('Caras y caretas', Buenos Aires,11 de agosto de 1906).

“Poseyó una voz poderosa y homogénea, que le permitió abordar con comodidad el vasto dominio del repertorio italiano, desde fragmentos belcantistas hasta declamaciones veristas”, reseña Patrón Marchand sobre Riccardo Stracciari (1875-1955) en su libro Cien grandes cantantes del pasado.

Se sentía realmente identificado con los personajes que interpretaba. “La voz que nos dejan oír las viejas grabaciones Fonotipia y Columbia luce pareja y suntuosa en la mayoría de los casos y lo coloca, sin ninguna duda, entre los primeros barítonos de su generación como De Luca, Scotti, Galeffi, Ruffo, Danise y Amato“.

Riccardo Stracciari cantó La traviata en el Teatro Real de Madrid, junto a Rosina Storchio (la creadora del personaje de Cio-Cio-San, de Madama Butterfly) en noviembre y diciembre de 1909.

Rosina Storchio, la primera Cio-Cio-San.

La crítica de prensa que reproducimos a continuación corresponde a la primera representación, 25 de noviembre de 1909, y fue publicada en La Nación Militar dos días después, el 27 de noviembre.

Junto a Storchio y Stracciari cantaron Taccani, Verdaguer, Del Pozo, Oliver. Dirigió Ricardo Villa. La representación se repitió el 28 de noviembre y el 1, 5 y 9 de diciembre de 1909 (Historia del Teatro Real. Joaquín Turina).

* * *

Los teatros

De telón afuera

Después de Carmen y Tannhauser hemos escuchado La Traviata de una manera soberbia, en la que la Storchio y Stracciari dieron una prueba más de lo mucho que valen.

Ambos rivalizaron y se completaron de modo admirable en la famosa ópera de Verdi.

Rosina Storchio ('Por esos mundos', Madrid, 1 de mayo de 1910.

En la Storchio no se sabe qué celebrar más, si la dulzura de su preciosa voz o las singulares dotes de gran actriz que posee.

¡Qué manera más delicada, más sentida, más artística, en una palabra, de representar a Violeta!

El público, subyugado realmente ante tan perfecta manera de interpretar la obra y ante tan admirable escuela de canto, interrumpió con gran frecuencia a la artista para tributarle justísimas ovaciones. El aria del primer acto, el dúo del segundo y la escena final de la obra, muy especialmente, produjeron hondo efecto, siendo la señora Storchio aclamada con entusiasmo.

'Por esos mundos' (Madrid), 1 de mayo de 1910.

Otro tanto puede decirse de Stracciari. Este, que ya en Tannhäuser fue reconocido como un gran cantante, anoche causó un verdadero alboroto desempeñando la parte de Jorge (sic) Germont.

Es el Sr. Stracciari un artista de méritos altísimos, que cautiva por su magnífica voz, su impecable dicción y su refinado estilo de canto.

En el dúo con la Storchio, estuvieron ambos a la misma altura. Es el mayor elogio que de Stracciari se puede hacer.

Todos los demás artistas tuvieron una interpretación admirable, y la orquesta y coros, como siempre, y ovacionada por todos conceptos.

"El cantante barítono MATÍAS BATTISTINI, que actualmente canta con éxito extraordinario en el Gran Teatro del Liceo" ('Ilustración artística', Barcelona, 3 de diciembre de 1906).

Battistini: O del mio dolce ardor, Paris y Elena, Gluck. 1924

Encontré, no por casualidad, una crítica de prensa sobre una actuación del  gran barítono italiano Mattia Battistini, considerado en su época paradigma del bel canto. Cantaba Battistini en el Teatro Real de Madrid, el 2 de enero de 1919, una ópera de Donizetti por aquellos años ya prácticamente olvidada: Maria di Rohan. Ópera de exigente ejecución para los cantantes —a decir del cronista—, que precisamente “por eso la han retirado de la circulación”.

Dirigió la representación el maestro Julio Falconi. Junto a Battistini (Conde de Chevreuse), la soprano gallega [nace en Santiago de Compostela, La Coruña] Ofelia Nieto (María de Roan), la mezzosoprano italiana Maria Capuana (Armando de Gondì) y el tenor alicantino Antonio Cortis (Conde de Chalais), que en 1919 aún utilizaba su verdadero apellido, ‘Corts’ [ Antonio Montón Corts], y a quien vaticinan, muy certeramente, “un porvenir seguro en el arte”.

En otra crónica de prensa de la misma representación (El Día, Madrid, 3 de enero de 1919), consignan sobre Cortis:

“Antonio Corts, el modesto tenor que cantó el conde de Chalais, tiene una voz caliente, varonil y bellísima, igual en todos los registros, joven y pastosa. ¿Por qué no estudia este muchacho, verdadero brillante sin pulir? Es seguro que su voz excepcional, una vez disciplinada, haría de Antonio Corts, un divo, que se disputaría el favor de la Empresa”.

Concluye su reseña Felipe Fano, crítico musical del desaparecido diario madrileño El Globo, con un me dijo_ yo le dije… muy castizo (leísmo, incluido), que no vamos a desvelar antes de tiempo.

Escena final de la premiere de 'Maria di Rohan', de Donizetti, estrenada en en Viena, el 5 de junio del 1843.

Battistini tenía en aquellos momentos, 2 de enero de 1919, 61 años. Apenas le faltaban dos meses para cumplir los 62.

Y la crónica, textualmente, dice así:

Caricatura de María Llácer y Mattia Battistini, 'Heraldo de Madrid', 18 de marzo de 1916.

“Se esperaba con gran interés la presentación del barítono Mattia Battistini. Los antiguos abonados cantaban a coro sus triunfos como representante de la escuela del ‘bello canto’; para otros el deseo era también muy justificado, porque quería juzgar por sí mismo si era verdad tanta belleza, como cantaban los amigos del barítono.

El teatro se llenó por completo.

Se puso en escena Maria di Rohan, del maestro Donizetti, ópera ya retirada de la circulación, no por falta de belleza, que la tiene mucha, sí por falta de cantante, pues ópera de este género necesitan extensas voces, cuadratura perfecta, segura entonación, pues la orquestación limita su cometido a acompañar a los cantantes; no hay manera de cubrirse con la orquesta, ni callarse cuando la frase ‘le va mal’ o ‘pella, en el pase’. No hay más remedio que cantar y cantar bien a toda voz.

Por eso la han retirado de la circulación.

Mattia Battistini, el barítono español por su enlace matrimonial, español por estar en España fincado y español por su amor a esta patria, alcanzó anoche el triunfo mayor de la temporada, pues se le aplaudió en la romanza del acto primero, se le ovacionó en el segundo y en el acto tercero en la famosa aria, cuyo andante, cantado con una maestría sin igual, tuvo que repetir; siguió el aria y después la cabaletta, que acabó por enloquecer al público, que desde el rey al último espectador del paraíso, todos aplaudían y gritaban: ¡’bis’, bravo! y otras exclamaciones.

El triunfo, la glorificación de Battistini fue completa e indiscutible.

Ofelia Nieto, caricatura de Fresno ('ABC', 2 de abril de de 1924).

Ofelia Nieto / Mírate en el espejo (1914)

Ofelia Nieto lució su hermosa voz [¿y?] sus potentes agudos.

María Capuana, un lindo paje, tan hermosa de voz como de figura, cantó muy bien su canción del primer acto haciéndose aplaudir por todos, y haciéndose notar por su desenvoltura en la escena.

'Ondas', Madrid, 27 de diciembre de 1930.

Antonio Cortis /Apri la tua finestra (1929)

Antonio Corts, excelente tenor, que ayer conquistó el tercer entorchado, tiene un porvenir seguro en el arte, y paseará triunfante la bandera de España por todo el mundo.

Becucci, con su hermosa voz y su arte escénico, completó el conjunto.

Erauzkin, Ferrer y [¿Fururia?] fueron buenos chicos.

El maestro Falconi guió la orquesta con su pericia acostumbrada.

Al terminar la ópera, me decía una antigua abonada, cuya butaca estaba vecina de la mía.

—¿Pero este Battistini hasta cuándo va a cantar?

—Señora, la respondí, para que Battistini no cante, será preciso matarle”.

Es ley de vida… Pero no por eso se siente menos. Ya todos ustedes lo saben. Falleció Joan Sutherland . ¿’La Stupenda’? El epíteto se le queda chico. Dame Joan Sutherland, una de las GRANDES de la historia de la lírica (con mayúsculas, como bien apuntaba Antonio).

Hasta siempre, Sutherland. Gracias, por tanto.

♣ El País.com

♣ ABC.es

(Gracias, Antonio. Gracias, Juan)

12 Octubre 2010 @ 5:27

(Gracias, Victoria)

Australia despide con un funeral de Estado a la soprano Joan Sutherland

Memoria de ‘La Stupenda’

En memoria de Joan Sutherland

Una buena noticia, publicada en el once aniversario del fallecimiento de Kraus, y que no parece haber originado en los medios gran repercusión: “La Escuela Superior de Canto Alfredo Kraus inicia su andadura“. Con sede en Las Palmas de Gran Canaria, donde se trasladará la Fundación que lleva el nombre del tenor, estará dirigida por su hija, Patricia Kraus Ley, “heredera directa de la técnica de su padre”.

