongo hacer olvidar a Del Monaco. Lo que puedo ofrecer son colores diferentes. No quiero decir que lo mío es único, sino que un mismo rol tiene muchas alternativas. Y que, más allá de los detractores, uno tiene que abrir el corazón y cantar de otra manera.

8 de marzo

Celso Albelo: “Cantar el rol que hizo Kraus en La Sonámbula es una prueba de fuego”

—La crítica le suele comparar con Alfredo Kraus. ¿Se siente usted influido por la figura y la técnica del tenor grancanario?

—Desde luego. Soy un tenor lírico ligero y abordo el mismo repertorio. Pero una cosa es que sea un referente y otra que caigamos en la imitación.

—¿Cuáles considera que son los pasajes más delicados?

—Cada vez que abro la boca es delicado. Empiezo con un recitativo con el que enseguida paso a la parte de la boda, donde comienzo a cantar, y luego comienzo con el dúo con ella. Desde la primera hasta la última nota hay que estar concentrado.

4 de marzo

[Warren: Son Pereda, son ricco d'onore, Acto II, La forza del destino, Verdi. 1958]

En memoria de Leonard Warren, que un día como hoy, 4 de marzo, fallecía súbitamente en escena mientras interpretaba esa ópera innombrable para los cantantes, y cantaba este aria, en el Met, junto a Tebaldi, Tucker y Baccaloni. Hoy se cumplen 50 años.

No olviden el Eri tu que nos recomendaba Mefisto.

(Gracias, Yemapel)

Manuel García revive en el Maestranza con una ópera

“El tenor Manuel García (Sevilla, 1775-París, 1832) fue un músico formidable. Fue cantante, compositor, actor, empresario y profesor. Su enérgica personalidad tenía la fuerza de un imán. Entre las obras que creó hay tonadillas, canciones y alrededor de 40 óperas y operetas. El legado de Manuel García pervivió tras su muerte. María Malibrán y Pauline Viardot, sus hijas, añadieron nuevos capítulos a la leyenda forjada por el compositor sevillano. (…)

El estreno de L’isola disabitata supone una buena oportunidad para los cantantes, que comienzan su carrera. “Somos personas jóvenes que tenemos muchas ganas”, afirmó la soprano Marifé Nogales, que encarna a Silvia. El resto del elenco lo componen la mezzosoprano Carmen Romeu (Costanza); el tenor Jesús Álvarez (Gernando), y el barítono César San Martín (Enrico)”.

Sagi: “Deberíamos creer más en la música española y venderla mejor”

“Me he encontrado en algún teatro extranjero a españoles que criticaban la música de Manuel Falla por ser, en su opinión, demasiado folklórica, cuando en realidad es una música muy valorada fuera de España. Parece que como es música española, no es suficientemente buena”.

“La zarzuela, un género que interesa tanto fuera de España como la zarzuela era denostado aquí, tal vez por la utilización que hizo de ella la dictadura, pero se da la circunstancia de que a la vez recibimos con los brazos abiertos a las operetas vienesas y francesas, mucho más lejanas de nuestra cultura”. “Es una pena que no hayamos sabido defender mejor lo nuestro”.

3 de marzo

La directora coreana Eun Sun Kim, un ‘oído absoluto’, debuta en Madrid

«Tras sus estudios en la Escuela Superior de Música y Arte Dramático de Stuttgart, en mayo de 2008 ganó el II Concurso Internacional Jesús López Cobos para jóvenes directores de ópera del Real, premiado con 12.000 euros y un contrato por dos temporadas como asistente de dirección.

“Mi trabajo —detalla— consiste en hacer los ensayos de escena con los cantantes y estar cada día de función en el teatro por si el director de esa ópera se pusiera enfermo o tuviera algún problema”, algo que, dice riéndose, “lamentablemente no ha pasado nunca” aunque siempre esté “deseándolo”.

Eun Sun Kim dice que el trabajo de director “es muy esforzado, requiere mucha energía y buena forma física, porque no paras de moverte” aunque ella utiliza mucho los ojos y el gesto para “conseguir química” con los músicos.

Será con ellos, con la Orquesta Sinfónica de Madrid, con quienes debute como directora principal en el Auditorio, en el Ciclo de Conciertos de la Comunidad de Madrid, con un programa en el que además de la ‘obligada’ ‘Gerok’, de Isabel Urrutia, estarán la ‘Suite del teniente kijé’, de Sergei Prokofiev, y la Sinfonía número 4 de Tchaikovsky».