“Nacerá con el propósito de dotar a la ciudad de un centro de alta formación profesional dirigido a los jóvenes cantantes de talento, tanto de las islas como del resto de la península y también de la comunidad internacional. (…)

La escuela acogerá a estudiantes de todas las nacionalidades y contará con un excelente cuadro de profesores de reconocido prestigio nacional e internacional bajo la dirección de la cantante española Patricia Kraus, hija de Alfredo, que cuenta en su bagaje profesional con una amplia carrera como pedagoga, además de ser heredera directa de la técnica de su padre el gran tenor”.

Una audición sobre la técnica de canto del gran Kraus que Werther nos recomendó en su momento (gracias mil, Werther).

[Fotografía: gentileza de Liliana Osses Adams]

Tributo a Giuseppe Taddei (1916-2010)

Junio 20010

El 2 de junio de 2010, a los 93 años de edad, falleció en Roma el gran barítono italiano Giuseppe Taddei. En unas tres semanas más, habría cumplido los 94. Para mí fue como perder a un buen amigo, que durante toda una vida te ha acompañado, haciéndote vibrar con su arte incomparable. Esto me ha impulsado a escribir lo que sigue, que sólo es un tributo al artista desaparecido.

Taddei tuvo una larga vida, pero también una larga carrera como cantante. Casi setenta años cantando en muchos países de Europa y América, 135 roles diferentes y con un repertorio variado y diverso, como el italiano, el mozartiano, el ruso e incluso el wagneriano —algo no muy frecuente en los barítonos italianos—, en centenares, centenares de funciones. ¿Qué otro artista podría presumir de haber cantado con Francesco Merli, Galliano Masini y Beniamino Gigli hasta Plácido Domingo, Luciano Pavarotti y Marcello Giordani; desde Iris Adami-Corradetti, Toti Dal Monte y Magda Olivero hasta Renata Tebaldi, Maria Callas, Mirella Freni y Renata Scotto?

Tratar de reconstruir su cronología artística es, simplemente, un trabajo imposible y que bastaría para llenar todo un libro. Por lo tanto, lo que sigue no pretende mostrar todo lo que Taddei cantó, si no más bien señalar los puntos más destacados de su vida artística.

Giuseppe Taddei nació en Génova, el 26 de junio de 1916. Hizo sus estudios de canto en Roma, ciudad donde debutó a la increíble edad de 20 años, el 26 de diciembre de 1936, en el rol del Heraldo, en Lohengrin, en el Teatro de la Ópera de Roma (en aquellos años, llamado Teatro Reale dell’Opera).

El reparto, hoy de ensueño, estuvo formado por la soprano Franca Somigli, la mezzosoprano Ebe Stignani, el barítono Armando Borgioli y el bajo Giacomo Vaghi. Dirigió Tullio Serafin (y no Arturo Toscanini, como se dice en algunas biografías).

[Taddei (Falstaff): L'Onore! Ladri!.., Primer Acto, Escena I, Falstaff, Verdi]

En el teatro romano permaneció durante seis años, hasta 1942, interpretando una gran cantidad de personajes de los así llamados “secundarios” como Cherniakowsky (Boris Godunov), Wallace y Sonora (La fanciulla del West), Valerio (Lucrezia, de Ottorino Respighi), Schaunard (La bohème), Johann (Werther), Silvano (Un ballo in maschera), la voce di Nissen (Il Dibuk, de Lodovico Rocca), Morales (Carmen), Antonio (Miranda, de Pietro Canonica), Biterolf (Tannhäuser), Lucio Polo (La Nave, de Italo Montemezzi), Il cantore (La figlia del Re, de Adriano Lualdi), L’assessore del Podestà (Fra Gherardo, de Ildlebrando Pizzetti), Un popolano di Cappadocia (Salomè), Crebillon (La Rondine), Roberto (I Vespri Siciliani), Taltibio (Euba, de Gian Francesco Malipiero).

En 1941, sin cumplir aún los 25 años, le dieron la oportunidad de sus primeros roles importantes, Germont en La traviata; y Paolo Albiani, en Simon Boccanegra. En enero de 1942 fue Ashton en Lucia di Lammermoor (con Toti Dal Monte y Beniamino Gigli); Chelkalov, en Boris Godunov; Amachio, en Cecilia; y Haly, en L’italiana in Algeri.

Además de cantar en Roma, en julio de 1937 se presentó en el Campo Luigi Ferrari de Génova, de nuevo en el rol del heraldo en Lohengrin, con Iris Adami-Corradetti y el tenor Ettore Parmeggiani. En agosto de 1938 cantó para el Carro di Tespi, Germont, en La traviata, en Piacenza, Ravenna y Pesaro. En febrero de 1940 fue llamado al Teatro San Carlo de Nápoles para cantar el rol de Simonson en Resurrezione de Franco Alfano, con Augusta Oltrabella y Antonio Melandri; y Marcello, en La bohème, con Adriana Perris, Giuseppe Traverso y Giulio Neri.

En abril de 1941, junto al elenco de la Ópera de Roma, cantó en la Opernhaus de Berlín, en L’italiana in Algeri, con la célebre Gianna Pederzini y el tenor Nino Ederle; y en mayo del mismo año repitió esta ópera en el Comunale de Florencia (Maggio Musicale Fiorentino), con el mismo reparto.

En noviembre de 1941 Taddei grabó su primera ópera completa para La Voce del Padrone en Milán, Andrea Chénier. Hizo los roles de Pietro Fléville y Fouquier-Tinville, con un reparto estelar encabezado por Maria Caniglia, Beniamino Gigli y Gino Bechi.

El 21 de marzo de 1942 se presentó por primera vez en el Teatro La Fenice de Venecia, en el rol de Grillo de la ópera Stendardo di San Giorgio del compositor Mario Peragallo, junto a Serafina Di Leo, el tenor español Giovanni Voyer, el barítono Piero Biasini y el bajo Luciano Neroni. También cantó, 16 de agosto de 1942, en el Teatro Nuovo de Spoletto, L’amico Fritz de Mascagni, con Rina y Beniamino Gigli.

Poco después fue llamado a prestar servicios en el ejército italiano. Al término de la guerra y después de ser liberado del campo de prisioneros alemán donde había sido internado, comenzó a destacarse internacionalmente. Un concierto en Viena le ganó un contrato para la Opera Estatal de dicha ciudad, donde debutó cantando el 23 de diciembre de 1946 Amonasro en Aida, con Ljuba Welitsch, Elisabeth Höngen y Mirto Picchi.

Su primer contrato en Viena le permitió cantar además, entre 1946 y 1949, Escamillo, Rigoletto y Figaro (tanto en Il barbiere di Siviglia como en Le nozze di Figaro). En 1947 debutó en Londres, en el Cambridge Theatre, como Scarpia en Tosca; y Rigoletto. El 11 de agosto de 1948 debutó en el Festival de Salzburgo como Fígaro en Le nozze di Figaro, con un reparto que incluyó al barítono Walter Höfermayer (Conde) y las sopranos Elisabeth Schwarzkopf, Irmgard Seefried y Sena Jurinac.

Enl 24 de julio de 1947 se reintegró al elenco del Teatro de la Opera de Roma, cantando Amonasro en Aida con Elisabetta Barbato y Mario del Monaco. Permanecerá en el elenco estable hasta la temporada 1960, en  la que cantó Il barbiere di Siviglia, con Anna Moffo, Luigi Alva y Nicola Rossi-Lemeni. Pero regresará, como veremos, muchas veces más como invitado.

[Taddei (Dulcamara): Udite, udite, o rustici... Benefattor... Così è chiaro..., recitativo, aria y cabaletta, L' elisir d' amore (Acto I), Donizetti]

En septiembre de 1948, debutó en la Scala de Milán, como Gérard en Andrea Chénier junto a Renata Tebaldi y Mirto Picchi. En la Scala se le escuchó de 1948 a 1951, y  de 1955 a 1961 en roles tan diversos como Scarpia, Don Pizarro (Fidelio), Ashton, Papageno (La flauta mágica, con Elisabeth Schwarzkopf, Graziela Sciutti, Erika Köth, Nicolai Gedda y Nicola Zaccaria, dirigidos por Von Karajan), Malatesta y los tres villanos en Los cuentos de Hoffmann.

Participó tambien en los estrenos de las óperas modernas Regina Uliva, de Nino Sanzogno, donde cantó el rol del ‘Desconocido’ junto a la argentina Delia Rigal y el tenor Francesco Albanese (17 marzo 1949); el Oso Rey, en Orso Re de Luigi Ferrari Trecati, con Lina Aimaró y Giuseppe Savio (8 febrero 1950); y Il Nazareno de Lorenzo Perosi, con Luigi Infantino (15 junio 1950).

Un total de 18 roles diferentes en Milán. No podemos dejar de citar entre ellos, su Gérard en Andrea Chénier con Maria Callas y Mario del Monaco (3 febrero 1955), que hoy a 55 años sigue maravillándonos (es fácil de obtener en formato CD). Mucho se ha especulado sobre por qué no volvió a ser contratado en el teatro milanés, cuando aún mantuvo una carrera internacional muy activa durante por lo menos veinte años más. Se supone que algo tuvo que ver con su carácter bromista y con su afición a la buena mesa (en especial, la pasta), lo que a los 40 años lo había convertido en un hombre, no muy alto, y con una panza apta sólo para el buen Sir John Falstaff. La Scala parece haber preferido barítonos con un mejor physique du role como Tito Gobbi, Giangiacomo Guelfi o Ettore Bastianini.

En noviembre de 1948, de nuevo a Roma, pero ahora en el Teatro Adriano, en una Tosca con Elisabetta Barbato y Mario Filippeschi. El 18 de febrero de 1949 estuvo en el Teatro Grande Brescia cantando Andrea Chénier con la Tebaldi y el tenor español Antonio Vela.

Regresó al San Carlo de Nápoles, también en febrero de 1949, para Rigoletto, con Graciela Rivera y Luigi Infantino. En el teatro napolitano cantó también en las temporadas 1950/51, 1966/67, 1972/73, 1974/75 y 1979.

No podemos dejar de mencionar su participación en un Elisir d’amore de referencia, con Rina Gigli, Beniamino Gigli e Italo Tajo (17 enero 1953), una òpera poco habitual en su repertorio; Kovancina, con Boris Christoff, Raffaele Ariè, Eugenia Zareska, Francesco Albanese (21 febrero 1953); una controvertida Tosca con Leyla Gencer y Vittorio De Santis (21 enero 1955); un nuevo rol cómico en Il Maestro di Cappella de Cimarosa (1956); un Papageno para recordar en Il flauto magico, con Boris Christoff, Juan Oncina, Sera Jurinac, Alda Noni (23 febrero 1956); un histórico Mosé de Rossini, el 3 de mayo de 1956, junto a Nicola Rossi-Lemeni, Caterina Mancini, Lucia Danieli, Bruna Rizzoli, Mario Filippeschi y Agostino Lazzari; Wladimiero Kirlatos en Monte Ivnor de Federico Rocca, con Leyla Gencer, Miriam Pirazzini y Renato Gavarini (8 diciembre 1956); y Belisario con Leyla Gencer y Ottavio Garaventa (25 enero 1973).

El 17 de noviembre de 1949 personificó a Rigoletto en el Teatro Comunale de Bologna, con Graciela Rivera, Gianni Poggi y Giuseppe Modesti. El 19 de julio de 1950 cantó en el Castello San Giusto de Trieste, su Iago frente al Otello del chileno Ramón Vinay y la soprano Mercedes Fortunati.

En octubre de 1950 fue Telramundo en Lohengrin en el Teatro Carlo Felice de Génova; y en noviembre, el protagonista en Falstaff en el Comunale de Bologna, con Rosanna Carteri, Elena Nicolai, Petre Munteanu y Giuseppe Manacchini.

En junio/julio de 1951 se presentó en el Teatro de las Bellas Artes de Ciudad de México, en una de sus más exitosas temporadas. Cantó las siguientes óperas: Otello, con Clara Petrella y Mario del Monaco (junio 20, 23); Adriana Lecouvreur,  con Clara Petrella, Oralia Domínguez, Mario del Monaco (junio 27, 30); Aida, con Maria Callas, Oralia Domínguez, Mario del Monaco (julio 3, 7, 10); L’elisir d’amore, con Graciela Rivera, Cesare Valletti (julio 12, 14); La traviata, con Maria Callas y Cesare Valletti (julio 19, 21); Werther,  con Oralia Domínguez y Cesare Valletti (julio 24, 28).

En septiembre de 1951 conquistó una nueva plaza, Lisboa. Se presentó en el Teatro Sao Carlos debutando en Lohengrin, con Rosanna Carteri, Ebe Stignani, Gino Penno y Giulio Neri (22 abril). Volvió en 1956 para cantar Rodrigo en Don Carlos, con Anita Cerquetti, Giulietta Simionato, Carlo Bergonzi y Boris Christoff (23 marzo);  y Gellner en La Wally, con Maria Caniglia y Mario Ortica.

También se le escuchó como Michele en Il Tabarro,  con Magda Olivero y Angelo Lo Forese. El 5 de abril de 1968 fue nuevamente Scarpia en Tosca,  con Gianna Galli y Aldo Bottion. Se repitió la función en el Coliseu dos Recreios, con el mismo reparto. Sus últimas presentaciones en la tierra lusitana fueron el 1 de abril de 1971, en Il Tabarro, con Luisa Maragliano y Giuseppe Giacomini, ópera que también se repitió en el Coliseu dos Recreios el 7 de abril.

En abril de 1952 en el Carlo Felice de Génova encarnó a Simon Boccanegra, junto a Caterina Mancini, Mirto Picchi, Rolando Panerai y Mario Petri. El 12 de abril de 1952 Taddei cantó en el Teatro della Fiera en Milán el rol de Gellner en La Wally, de Catalani, con Adriana Guerrini y Ken Neate.

En junio de 1952 cantó en Suiza, en el Stadtheater de Zurich, Falstaff, con Magda Olivero, Rosanna Carteri, Cloe Elmo, Renato Capecchi y Alvino Misciano. El 13 de diciembre de 1952, en el Teatro Verdi de Trieste fue Michonet en Adriana Lecouvreur, con la eximia protagonista Magda Olivero, Elena Nicolai y Giuseppe Campora.

El 25 de marzo de 1953 en el Teatro Massimo de Catania fue Barnaba en La Gioconda, con Maria Caniglia, Gianni Poggi, Fedora Barbieri y Raffaele Ariè. El 21 de abril de 1953 cantó en el Teatro Massimo Bellini de Palermo el rol de Ashton en Lucia di Lammermoor, con María Callas y el tenor Roberto Turrini.

En 1953 cantó por primera vez en Sudamérica, en el Teatro Colón de Buenos Aires, debutando en Tosca, junto a Renata Tebaldi y Carlo Bergonzi. También cantó Gianni Schicchi, con Helena Arizmendi y Renato Sassola. En el Colón actuó en ocho temporadas, en un período de trece años y en doce óperas diferentes.

En 1954 fue nuevamente Scarpia, pero con Delia Rigal y Giuseppe Campora; y Falstaff, con Renato Cesari, Alvino Misciano y Helena Arizmendi. En 1958 cantó Sharpless en Madama Butterfly, con Antonieta Stella y Flaviano Labò; Iago en Otello, con Ramón Vinay y Antonieta Stella/Cesy Broggini; Escamillo en Carmen, con Jean Madeira, Cesy Broggini y Pier Miranda Ferraro; y el Gran Sacerdote en Sansón y Dalila,  con Ramón Vinay y Blanche Thebom.

En 1961 personificó a Don Carlos de Vargas en La forza del destino, con Floriana Cavalli, Oralia Domínguez y Richard Tucker y fue el protagonista en Simon Boccanegra, con la Cavalli, Flaviano Labó y Plinio Clabassi. En 1965, otro rol protagónico, el de Macbeth, con Amy Shuard, Bruno Prevedi y William Wilderman.

Su última temporada en el Teatro Colón fue la de 1965, año en que cantó Varlaam en Boris Godunov, junto a Nicola Rossi-Lemeni, Carlo Cossutta y William Wilderman; y Scarpia en Tosca,  con Régine Crespin y Giuseppe Di Stefano/Carlo Cossutta.

Enzo Valenti Ferro (1912-2009), en su libro Las voces del Colón (Buenos Aires, 1983) así define su voz:

“Era de considerable volumen y extensión, imponiéndose por la pastosidad de su textura y la belleza de su color. Hermosa voz, baritonal, cálida, excelente técnica, canto noble y, además, singulares condiciones de comediante. Actor sobrio, medido, era mucho más de lo que suele mostrar en el escenario un cantante de ópera”.

El 12 de noviembre de 1953 debutó en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, con Tosca, junto a Renata Tebaldi y Gianni Poggi. Regresó al año siguiente, el 4 de noviembre de 1954, en La forza del destino, con Renata Tebaldi, Jolanda Gardino, Gino Penno y Giulio Neri. Su tercera visita, en 1955, con Otello (6 noviembre), junto a Cesy Broggini y Mario del Monaco;  y Tonio en Pagliacci, con Clara Petrella, el tenor (ex barítono) argentino Carlos Guichandut y el barítono Manuel Ausensi (Silvio) (19 noviembre). Su última visita al teatro catalán fue el 17 de diciembre de 1959 y cantó su ya famoso Guillermo Tell, con Lina Richarte, Mario Filippeschi e Ivo Vinco.

En mayo de 1954 conquistó otro escenario, el de Monte Carlo, donde cantó Tosca, con Renata Tebaldi y Giacinto Prandelli.

1954 es el año de su llegada a Brasil, en el Teatro Municipal de Río de Janeiro, donde debutó como Simon Boccanegra, teniendo como co-intérpretes a Antonieta Stella, Gino Penno y Giulio Neri. Cantó también durante esa primera temporada, Tosca, con Renata Tebaldi y Giuseppe Di Stefano; y Otello, con Tebaldi y Del Monaco. A Río de Janeiro volverá en 1955 (Falstaff, Bohème, Andrea Chénier, Madama Butterfly, Ernani y Tosca); y en 1956, La traviata, Il barbiere di Siviglia (con Simionato y Tagliavini) y La bohème (como se acostumbraba, estas óperas se repetían con los mismos repartos en el Teatro Municipal de Säo Paulo).

El 29 de noviembre de 1954, Taddei participó junto a Renata Tebaldi y Giuseppe Di Stefano en un concierto conmemorativo al 30 aniversario del fallecimiento de Giacomo Puccini. El concierto tuvo lugar en el Auditorio de Roma de la RAI y fue transmitido por radio. Actualmente se puede obtener en formato CD.

El 6 de enero de 1955 en el Comunale de Florencia participó en L’elisir d’amore, cantando Dulcamara, con Virginia Zeani, la mezzosoprano chilena Laura Didier-Gambardella, Gianni Poggi y Tito Gobbi (Belcore).