[Jesús López Cobos y Eun Sun Kim, maestro y alumna, desvelan cómo prepararon El holandés errante]

Plácido Domingo. La noticia es que no se sabe nada sobre la intervención quirúrgica anunciada para finales de la semana pasada, o incluso antes, según otros medios. Ninguna novedad tampoco,  en su página web.

2 de marzo

[Tebaldi: L'altra notte in fondo al mare, Mefistófeles, Boito. 1956]

Un castello per la Regina

“El castillo de Torrechiara, en el norte de Italia, dañado por el terremoto de 2008, fue restaurado y en sus 19 salas expone permanentemente trajes de escena y de gala, sombreros, fotos, baúles de viaje —el más grande de los cuales necesitó que se ampliara la puerta del camarote de la cantante en la nave “Giulio Cesare” que la llevaba a Buenos Aires— y joyas”.

Villazón debutará como director

“El tenor mexicano Rolando Villazón, que debe regresar a los escenarios el 22 de marzo en Viena, debutará como director de escena en una nueva producción de Werther de Massenet, que será el plato fuerte de la próxima temporada (2010-2011) de la Opera de Lyon“.

Entrevista a Daniela Dessì:

—Y la terrible princesa Turandot, ¿piensa interpretarla en un futuro?

—Me gustaría afrontarla en un próximo futuro. Es obvio que se trata de un personaje muy distinto de Liù y que identifico con la frase de los tres ministros Ping, Pang y Pong en su largo coloquio al comienzo del Acto II: ‘Turandot non esiste, non esiste che il niente’ (’Turandot no existe, no existe, no es nadie’).

En efecto, creo que Turandot es la mitificación del amor por parte de Calaf. Un personaje creado desde su propia fantasía en contraposición con Liù, quien representa (…) el amor puro y real, mientras Turandot es el imaginario exasperado y enfatizado en la mente de Calaf”.

[Foto: Gio]

La siguiente audición es sugerencia de José Carmelo (gracias mil:-)

Fernando de Lucia (1860-1925): Fenesta ca lucive e mo’non luci…, canción napolitana de autor anónimo o atribuida a Vincenzo Bellini.

Salvo lunalunae, aún no dijeron nada sobre la de Bechi…  ¿Será porque es tan triste?

Sobre la historia de este amor imposible, pueden bucear en este enlace.  Los de lágrimilla fácil, mejor abstenerse;-)

Añadimos Marechiare, para contrarrestar.  Y una crónica de prensa rescatada del fondo del mar en la que se habla sobre Fernando De Lucia:

13 de enero de 1892, Teatro Real de Madrid, segundo aniversario del fallecimiento de Gayarre, inauguración de la colocación de un busto del tenor roncalés  en el foyer del coliseo madrileño,  obra de Benlliure.

La escultura puede verse actualmente en el Museo del Teatro, en Almagro, Ciudad Real.  Muy cerca del corazón de Anselmi.

El busto de Gayarre

“El año pasado solemnizamos en el Teatro Real el primer aniversario de la muerte de Gayarre. Se cantó la Misa de Réquiem de Verdi, hubo procesión de Comisiones, hubo coronas, la orquesta tocó el Sp’rto gentil, y aunque la concurrencia no fuese todo lo numerosa que era de desear (la función se verificó fuera de abono), quedó, según parece, suficientemente honrada la memoria del gran tenor. Este año no ha habido nada el 2 de Enero, pero anoche hemos celebrado dignamente la colocación del busto de Gayarre en el foyer del regio coliseo.

Ahora hemos hecho las cosas con menos boato. Nada de función extraordinaria, nada de procesiones, nada de coronas al son de la romanza de Donizetti. Una modesta función de abono, histoire de atraer concurrencia al tercer turno, que es el más flojo de los tres, y de llevar, por ende, unas cuantas pesetas a la contaduría.

La empresa ha contribuido a dar variedad al espectáculo con un centón compuesto del segundo acto de Los Puritanos, el cuarto de La Africana y el primero de La Favorita.

Con lo cual el busto ha quedado inaugurado, el público ha pasado la velada discretamente, ha habido una buena entrada y la empresa vería seguramente con gusto que el año próximo celebrásemos el primer aniversario de la colocación del busto de Gayarre con una revisión, que dice Bofill, y me permito también decir yo, de la función de anoche.

Quien quizás se opondría a esa revisión o reaudición serla el distinguido tenor señor De Marchi, que, al hacer el sacrificio de cantar el acto cuarto de La Africana, fue el único artista que dio su verdadero carácter a la función, obligándonos a no separar nuestro recuerdo de Julián Gayarre. Hay que señalar la abnegación del señor De Marchi, y aplaudirla como merece.

Cuanto al señor De Lucia, con decir que fue muy aplaudido en la romanza del acto primero do La Favorita y que el dúo obtuvo los honores de la repetición, comprenderá el lector el triunfo que obtuvo el reputado artista y lo orgulloso que puede estar de tan halagüeño resultado.

El éxito de De Lucía permite parodiar aquellos conocidos versos:

Derramemos una lágrima
a la memoria de aquél
que fue nuestro amigo,
y luego nos iremos a comer.

De la manera siguiente:

Derramemos una lágrima
por el colosal artista
y después aplaudiremos
a Fernando De Lucia.

Éxitos como el de anoche deben envanecer al señor De Lucia, a quien mando mi cordial enhorabuena.

La sinfonía de Cleopatra, admirablemente ejecutada por la orquesta y dirigida por el ilustre autor de esa obra tan popular en España, obtuvo el éxito de siempre y fue repetida.

La señorita Pacini arrancó en el acto de Los Puritanos aplausos entusiastas; la señora Tetrazzini detalló, como gran artista que es, el dúo de La Africana; la señora Pasqua compartió con De Lucia la ovación del dúo de La Favorita, y los señores Tabuyo, Uetam y Cotogni prestaron el concurso de sus talentos al mejor resultado de la función”.

[Machaidze:  aria de Elvira del Primer Acto, Escena VIII, de Los puritanos, Bellini. Con Juan Diego Flórez (Arturo), Ildebrando D'Arcangelo (Giorgio). Bologna, 2009]

«Nino Machaidze (Tblisi, Georgia, 1983) ha irrumpido con fuerza en el circuito de la ópera. Su voz y su imagen —alguien la llamó la ‘Angelina Jolie de la ópera’— han atraído la atención. En Valencia interpreta uno de los papeles más exigentes, con algunas de las notas más agudas del belcanto. Uno sólo advierte cierto reproche si se le insinúa si es la ‘nueva Anna Netrebko’».

—¿En qué piensa cuando tras representar la locura de Lucia, el público irrumpe en aplausos durante unos minutos?
—Soy sólo muy feliz, porque lo que hacemos es para el público y los aplausos demuestran que les ha gustado. Si puedo emocionar es que he conseguido mi objetivo.

—¿Es felicidad también por superar el reto del momento técnicamente más complicado?
—No, porque la ópera es un continuo, no hay un punto que tengas que hacer mejor, es de la primera a la última nota.

[Machaidze: Spargi d’amaro pianto. La Monnaie, 2009]

—¿Qué representa el personaje de Lucia para una soprano?
—Es un papel muy importante, muy difícil de cantar e interpretar, como todos los personajes que enloquecen. Creo que es de los más difíciles del belcanto y de toda la historia de la ópera.

—¿Que le pongan la etiqueta de ‘nueva diva’ es mucha presión para una cantante joven?
—No, es bello, me gusta [dice en español y ríe]. No me molesta, es algo que se dice y que la gente comenta, pero presión, no.

—¿Y la comparación con las grandes, como la Callas o más recientemente Anna Netrebko, cómo la lleva?
—Me parecen bien las comparaciones. En este mundo de la ópera siempre las hay, todo se compara. Lo importante es que la comparación sea positiva. Lo que no me gusta es que digan que soy ‘la nueva…’, porque yo soy Nino Machaidze, siempre lo he sido, no la nueva nadie, porque no es verdad. Uno es uno mismo.

—Da la impresión de que tiene claro que para la ópera no es necesario sólo cantar bien, sino también actuar.
—Sí, la interpretación es muy importante, en Lucia sobre todo, pero también en otros papeles del belcanto. Si Lucia sólo se canta, el papel se queda vacío, plano. En la ópera lo más importante es la voz, pero el teatro es un conjunto y hay que saber actuar. Además es algo natural; si tú escuchas la letra que estás cantando, representar esas palabras sale de manera automática.

—¿Piensa también que no es necesario llegar a las notas más altas para ser una buena cantante?
—Absolutamente de acuerdo, porque la ópera no son sólo una o dos notas, sino tres horas de música y hay que hacer bien la ópera completa.