En 1955 cantó en la Arena de Verona, Iago en Otello, con Cesy Broggini y Mario del Monaco; y una inolvidable Tosca en el Massimo Bellini de Catania, con Adriana Guerrini y Franco Corelli.

El 14 de enero de 1956 en el Teatro Regio de Parma cantó Tosca, con la soprano estadounidense Anna De Cavalieri (Anne McKnight) y el tenor Umberto Borsó.

El 26 de marzo de 1956 cantó en el Teatro Augustus de Génova, nuevamente Otello, con Vinay y Cesy Broggini. El 2 de julio del mismo año, repitió su Iago en la Arena Flagrea de Nápoles, nuevamente con Vinay y la soprano Carla Martinis.

En octubre de 1956 visitó Japón, cantando el 3 de octubre en Tokyo, el rol de Fígaro en La nozze di Figaro, con Orietta Moscucci, Alda Noni, Giulietlta Simionato, Antonio Boyer y Antonio Cassinelli. La ópera se presentó también en Osaka.

Enero de 1957 lo tuvo en el Massimo de Palermo cantando el rol de Monforte en I Vespri Siciliani, con Antonieta Stella y Mario Filippeschi; y en abril, en la Ópera de Roma en Guglielmo Tell, con Orietta Moscucci, Mario Filippeschi y Giulio Neri.

El 21 de marzo de 1957, en el Municipale de Reggio Emilia, personificó a Falstaff,  con Margaret Mas, Gianna Pederzini, Alfredo Kraus y Giulio Neri. En junio de 1957 viajó a América, al Teatro de la Universidad de Puerto Rico, para cantar Otello, con Vinay y Eleanor Steber.

De regreso en Italia, el 6 de julio de 1957 cantaba en las Termas de Caracalla, en Roma, La traviata, con Magda Olivero y los tenores Mario Filippeschi y Francesco Albanese alternándose como Alfredo.

El 11 de octubre de 1957 también debutó en los Estados Unidos, en el War Memorial Opera House de San Francisco, cantando el rol protagonista en Macbeth, con Leoni Rysaneck, el tenor Jon Crain y el bajo Lorenzo Alvary. Después, el 15 de octubre de 1957, cantó Tosca, con Dorothy Kirsten y Jan Peerce. De San Francisco pasó a Los Angeles para cantar dos funciones de Lucia di Lammermoor.

El 16 de diciembre de 1957 participó en uno de los célebres conciertos ‘Martini & Rossi’, en Milán, junto a la mezzosoprano española Teresa Berganza. El 22 de diciembre de 1957 cantó en el Teatro Comunale de Bologna Guglielmo Tell, con Gabriella Tucci, Mario Filippeschi e Ivo Vinco.

En enero de 1958, en el Municipale de Piacenza fue Don Carlos en el Ernani verdiano, con la chilena Claudia Parada y el tenor Pier Miranda Ferraro.

En 1958 volvió por segunda vez al War Memorial de San Francisco para cantar Gianni Schicchi (10 octubre 1958);  y cantó en Dallas, en el State Fair Music Hall, La traviata, con Maria Callas y Nicola Filacuridi (31 octubre 1958); y L’italiana in Algeri, con Teresa Berganza, el tenor griego Nicola Filacuridi y el bajo Paolo Montarsolo (4 noviembre 958). A Dallas volvió en 1960 para cantar Sulpice en La fille du regiment; y Leporello en Don Giovanni, con Eberhard Wächter, Joan Sutherland, Eugenia Ratti, Elisabeth Schwarzkopf y Luigi Alva (20 noviembre).

El 10 de mayo de 1959 participó nuevamente en el Festival del Maggio Fiorentino, cantando en el Teatro della Pergola de Florencia, el rol de Rolando en La Battaglia di Legnano, de Verdi, con Leyla Gencer y Gastone Limarilli. Ese mismo año, otro rol nuevo, el de Filippo Maria Visconti en Beatrice di Tenda, que cantó en Palermo.

El 18 de octubre de 1959 se presentó nuevamente en Londres, ahora en el Royal Festival Hall, en una versión concierto de Don Giovanni (hizo, por supuesto, Leporello), con Eberhad Wächter, Joan Sutherland, Elisabeth Schwarzkopf, Graziella Sciutti y Luigi Alva.

El 18 de noviembre de 1959 se presentó en la Lyric Opera de Chicago como Barnaba en La Gioconda, junto a Eileen Farrell y Richard Tucker. En enero de 1960, en el Teatro Massimo de Palermo, fue Macbeth, con la soprano Leyla Gencer y el tenor Mirto Picchi.

El 22 de marzo de 1960, siempre en el Massimo de Palermo, cantó Falstaff, con Marcella Pobbe, Fedora Barbieri, el barítono argentino Renato Cesari y el tenor Nicola Monti.

El 17 de junio de 1960 debutó en el Covent Garden de Londres como Iago en Otello, con el tenor Dimiter Uzonov y la soprano Luisa Maragliano. Entre 1960 y 1967 se le escuchó en el Covent Garden (en los roles de Macbeth, Rigoletto e Iago). También 1960 fue el año de su debut en París.

En marzo de 1961, otra vez al Carlo Felice de Génova, ahora como Riccardo en I Puritani,  junto a Joan Sutherland, Nicola Filacuridi y Giuseppe Modesti.

El 28 de abril de 1962 fue Valentin en Fausto en el Teatro Nuovo de Turín, con Ilva Ligabue, Flaviano Labò y Nicola Rossi-Lemeni; y el 9 de agosto del mismo año fue Germont en La traviata, en las Termas de Caracalla de Roma, con Virginia Zeani y Renato Cioni.

Después de veintiún años de ausencia, el 16 de enero de 1963 regresó al Teatro La Fenice de Venecia, en el rol de Hans Sachs de I maestri cantori di Norimberga, de Wagner, con Anna Maria Balboni, Mirto Picchi y Renato Capecchi. A este escenario regresó con frecuencia: en 1964, Simon Boccanegra; en 1965, La favorita y La forza del destino; en 1969, Gianni Schicchi, Il tabarro (Michele) y Belisario, con Leyla Gencer y Umberto Grilli; y por última vez, en 1971, Don Giovanni (Leporello).

El 18 de marzo de 1963 Taddei cantó en Nueva York (aunque no en el Metropolitan). Fue en el Avery Fisher Hall (por entonces, llamado Philharmonic Hall), una versión concierto del Guglielmo Tell de Rossini, con el tenor Carl Olsen (Arnold) y la soprano Mary Judd (Mathilde). Es probable (no tengo las fechas) que también haya cantado en la Brooklyn Academy of Music de New York el rol de Monforte en una versión concierto de I Vespri Siciliani, con el tenor Eddy Ruhl (Arrigo) y la soprano Irene Jordan (Elena).

El 2 de mayo de 1963, en el Massimo de Palermo, otro importante rol: el Holandés Errante en Il Vascello Fantasma, con Consuelo Rubio, Mirto Picchi y Plinio Clabassi.

En agosto de 1963, otra vez en el Maggio Musicale Fiorentino, cantó La battaglia di Legnano, con Leyla Gencer y Gastone Limarilli.

El 10 de febrero de 1966 en el Teatro Verdi de Trieste, repitió su Hans Sachs en Los maestros cantores, con Mirto Picchi y Renato Capecchi.

En 1967 fue Belcore en un celebrado L’elisir d’amore, en Florencia, junto a Renata Scotto, Carlo Bergonzi y la dirección de Gianandrea Gavazzeni.

En septiembre de 1967 comenzó su relación con las temporadas de ópera en Bilbao y en Oviedo. Debutó en el Coliseo Albia bilbaíno con Otello,  junto a la soprano Linda Vajna y Mario del Monaco (5 septiembre). Siguió como Marcello en La bohéme, con Lydia Marimpietri y Jaume Aragall (14 septiembre). En el Teatro Campoamor de Oviedo, las funciones tuvieron lugar el 18 de septiembre, Otello;  y el 26 de septiembre, La bohème.

Al año siguiente, 1968, cantó primero en Bilbao Ernani, con Leyla Gencer, Gianfranco Cecchele y Ruggero Raimondi (3 septiembre); Simon Boccanegra, con la Gencer, Cecchele y Raimondi (9 septiembre); y  Tosca, con Montserrat Caballé y Bernabé Martí (11 septiembre). En el Campoamor de Oviedo las funciones fueron: Simon Boccanegra (17 septiembre) y Tosca (19 septiembre). Ernani lo cantó el barítono Dino Dondi. La última temporada fue en 1969, en Bilbao, Bohème, con Mirella Freni y Jaume Aragall (3 septiembre);  y Zurga en I pescatori di perle, con Adriana Maliponte, Alfredo Kraus y Giovanni Foaini (7 septiembre). Las funciones en Oviedo fueron Bohème (17 septiembre) y Pescatori di perle (26 septiembre).

He aquí algunos de los comentarios sobre estas actuaciones:

Otello: “Otro gran triunfador fue el barítono Giuseppe Taddei, que nos ofreció un Yago excepcional. Este gran artista estudia minuciosamente la psicología de todos los personajes que interpreta, y este estudio y el gran talento que posee producen como resultado, junto con su bella y pastosa voz, una asociación en la que no se sabe qué admirar más, si la expresividad de su fraseo claro e intencionado, o las inflexiones vocales, siempre ajustadas a la partitura y a las emociones que trata de transmitir, o el acierto en el gesto, ademán y movimiento escénico” (Semitono, 19 septiembre 1967).