—Hay cierto desprestigio del belcanto dentro del mundo de la ópera, ¿qué replica?
—No estoy de acuerdo. El belcanto es algo muy bonito y muy difícil, que no todos los cantantes pueden hacer. No se puede decir sólo Verdi o Puccini. Están muy bien, pero el belcanto es espléndido. La escena de la locura de Lucia o el aria final de Edgardo son extraordinarias. Es algo muy completo; hace falta agilidad, tener una voz grande y entonación.

—¿La imagen es fundamental hoy en día para abrirse camino?
—Hoy es importante estar en forma, ser ágil para poder moverse en el escenario, pero la ópera se llama así por la voz, que es lo más importante. Si eres guapa claro que te ayuda, pero no es lo más importante.

—¿Y el ‘glamour’, la imagen social, estar en prensa y fiestas, es también importante?
—Si sales en televisión y prensa, aumenta un poco tu nombre y te das más a conocer, pero día tras día has de demostrar cantando que realmente vales. Te haces más famoso, pero una cosa es el amor y otra, el trabajo.

—¿Hubiera llegado al mismo sitio si fuera menos agraciada físicamente?
—Espero que sí. Tengo mi voz y mi personalidad en el escenario, pongo todo mi corazón para demostrar al público que doy lo máximo, así que creo que sí que hubiera llegado igualmente.

—¿Considera una una falta de respeto eso de ‘la Angelina Jolie de la ópera’?
—No, es una mujer muy bella. Me lo tomo como un cumplido.

—¿Sus objetivos se centran en la ópera o está abierta a otras propuestas artísticas?
—La ópera es todo para mí. No podría vivir sin cantar y sin estar sobre un escenario, pero depende de cómo vayan las cosas. El cine, tal vez, sería una posibilidad, pero siempre relacionado con la ópera.

—¿Le interesa la política?
—La política no me gusta y no me interesa nada. Hay otras cosas mucho más bonitas por las que preocuparse.

—¿Pero está implicada con su país, Georgia, o se mantiene alejada de su realidad y sus conflictos vecinales?
—Sí que estoy informada de lo que pasa, porque mi familia vive allí y todos los días hablo con ellos. Estoy muy preocupada, porque allí la situación siempre es complicada. Ahora está más tranquila, pero es un país siempre en una situación de combate y no es fácil vivir allí. Es una pena porque es un país precioso. Ahora están yendo más turistas y se está empezando a revalorizar.

Anoche,  28 de diciembre, Montserrat Caballé ofreció un recital en el Liceo, junto al tenor ruso Nikolai Baskov, el bajo ucranio Serghiy Mahera y el pianista argentino Manuel Burgueras.  En el diario El País Agustí Fancelli titula su reseña: “A casa por Navidad”.

¿A casa? Obviamente, al Liceo de Barcelona, donde Caballé debutó en 1962: el  próximo 7 de enero hará 48 años.

Ya ha manifestado la soprano en más de una ocasión que tiene cuerda para rato. Hace nada, este mismo mes de diciembre, volvió a dejar bien claro, con el gran sentido del humor que le caracteriza, que no figura en su agenda despedirse de los escenarios: “Cantaré hasta el último momento. Sólo dejaré de hacerlo cuando se me lleven con los pies por delante. No me veo sentada en el salón de casa haciendo punto de cruz”.

No le falta razón, con lo aburrido y de los nervios que debe de ser la crucetilla. Tampoco es eso…

Montserrat Caballé, genio y figura hasta la sepultura. Pero ¿de verdad necesita demostrarlo hasta ese aciago día del que esperamos y deseamos de corazón que aún falten muchos años?

La crítica del concierto que les anunciaba:

“Como los turrones de la canción, Montserrat Caballé volvió anoche a casa. Su casa no es otra que el Liceo de Barcelona, el teatro que ella colocó en el mapamundi lírico. Ahora, cuando la soprano se halla al final de su carrera, es justo que el teatro le devuelva el afecto y la consideración que se merece.