La bohème: “Giuseppe Taddei, que tiene un alma de artista que no le cabe en el cuerpo, actuó toda la noche como consumado maestro que es, maestro en lo escénico, maestro en el fraseo y maestro en el cantar” (Semitono, 27 septiembre 1967).

Simon Boccanegra: “Taddei pertenece a esa excelsa categoría de estrellas del arte lírico, de las que, por desgracia, van quedando pocas, que estudia con detenimiento la partitura, la psicología, el movimiento escénico, en suma el personaje en su totalidad. El gran maestro italiano dio ayer muchas lecciones que quisiéramos no se perdiesen en el olvido” (Semitono, 18 septiembre 1968).

El 16 de octubre de 1967 cantó en la Deutschoper de Berlín, Falstaff, con Ilva Ligabue, Fedora Barbieri, Renato Capecchi y Pietro Bottazzo. Volvió, en 1967, a los Estados Unidos para cantar en Filadelfia, Tosca, con Jean Fenn y Richard Tucker. En 1968 cantó Falstaff, Rigoletto (con Roberta Peters y Gaetano Bardini) y Tosca (con Jean Fenn y Carlo Bergonzi).

El 1 de enero de 1968, en el Teatro Comunale de Ferrara, fue Jack Rance en La fanciulla del West, con Gigliola Frazzoni y Gastone Limarilli.

En abril de 1968 Taddei cantó Tosca en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, con Antonieta Stella y Pedro Lavirgen (abril 25, 27). En 1969 cantó Simon Boccanegra, con Linda Vajna, Franco Tagliavini y Ruggero Raimondi (mayo 29, 31) y La fanciulla del West, con Orianna Santunione y Gianfranco Cecchele (junio 5, 7).

Simone: “Muy bien servido por la calidad escénica y vocal de Taddei”.

Fanciulla: “Hicieron una Minnie y un Sheriff de antología, que el público aplaudió muchísimo, sobre todo tras la escena de la partida de cartas al concluir el segundo acto”.

En 1970 los títulos fueron La bohème, con Mirella Freni y Luciano Pavarotti (mayo 21, 23) y Falstaff, con Maria Chiara, Vicente Sardinero, Adriana Lazzarini y Luigi Alva (junio 9, 11). Regresó a Madrid en 1973 con su ya famoso Gianni Schicchi, con Esther Casas y Eduardo Giménez (mayo 23, 25).

“… sobre todo Giuseppe Taddei, el verdadero triunfador de la noche”.

Su última temporada en el madrileño Teatro de la Zarzuela fue en 1975: Tosca, con Teresa Kubiak y Plácido Domingo (junio 12, 14).

“Giuseppe Taddei cantó una vez más ese Scarpia que supera el centenar de representaciones que convierte a dicho malvado en ‘el Scarpia’ y no en un Scarpia más”.

En marzo de 1970, en el Sociale de Como, fue una vez más Scarpia, con Marcella Reale y Giuseppe Giacomini.

En diciembre de 1970 y enero de 1971 fue Falstaff en el Teatro Regio de Parma, con Margherita Rinaldi, Fedora Barbieri, Ottavio Garaventa y Giorio Zancanaro.

El 11 de marzo de 1971 en el Teatro Margherita de Génova cantó Falstaff, con Margherita Rinaldi, el barítono Licinio Montefusco, Fedora Barbieri y Luigi Alva.

Los días 19 y 21 de junio de 1971 pisó un nuevo escenario, el Teatro Nacional en Sofia (Bulgaria), cantando allí Falstaff, con el mismo reparto de Génova.

De nuevo en New York, el 15 de abril de 1973, pero en el Carnegie Hall, en una versión concierto de Caterina Cornaro, de Donizetti, con Leyla Gencer y Giuseppe Campora. Taddei cantó el rol de Lusignano.

El 23 de enero de 1974 de vuelta a su amada Viena, cantando el rol de Miller en Luisa Miller, junto a Lilian Sukis, Christa Ludwig, Franco Bonisolli y Bonaldo Giaiotti.

El 2 de marzo de 1974 se presentó en el Teatro Massimo Bellini de Catania como Michonet en Adriana Lecouvrer, con Virginia Zeani, Franca Mattiucci y Giorgio Merighi.

El 23 de abril de 1974, en el escenario de su debut, la Opera de Roma, cantó Falstaff, con la Rinaldi, la Barbieri y el tenor Ugo Benelli.

También en 1974 cantó por primera vez en Caracas (Venezuela).

En 1975 cantó en el Festival de Bregenz (Austria) el protagonista de Don Pasquale, con Daniela Mazzucato, Vittorio Terranova, Alberto Rinaldi y la dirección de Carlo Franci.

En 1976 regresó a Bregenz en un nuevo rol, totalmente apto para sus talento de bufo, Le conveniente e le inconveniente teatrali, de Donizetti (el rol fue el de Mamma Agata).

El 23 de noviembre de 1976 Falstaff, ahora en el Teatro Regio de Torino, con Ilva Ligabue, Margherita Rinaldi, Fedora Barbieri y Pietro Bottazzo.

Terminó el año 1976 cantando el 8 de diciembre en el Teatro Capitol de Toulouse, Falstaff, con la Barbieri, el barítono español Vicente Sardinero y el tenor peruano Ernesto Palacio.

El 9 de septiembre de 1977 visitó nuevamente San Francisco para cantar el rol de Michonet en Adriana Lecouvreur, con Renata Scotto, Elena Obraztsova y Jaume Aragall, dirigido por Gavazzeni; y el 3 de octubre de 1979, para cantar Gianni Schicchi, con Fedora Barbieri y Federico Davià.

El 12 de noviembre de 1977 en el Teatro Comunale de Catanzaro cantó Tosca, con Virginia Zeani y Salvatore Puma.

El 24 de julio de 1980 cantó en el Festival de Bregenz, Falstaff, con Margherita Rinaldi, Fedora Barbieri, Rolando Panerai, Paolo Montarsolo y Alberto Cupido.

En 1981 regresó a San Francisco para cantar su Leporello en Don Giovanni, protagonizado por Cesare Siepi y una joven Carol Vaness.

En 1982 cantó en el Festival de Salzburgo un histórico Falstaff, dirigido por Herbert Von Karajan, teniendo a Rolando Panerai como Ford, Christa Ludwig como Mrs. Quickly y el tenor mexicano Francisco Araiza como Fenton.

El 14 de abril de 1985, después de una larga ausencia, volvió a la Ópera de Roma, para cantar Don Pasquale. A su lado cantaron el barítono William Stone, el tenor Manfredo Fink y la soprano Daniela Dessì; dirigió Massimo de Bernart.

Taddei tuvo un tardío debut en el Metropolitan Opera, a los 69 años de edad, con un triunfal Falstaff, el 25 de septiembre de 1985, con el barítono Brent Evans (Ford), Adriana Maliponte (Alice), Fiorenza Cossotto (Mrs. Quickly) y Dalmacio González (Fenton). Hubo once representaciones de este título.

Al Metropolitan regresó por segunda y última vez el 17 de febrero de 1988, en el rol de Dulcamara en L’elisir d’amore, con Dawn Upshaw (Adina), Vinson Cole (Nemorino) y Alberto Rinaldi (Belcore). Repitió diez veces esta ópera (algunas biografías mencionan, equivocadamente, el año de su debut en el Metropolitan como 1951).

El 25 de noviembre de 1986, otra vez en la Opera de Roma y nuevamente en Don Pasquale, con la soprano Mariella Devia, el barítono Angelo Romero y el tenor Luigi Petroni. Dirigió el griego Spiros Argiris. Visitó una vez más Alemania, en la temporada 1988/89, y se presentó en Tosca.

La relación de Taddei con la Opera de Viena, más que una relación musical o artística, fue una relación de amor. Amaba ese teatro y ese público, y los vieneses respondieron igualmente a su afecto, incondicionalmente, desde su temprano debut allí en 1946. En 1980, Il Tabarro; en 1981, La Cenerentola y Le nozze di Figaro; en 1982, Otello (con Plácido Domingo), en 1984, La traviata y L’elisir d’amore (con Pavarotti); en 1986, Tosca y Falstaff; en 1989, Tosca (con Ghena Dimitrova); en 1991, Simon Boccanegra ( ¡a los 75 años!).

Las últimas actuaciones de Taddei en Viena fueron en 2003, a los 87 años de edad, cantando el rol de Benoit en La bohème,  junto al tenor Marcello Giordani. En 1995 Taddei cantó su Gianni Schicchi en la ciudad de Chiavari, dirigido por el maestro Skandenberg.

En 2006, en Viena, se publicó la biografía del barítono, en alemán, y bajo el título de: Ich, Falstaff Erinnerungen (’Yo, Falstaff, recuerdos’).

Giuseppe Taddei fue un frecuente invitado a los estudios de la RAI (o EIAR, como se la llamó hasta el final de la segunda guerra mundial). He aquí un detalle de sus principales transmisiones:

1937 (2 septiembre) Lohengrin (Un Araldo): Pia Tassinari, Ebe Stignani, Aurelio Marcato, Giovanni Inghilleri

1942 (24 septiembre) Simon Boccanegra (Paolo): Carlo Galeffi

1947 (19 junio) Il Conte Ory (Roberto): Lina Pagliughi

1949 (19 junio) La Battaglia di Legnano (Rolando): Caterina Mancini, Africo Baldelli

1949 (2 octubre) Falstaff (Falstaff): Rosanna Carteri, Lina Pagliughi, Saturno Meletti

1953 (7 octubre) Eugenio Onegin (Onegin): Rosanna Carteri, Cesare Valletti, Raffaele Ariè

1955 (30 noviembre) Fidelio (Pizarro): Dorothy Dow, Boris Christoff, Amedeo Berdini, Franco Calabrese

1956 (27 junio) Mosé (Faraone): Nicola Rossi-Lemeni, Anita Cerquetti, Rosanna Carteri, Gianni Jaia, Agostino Lazzari

1960 (3 noviembre) Pescatori di perle (Zurga): Pina Malgarini, Alfredo Kraus

1962 (8 febrero) I Maestri Cantori (Hans Sachs): Bruna Rizzoli, Luigi Infantino, Renato Capecchi

1964 (23 diciembre) Il Sasso Pagano (ópera de Giulio Viozzi) (Don Matteo)

1965 (10 enero) Principe Igor (Igor): Boris Christoff, Luigi Infantino

1950-LPC 1207 Falstaff: Rosanna Carteri, Lina Pagliughi, Anna Maria Canali, Saturno Meletti, Emilio Renzi: Mario Rossi

1950- LPC 1211 Il barbiere di Siviglia: Giulietta Simionato, Luigi Infantino, Antonio Cassinelli, Carlo Badioli: Fernando Previtali

1950- LPC 50028 Gianni Schicchi: Grete Rapisardi, Agnese Dubbini, Giuseppe Savio: Alfredo Simonetto

1951- LPC 1210 Ernani: Caterina Mancini, Gino Penno, Giacomo Vaghi: Fernando Previtali

1952- LPC 1232 Guglielmo Tell: Rosanna Carteri, Graziella Sciutti, Mario Filippeschi, Fernando Corena, Giorgio Tozzi: Mario Rossi

1952- LPC 1237 La bohème: Rosanna Carteri, Ferruccio Tagliavini, Cesare Siepi: Gabriele Santini

1953- LPC 1247 Rigoletto: Lina Pagliughi, Ferruccio Tagliavini, Giulio Neri: Angelo Questa

1953- LPC 1248 Madama Butterfly: Clara Petrella, Ferruccio Tagliavini, Mafalda Masini: Angelo Questa

1953- LPC 1253 Don Giovanni: Mary Curtis-Verna, Carla Gavazzi, Elda Ribetti, Italo Tajo, Cesare Valletti: Max Rudolf

1954- LPC 1252 Otello: Cesy Broggini, Carlo Guichandut: Franco Capuana

Arias de Ópera (c. marzo 1955)

Falstaff: L’onore! Ladri!

Don Giovanni: Serenata-Deh! Vieni alla finestra

Guglielmo Tell: Resta immobile

La fanciulla del West: Minnie, della mia casa son partito

L’Africana: Adamastor, re delle acque profonde

Andrea Chénier: Nemico della patria

Erodiade: Visión fugitiva

Otello: Credo di Iago

Orq. RAI, Arturo Basile, Fernando Previtali, Angelo Questa, directores

Concierto conmemorativo al 30 aniversario del fallecimiento de Giacomo Puccini. (Auditorio de Roma, de la RAI, 29 noviembre 1954)

Gianni Schicchi: Ah, che zucconi

La bohème: Ah, Mimi tu piú (con Giuseppe Di Stefano)

Il Tabarro: Nulla, silenzio

La fanciulla del West: Minnie, della mia casa son partito

Orq. Sinfónica de Roma, Alberto Paoletti, director

“Incontri memorabile” (Concerto Martini & Rossi, 16 diciembre 1957)

Tannhäuser: Forier di morte…O tu bell’astro incantator

Il principe Igor: Ohimè ancor mi sento

Ernani: Gran Dio!…..O de verd’anni miei

L’Africana: Adamastor, re dell’acque profonde

Orquesta RAI Milano. Frieder Weissmann, director

Mosé (1957): Nicola Rossi-Lemeni, Mario Filippeschi, Agostino Lazzari, Caterina Mancini, Lucia Danieli, Bruna Rizzoli, Plinio Clabassi: Tullio Serafin

Tosca (1957): Antonieta Stella, Gianni Poggi: Tullio Serafin

Linda di Chamounix (1959): Antonieta Stella, Fedora Barbieri, Cesare Valletti, Giuseppe Modesti : Tullio Serafin

Arias de Ópera

I puritani: Ah, per sempre io ti perdei

La favorita: Vien, Leonora, a’piedi tuoi

Un ballo in maschera: Eri tu che macchiavi

Don Carlos: O Carlo escolta… Io morrò, ma lieto in core

I Vespri Siciliani: In braccio alle dovizie

Andrea Chénier: Son sessant’anni

Adriana Lecouvreur: Ecco il monologo

L’Arlesiana: Come due tizzi acesi

Con orquessta del Teatro San Carlo de Nápoles, Ugo Rapalo, director

Canciones

Santa Lucia luntana (E.A. Mario)

Dicitencello vuie (Falvo-Fusco)

Voce’e notte (De Curtis-Landini-Nicolardi)

Senza nisciuno (De Curtis- Barbieri)

Marechiare (Tosti- Di Giacomo)

Napule canta (Tagliaferri-Bovio)

Passione (Valente-Tagliaferri-Bovio)

I te vurria vasà! (Di Capua-Ruso)

Pecché (Pennino)

Silenzio cantatore (Lama-Bovio)

Con orquesta dir. Gian Stellari

L’elisir d’amore (1959): Rosanna Carteri, Luigi Alva, Rolando Panerai: Tullio Serafin

Le nozze di Figaro (1959): Elisabeth Schwarzkopf, Anna Moffo, Fiorenza Cossotto, Eberhard Wächter: Carlo Maria Giulini

Don Giovanni (1959): Elisabeth Schwarzkopf, Joan Sutherland, Eberhard Wächter, Luigi Alva, Piero Cappuccilli: Carlo Maria Giulini

Cosi fan tutte (1962): Elisabeth Schwarzkopf, Christa Ludwig, Walter Berry, Alfredo Kraus: Carl Böhm

Tosca (1963): Leontyne Price, Giuseppe Di Stefano: Herbert von Karajan

Macbeth (1964): Birgit Nilsson, Bruno Prevedi, Giovanni Foiani: Thomas Schippers

Pagliacci (1965): Joan Carlyle, Carlo Bergonzi, Rolando Panerai, Ugo Benelli: Herbert von Karajan

Falstaff (1980): Raina Kabaivanska, Janet Perry, Christa Ludwig, Rolando Panerai, Francisco Araiza: Herbert von Karajan

29 de mayo

28 de mayo

[My lips' fiery kiss; atención al 3:47;-)]

Anna Netrebko: “Cuanto canto un aria, soy más cantante, pero cuando tengo a mi lado a un compañero atractivo, actúo como mujer. La ópera es un arte sensual, y siempre trato de dotar a mis heroínas de un espíritu erótico-amoroso”.

“¿Cuánto tiempo puede cantarse Don Juan? Estaría bien ir haciendo otra cosa ya. Siempre le empujo [se refiere a su pareja, el barítono uruguayo Erwin Schrott] a que haga algo nuevo, pero, lamentablemente, es un poco vago”.

27 de mayo

[Presentación de la obra por el director artístico, Emilio Sagi]

“La soprano da vida a Thérèse, “una mujer, harta de la cocina que decide que quiere ser abogado, soldado, político, dedicarse a lo que se dedican los hombres. Su decisión pasa de su cerebro a su cuerpo y sus pechos vuelan. Pasa de ser Thérèse a ser Tirésias.

Y su marido (Gabriel Bermúdez), que personifica los valores más extremos de la masculinidad, se convierte en una señora de la cual se enamora un gendarme y que tendrá, porque alguien tiene que hacerlo, hijos. Nada menos que 40.049”.

26 de mayo

“Jo, Dalí, la ópera compuesta por Xavier Benguerel (Barcelona, 1931) por encargo del Ministerio de Cultura para conmemorar en 2004 el centenario del nacimiento de Salvador Dalí, se estrenará finalmente en junio de 2011 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y abrirá en septiembre de ese mismo año la temporada lírica 2011-2012 del Liceo de Barcelona”.

25 de mayo

19 de mayo

—Oiga, que esto es España. ¿Ya capta la idiosincrasia local?
—Me parece más amable Madrid que París. Esto no es el Festival de Salzburgo: estuve trece años allí, y hubo que discutir mucho con la vieja guardia de la ópera y sus privilegios. Después pasé a dirigir la Ópera Nacional de París, y fue muy difícil relacionarme con la crítica y con algunos sectores del público.

[Flórez y Machaidze: Vieni fra queste braccia. Comunale di Bologna, 2009]

18 de mayo

“Cuando comienza la ópera, Nerón y Popea se aman en la noche. Cuando la ópera acaba, se aman en presencia de Roma y del mundo”. Así resume Jean Starobinski la última ópera de Monteverdi. “¿Es Popea antes que nada una enamorada o una ambiciosa?”.

17 de mayo

Danielle de Niese y Philippe Jaroussky, en L’Incoronazione di Poppea. Teatro Real (vídeo promocional). 

16 de mayo

15 de mayo

—¿Por qué las actuales figuras de la ópera no alcanzan el nivel de reconocimiento que tuvo su generación? ¿Les falta calidad?