El problema, en este tipo de situaciones, es el tipo de espectáculo que se escoge. Es obvio que las condiciones vocales de Montserrat Caballé no son hoy las que en su día maravillaron al planeta. Los años pasan también para las estrellas y recurrir al show, un punto autoirónico, es un buen recurso. El formato fue el de Montserrat Caballé and her friends. Los amigos eran el tenor ruso Nikolai Baskov —quien antes de dedicarse a la lírica transitó por la música pop—, el bajo ucranio Serghiy Mahera y el fiel pianista argentino Manuel Burgueras. Estaba previsto que actuara también su hija, Montserrat Martí, pero al final causó baja por problemas de salud. (…)

Derrochó picardía y vis cómica la soprano con ‘¡Ay, malhaya!’, de La boda de Luis Alonso, a lo que replicó el tenor con una vistosa interpretación de ‘No puede ser’, de La tabernera del puerto. A Blaskov el dominio del pop le vino como anillo al dedo para meterse al público en el bolsillo. Como mandan las reglas del show, la apoteosis llegó con los bises: ‘La Tarántula’, el célebre vals de Léhar —bailado graciosamente por tenor y soprano— y ‘Ojos negros’, en versión trío. No tardarán estas versiones en asomarse al YouTube.

Para entonces, el público, que llenó el aforo, palmeaba y reía todas las gracias de los artistas. Acabó puesto en pie, ovacionando a Montserrat Caballé. Finalmente, era de lo que se trataba”.

¿Y qué dicen sobre el recital en La Vanguardia de Barcelona? El titular es muy elogioso: “Montserrat Caballé regresa a su casa con otra lección de canto”. Y lo que sigue: “Un recital de Montserrat Caballé en el Liceu es siempre algo fascinante por su capacidad indudable de ganarse al público, sea cual sea el programa, las piezas y su modo de cantarlas”. ¿Y lo que sigue a lo que sigue? Pues también.

[Entrevista a Caballé en su 40 aniversario en el Liceo.
Gran Teatro del Liceo de Barcelona, 2002]

—Yo creo que también hay una creación cuando alguien es un artista, ¿no?

—Bueno, tú vives esa creación. Y a veces lo que tienes que procurar es no traicionar la creación misma. No siempre te puede salir bien. Porque los espíritus son distintos, como las yemas de las digitales nuestras. Entonces, yo creo que eso también influye. Pero, por poco que te guste la música, si escuchas, te llega; te llega el mensaje del creador. Y entonces…, no digo que sea fácil, pero te envuelve: es el gran abrazo de la música que te envuelve y te penetra.

Yo siempre he dicho que es como una droga que corre por las venas; por los ríos de sangre de nuestras venas. ¡Y es cierto!, porque en escenas de locura, en escenas de muerte, en escenas de amor; de repente, cuando baja el telón, dices ‘ostras, qué he hecho…’ (risas). Pero sucede.

Casta diva

[“Bellini quería una voz de ángel. Y tú la tienes. Cántale tu Norma”.
Callas dixit in illo tempore a Caballé]

“La soprano valenciana Isabel Rey abrió ayer en Vigo con un recital lírico el ciclo de actividades de Amigos de la Ópera. La cantante prefirió el e-mail como medio de comunicación para no dañar su voz”.

–¿Es su costumbre tratar de hablar lo menos posible cuando tiene concierto o solo cuando tiene alguna molestia?
–La preparación de un concierto o función de ópera es un trabajo arduo en el que exigimos mucho a la voz. Es un entrenamiento, como el de un deportista. Hay ocasiones en las que es conveniente dejar descansar la voz para que este ‘fresca’ en la actuación, el momento de la verdad. Todos los que utilizan la voz para su trabajo saben de la necesidad de darle un respiro. En general intento hablar lo menos posible el día del concierto.

–¿Cuál es su ópera favorita para cantar y cuál para que se la canten?
–Mi favorita es siempre la que esté interpretando en ese momento. Todas tienen algo que me hace amarlas profundamente. La que más me gusta escuchar? depende de quien la cante, pero en general, La bohème o Madame Butterfly.

–¿Cómo es un día ‘normal’ en su vida? ¿Cuántas horas dedica a los ensayos?
–Si estoy en período de ensayos me levanto temprano y paso de 6 a 7 horas en el teatro cantando y, dependiendo de la producción, corriendo de un lado a otro (como en Las bodas de Figaro). En estos períodos es muy difícil encontrar la energía para encerrarte con el piano y trabajar la voz, el trabajo de escena es incompatible muchas veces con la disciplina diaria necesaria. Si estoy haciendo funciones procuro levantarme tarde porque tengo que estar a pleno rendimiento a partir de las 7 de la tarde. Intento hacer lo menos posible. Cuando llego al teatro muevo un poco la voz y repaso las frases difíciles. Al volver a casa repaso la película de lo sucedido y tomo nota mentalmente de lo que hay que revisar.