—Me temo que hoy se prefiere que los cantantes sean desechables, que al cabo de cinco años las figuras que llegaron a la cima con tanto trabajo, con tanto esfuerzo, resulten obsoletas. No se les cuida, se prefiere introducir continuamente novedades y vender lo nuevo. Es la forma en que funciona la sociedad: como ocurre con los teléfonos móviles, nada dura.

13 de mayo

[Ensayo general, 12 de mayo de 2010]

“Del 13 al 15 de mayo en la Universidad Carlos III de Madrid dentro del proyecto pedagógico del Teatro Real. Es una propuesta que revisita el mito de Carmen con coreografía de Tony Fabre y bailarines de la CND2″.

12 de mayo

Especial Alfredo Kraus III (en la casa de Werther): no se lo pierdan

10 de mayo

Con Martina Serafin (la Mariscala), Sophie Koch (Octavian), Peter Rose (Barón Ochs)  y Ofèlia Sala (Sophie).

9 de mayo

[Villazón: Ombra mai fu, Dopo notte, atra e funesta (fragmentos), Händel. Salle Pleyel, 6 de mayo de 2010]

«Hugh Canning, crítico del Sunday Times, habla de un “penoso retorno” a los escenarios en referencia a su actuación esta semana en el Festival Hall londinense. (…)

El crítico señala que la operación a que se sometió el tenor para que le extirparan un nódulo en las cuerdas vocales no ha eliminado los problemas que ya tenía, como es su pequeño registro, y se pregunta si, a menos que reeduque su voz, podrá enfrentarse el próximo año en la Royal Opera House londinense a un rol tan exigente como es Werther, de Massenet.

(…) Aunque los críticos tienen su parte de culpa —todos saludamos a una nueva estrella tras escucharle en aquel glorioso Hoffmann (en su debut londinense en 2004)—, está claro que Villazón ha estado mal aconsejado sobre su repertorio”».

[Historia del Teatro Real]

[Sobre el Gran Teatro del Liceu]

8 de mayo

[Dame Te Kanawa: Tarakihi, canción maorí]

E, pakia kia rite
E, ko te rite kia rite
E, takahia kia ngawari
E, torona kei waho
Hoki mai.

[Stefania Bonfadelli: Spargi d’amaro pianto. 2003]

Mañana domingo 9 de mayo, “el metro de Barcelona se convertirá en un escenario para la ópera, y el Gran Teatro del Liceo organizará una jornada de puertas abiertas durante todo el día, con motivo de la celebración del Día Europeo de la Ópera”.

7 de mayo

Mañana, sábado 8 de mayo, “en la Plaza de Oriente a las 12 y a las 21 h., jóvenes promesas de la lírica interpretarán conocidos fragmentos de óperas de tema español con una participación ‘especial’ del público”.

“Al hilo de un divertido guión, en el que la presencia y la participación del público será fundamental, se escucharán arias de las óperas Carmen, de Bizet; El barbero de Sevilla, de Rossini; Don Giovanni y Las bodas de Fígaro, de Mozart; La favorita y La hija del regimiento, de Donizetti; y Don César de Bazán, de Massenet”.

[Angelica Kirchschlager: Voi che sapete. 2005]

Kirchschlager: “La voz es el instrumento más fascinante, porque sale del cuerpo. La voz humana es como la voz de Dios. Los grandes compositores quisieron que en su gran obra —Beethoven y su ‘Novena’ o Mahler y su ‘Décima’— hubiera voces”.

“Cuando dices cantante la gente piensa en la voz y la garganta, pero para cantar utilizas todo el tronco. De los 250 músculos que tenemos, usamos 200 para cantar”.

“En esta producción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona [2003] se recuperan los siete conjuntos escenográficos que el artista Josep Mestres Cabanes realizó en el año 1945 para esta gran ópera del compositor italiano”.

6 de mayo

[Jordi: Mexico. Télé France 2, 2008]

—¿Por qué Sevilla, en un extremo subdesarrollado de la Europa del XIX, se convierte en centro de tantas óperas?

—Hay que tener en cuenta que en el siglo XIX Sevilla poseía ya una imagen internacional acuñada durante el Siglo de Oro. El hecho de convertirse durante dos siglos en el puerto único de navegación con la América española atrajo a la ciudad a una importante colonia extranjera y creó en Europa una imagen de ciudad cosmopolita, de legendarias riquezas y donde todo era posible. La literatura romántica no hace sino darle forma artística a ese imaginario sevillano.

—¿Qué personajes sevillanos han dado lugar a más óperas?

—Sin lugar a dudas Don Juan Tenorio, sobre quien hemos contabilizado 49 óperas diferentes. Es curioso, porque la primera ópera sevillana (1671) trata sobre Don Juan y se llama El impío castigado y la última de todas se estrenó en Lisboa en 2006 y se titula El disoluto absuelto. Se da la circunstancia de que esta última ópera se basa en un libreto de José Saramago. Después del Tenorio el personaje sevillano más veces llevado a la ópera es Fígaro, con 38 composiciones.

[Roberto Murolo: Era de maggio]

Era de maggio e te cadéano ‘nzino,
a schiocche a schiocche, li ccerase rosse…
Fresca era ll’aria… e tutto lu ciardino
addurava de rose a ciento passe…

[Una furtiva lágrima]

El pasado 21 de mayo falleció en Madrid, a consecuencia de un infarto, el tenor y maestro de canto  Suso Mariátegui, a los 69 años de edad.

“Había nacido en Gran Canaria, como Kraus, su maestro y amigo. Allí estudió Derecho y Música. En Viena perfeccionó el canto y la interpretación. Tuvo de consejero y maestro durante varios años a Anton Dermota, una leyenda del canto. En 1971 debutó en una ópera representada. Fue en Salzburgo, en el personaje de Tamino, de La flauta mágica, de Mozart.

A lo largo de muchos años alternó Donizetti con Schumann. Y sentó cátedra en dos papeles aparentemente menores: El Inocente de Boris Godunov, de Musorgski, y el cantante italiano de El caballero de la rosa, de Strauss”.

[Clases magistrales. Curso de Verano de la Universidad Complutense en el Escorial.

“Estudiar, aprender, transmitir y enseñarle a la gente que no solamente es la voz; eso es lo de menos. Sino que, como decía Mascagni, ‘para cantar, también se necesita la voz’. También. O sea, que hay una cosa como es la inteligencia, hay una cosa como son los idiomas, hay una cosa que es la presión; después, técnicamente hay que mirar la respiración…: muchísinas cosas”]

“Se había apoderado de Suso un concepto didáctico de la existencia. En los recitales, en las clases, en sus libros. En La jungla de la ópera conseguía ir más allá aún que en sus 106 reflexiones sobre la voz y el canto. En realidad, los dos libros son un compendio de su experiencia profesional, alrededor de temas como la relación entre maestro y alumno, la respiración, las diferencias entre voz hablada y cantada, el arte de comunicar, la afinación, la técnica, los médicos y enfermedades vocales, la humildad del buen cantante, el minuto antes de salir a escena o la visión histórica de una manera de hacer la ópera que mucho me temo que no volverá a repetirse en el futuro.

Vivía con el pianista Edelmiro Arnaltes. Hacían música juntos, compartían el paso de los días. A Suso le gustaba cocinar. A la alemana, preferentemente, con las salchichas acompañadas de una deliciosa kartoffelsalat. Y los dulces, una tentación inevitable. Suso era generoso, divertido, lúcido, dialogador, buena persona”.

“Quienes conocieran a aquel espabilado estudiante de Derecho de los años traviesos de la Universidad de La Laguna o su entusiasmo de los años oscuros en los que repartía luz, saben que aquel joven Suso fue hasta el final, también en los entramados de la ópera y su vanidades (veáse su libro formidable La jungla de la ópera) el mismo joven Suso. Luchó por ello en gimnasios y se cuidó la salud, engañó al tiempo jugando con la edad, pero con los 70 años a la vuelta de la esquina, murió, el 21 de mayo, muy joven. Y no solo por su apariencia juvenil, sino porque su alegría de vivir le impidió envejecer”.

(Gracias, Antonio)

S’apre per te il mio cor

[Besanzoni: S’ apre per te il mio cor… (Mon coeur s' ouvre a ta voix). 1920]

“La Besanzoni, romana, era una contralto con agudos fáciles como los de una soprano.

Extraordinario personaje también en la vida, era de tipo clásico en ciertas óperas y extremadamente agresiva en otras. Veinte años después, si por acaso abría la radio para escuchar alguna muestra de la resplandeciente juventud vocal de la Stignani o de la Pederzini, resonaban sonrisas irónicas. Nada al confrontarlas con la Besanzoni.

¿Cómo podía ignorar que cuando la Besanzoni entraba en el escenario, en la Carmen, atravesaba el escenario corriendo vertiginosamente, como un velocista, y que en el duetto final, antes de dejarse matar, luchaba de verdad con José y salía a veces maltratada y arañada?”. [Rodolfo Celleti, en Memorie d'un ascoltare]

Quien más sabía sobre  la mezzosoprano, contralto, Gabriella Besanzoni era  Roberto Di Nóbile Terré, investigador de ópera nacido en Rosario (Argentina) que vivió en España durante muchos años. Di Nóbile la trató de cerca: fue su maestra de canto en Roma entre mayo de 1958 y junio de 1960. Durante aquellos dos años, Roberto, que se aburría en las clases porque eran demasiados alumnos y había que esperar turno para recibir atención personalizada (a menudo, insuficiente), aliviaba la espera armado de bolígrafo y papel, anotando cuanto transcurría en las clases y cuanto contaba doña Gabriella.