♣ ♣ ♣

Isabel Rey:  Ah!, non credea mirarti, aria de Amina del final del Segundo Acto de La Sonnambula, Bellini. 1988.

“No sé quién pueda ser tu profesora, pero entre ella y tú (…) habéis hecho algo muy, muy hermoso, que nos ha emocionado a todos. Y… todo el mundo canta bien, esta noche están cantando tantos bien… Pero los que cantamos más o menos bien, nos rendimos ante lo magnífico, y tú eres magnífica”.

Magister dixit.

En la misma aria. ¿Año?

♣ ♣ ♣

–Lleva ya más de 20 años en la profesión. ¿Cómo ve el panorama actual? Hay talento y perseverancia suficiente entre los jóvenes como para reemplazar a brillantes generaciones de cantantes españoles?

–Talento no falta, pero el tema de la perseverancia es otra cosa. Vivimos en la cultura de la inmediatez. Uno se mete en una academia y en tres meses es una estrella. Es lo que se ve en la tele ¡Y hoy lo es todo! Si algo no sale en la tele es que no debe existir. Y en la tele no se ve el esfuerzo, las horas de trabajo, los fracasos y el éxito que sale de ellos.

En mi profesión no solo hay que cantar. Hay que ser culto, pasar horas trabajando en la consecución de un sonido, hay que ser curioso y evitar la maldición de la especialización absoluta. Hay que saber muchas cosas, historia, filosofía, y eso no es otra cosa que perseverancia y trabajo. Hay muchas voces, muy pocos buenos maestros y se pierden conceptos vitales para el canto. Pero sigue habiendo jóvenes con la educación de base suficiente para enfrentar las dificultades y llegar a ser parte de la nueva generación de cantantes españoles. Yo conozco algunos.

–Si funcionaron Los tres tenores ¿Por qué no llegan Las tres sopranos?
–(Risas). El tenor es el rey. Siempre lo ha sido. Es un hecho científico que el agudo del tenor vibra en una frecuencia que activa la producción de endorfinas en el oyente. ¿Será por eso?

–Ainhoa Arteta ahora también canta pop. ¿Usted no se anima?
–Antes de ella, Kraus y Domingo y muchos más ya se ocuparon del repertorio ligero. Es una música que me gusta mucho y tengo mis amores: Streisand, Krall. Hay aún mucha música de mi mundo que no he cantado. No quiero decir que no lo haré, pero no por el momento.

–¿Quedan divos en la ópera o son más divos las estrellas del pop y el rock?
–En la ópera quedan muchos divos, pero no somos forzosamente los cantantes, ja, ja, ja. ¡Creo que hay mas divos en el pop! Mi trabajo es muy sacrificado, pero soy inmensamente feliz cada vez que me subo al escenario y eso hace que todo tenga sentido y valga la pena.

Ana María Marcó y Hugo Sorrenti.

Continuamos con las grabaciones que nos envió Mefisto de la soprano Ana María Marcó y del tenor Hugo Sorrenti, aquella  historia de amor.

(Gracias, Mefisto:-)

Marcó y Sorrenti /Già nella notte densa I

Marcó y Sorrenti /Già nella notte densa II

Hugo Sorrenti y Ana María Marcó: Già nella notte densa… (primera y segunda parte), dúo de amor de Otello y Desdémona, Primer Acto, Escena III, Otello, Verdi.

Ojo al dato. Nos especifica Mefisto que en esta grabación, Sorrenti tiene 66 años y Marcó 60.

Ana María Marcó, en 'el Murciélago'.

Marcó / Casta diva

Ana María Marcó: Casta diva, aria de Norma, Primer Acto, Escena I, Norma, Bellini.

“No perdería de vista a Celso Albelo, quien ha demostrado su buen hacer en una línea más que brillante por su cálida voz, su musicalidad, su fraseo impecable y sus valientes y limpios agudos. ¡Bravo!”.

(Gracias, Julián)

A te, o cara

Celso Albelo:  A te, o cara, amor talora…, cavatina de Arturo del Primer Acto, Escena V, de Los puritanos, Bellini.

Credeasi, misera

Tercer Acto, Escena III. Elvira: Yolanda Auyanet.

(Nota bene: la grabación es la misma, pero creo que en audi se escucha algo mejor)

———————

Actualización (09/07/09/20:00)

Son già lontani

Tercer Acto, Escena I

Vieni fra queste braccia

Tercer Acto, Escena III

Teatro Comunale di Bologna, enero 2009.

(Gracias, Zerlina)

———————

13/09/09