Di Nóbile tomó notas, muchas notas. Cuando regresa a su casa, las pasa a limpio y les da forma. Con ellas fue elaborando un relato en forma de diario: el origen de la biografía de la Besanzoni (Gabriela Besanzoni), publicada en 1996. Doña Gabriella se percató enseguida de sus intenciones, cómo no, y entre divertida y halagada, colaboraba revelando detalles, sumando anécdotas.

Con estas palabras lo cuenta Di Nóbile en su libro:

—Hace algún tiempo que te veo tomar notas. ¿Puedo preguntar para qué lo haces? —me interrogó con un dejo de picardía—, y  yo que estoy casi seguro de que se lo imaginaba, le contestó muy serio y sin titubear:

—Estoy tomando notas para escribir su biografía.

(…) a renglón seguido suelta su ya acostumbrada, amplia y brillante carcajada, para agregar a continuación:

—Pues si es así, te voy a contar…

Y me relató en pocos minutos varias anécdotas, chistes, en fin, recuerdos de vivencias pasadas.

María Ros, Gabriella Besanzoni y Giacomo Lauri-Volpi.

Los detalles que sobre su vida personal o sobre su carrera artística va revelando a su alumno doña Gabriela surgen a menudo espontáneamente, entre lección y lección. En una de esas ocasiones, le habló la Besanzoni a Di Nóbile sobre su infancia y sus maestros de canto.

—Nací en Roma, en la Madonna del riposo, el día… bueno, pasemos por alto ese pequeño detalle, no creo que la fecha le interese a nadie, y luego nos trasladamos al centro en Via del Tritone.

Mi madre se llamaba Angiolina Spadoni, casada en primeras nupcias con Colasanti, de quienes nacieron Arduino, Arnaldo y Manfredo. (…)

Mi padre, Francesco, era alto, flaco y de tipo bastante españolesco. Anticuario de profesión, de posición económica bastante buena, aunque posteriormente se vino abajo, por algunos negocios de malos resultados.

Estudié de pequeña en un colegio de monjas y ya desde aquella época me gustaba cantar, tanto que los vecinos me invitaban a sus casas para ello. Los estudios de canto los empecé por insinuación de Natalia, sobrina de mi madre, a quien le decía ésta: “Como yo pienso vivir poco, tendrás que encargarte tú de hacerla estudiar canto…”.  Adriana y Ernesto fueron mis únicos dos hermanos.

Los siguientes estudios los hice también con las monjas en el Instituto Religioso Magistral, y en la capilla solía cantar a veces.

Más tarde la familia se mudó cerca de los jardines Vaticanos. Posteriormente frecuenté como externa el Colegio Maria Bambina, siempre en Roma. Tendría unos 15 años cuando empecé a estudiar canto seriamente. Mi padre conocía a un maestro, barítono ya retirado, casado y con hijos, y allí me llevó. El primer día y mientras subía las escaleras del Palacio Francesco Crispi, sentí una gran emoción. Canté como prueba ‘O sole mio’ y ‘Mari, Mari’.

Al mismo tiempo que estudiaba canto, simultaneaba lecciones de piano con la mujer del Maestro. Pero ocurre que después de un tiempo, el Maestro empieza a leerme poesías y todas coincidían en temas sobre el amor. La cosa empezó a molestarme un poco, porque se repetía todos los días, y llegó al colmo de insinuármelo verbalmente. Se lo cuento a mis padres y deciden retirarme mandándome a la casa de mi hermano en Pesaro. Mi cuñada era una buena mujer, pero por su aspecto y su carácter se parecía más a un Brigadiere di Carabinieri. Para hacerme pasar el mal rato de Roma, insistía siempre en que le cantara canciones populares, que a mí de paso, me gustaban mucho.

También aquí tuve algunas complicaciones amorosas, ya que un joven de muy buena posición quería formalizar relaciones conmigo, y claro está que ni yo no tenía intenciones, y mucho menos mis padres, quienes después de un tiempo me llevaron de vuelta a Roma.

Su padre consigue entonces que le escuche cantar el maestro Alessandro Maggi: “Hago una prueba para él, pero tuvimos que desistir, cuando nos pide 60 liras por lección de 1 hora”. No se lo pueden permitir, y Gabriella ingresa en el Conservatorio, donde recibe clases de la profesora Tangiorgi Curtica. “Me hacía estudiar de soprano ligero, y vocalizar hasta el Fa sobreagudo. Como resultado y al cabo de varios meses había perdido totalmente la voz”.  Recurren entonces al maestro Maggi,  quien “en poco tiempo volvió a dejarme la voz en su sitio”, concluye la Besanzoni.

Stride la vampa! (1920)

[Besanzoni: È' l'amor uno strano augello (L’amour est un oiseau rebelle). 1931]

“Para el público de su tiempo, Besanzoni era el sinónimo de Carmen, ya que poseía todas las cualidades indispensables para un perfecto desempeño del papel; el físico, la voz y ese magnetismo especial que la hacía llegar a la audiencia. Casada con un millonario, le gustaba presentarse en el último acto de la ópera de Bizet con alhajas de gran valor, seguramente inadecuadas para el carácter de la gitana, pero que ciertamente contribuían a dar una imagen reluciente, que, sumada a la espectacularidad del canto, producía un efecto sin igual”. [Patrón Marchand]

“Los españoles la enaltecieron; los argentinos y brasileños se la disputaron; los italianos no la comprendieron bien, o no la siguieron lo bastante para comprenderla. Pero es la última voz de mezzo-soprano, contralto, que haya tenido Italia. Las sucesivas, en comparación, parecían jilgueros, mirlos o canarios encerrados en una jaula de metal más o menos preciosa. Les faltaba el espacio, el aroma, el frémito de la libre selva densa de misterio, y de promesas: inagotable y atrayente. (…)

O mio Fernando (1921)

La Favorita, después de la Besanzoni, no ha tenido una Leonora de Guzmán que justifique la tragedia de una mujer, la contienda entre un rey de Castilla —que por ella y con ella vive en adulterio— y un héroe que deja el claustro y se lanza a la conquista de la virtud y la fama que lo hagan digno de poseer su corazón (…)

Habanera (1920)

Pero una ópera exaltó singularmente aquella voz y la convirtió en ídolo del mundo ibérico: Carmen. La volubilidad salvaje, voluptuosa y feroz de la gitana ‘de ojos de lobo’ que se contonea, que inspira furtivos madrigales y lanza miradas asesinas, se reflejaba en la mímica, en la voz, en las palabras y en sus expresiones con tal ‘vis’ expresiva y trágica, que producía la ilusión de haber sido amasada con tierra andaluza, cargada de secretos influjos, de resonancias de voces lejanas”. [Lauri-Volpi]

“Gabriella Besanzoni fue la mezzo-contralto de mayor carisma en el mundo lírico durante el período que abarca desde su debut en el año 1911, hasta más o menos 1935, aunque luego se haya retirado en Roma, Termas de Caracalla, en 1939”, precisa Roberto Di Nóbile, en un artículo publicado en la Red. Resume en él su autor, a grandes rasgos, cómo era el carácter y la personalidad de Gabriella Besanzoni. No voy a repetir lo que él cuenta mejor que nadie: pasen y vean. Y, de paso, éste también.

Conocí personalmente a Roberto Di Nóbile hace unos años, en junio de 2003. Por entonces, además de la biografía de la Besanzoni, ya había publicado La lírica en Rosario (Argentina); dos volúmenes: 1854-1884 y 1855-1910. Terminó un libro más, Cantantes Líricos de Rosario (Argentina), aún pendiente de ser publicado. Sobre la soprano Emilia Piave recuerdo que hablamos en alguna ocasión: él no sospechaba que fuese rosarina.

Roberto era, y duele hablar en pasado, un perfeccionista nato. Vital, entusiasta,  solidario, generoso… Cuando le escuchabas hablar de sus proyectos, te preguntabas de dónde sacaba esa energía física y mental para investigar, para escribir, rigurosamente, cada día. En los últimos tiempos ya no era tan fácil que te respondiera a un mail.  Sólo si se trataba de algo importante. Quizás porque intuía que ya no le quedaba mucho tiempo y  que había que aprovecharlo al máximo en lo realmente importante. Falleció hace poco más de un año, en marzo de 2009.

Para mí que lo recibieron allá arriba, donde quiera que esté, un coro de cantantes líricos rosarinos… Todos aquellos que él rescató en su última obra para que sus nombres y sus actuaciones no quedaran para siempre en el olvido.

¿Y la Besanzoni? Tras el testimonio de Roberto, uno llega a la conclusión de que, como maestra de canto, pudo hacerlo mejor. Como cantante, sin duda que fue una de las grandes mezzo, contralto, de la historia de la lírica. Esto también se deduce de la biografía de la Besanzoni; hasta donde sabemos, la única que existe ahora mismo. Seguro que también doña Gabriella estuvo ahí, aquel 13 de marzo de 2009.

Gracias, Roberto, por tanto.

(Gracias, Paco Roa, José Carmelo, Mefisto)

[Flórez: Pour mon âme..., Liceo de Barcelona, 11 de marzo de 2010]

—¿Cuánto le debe su voz a su adolescencia rockera?
—Más que mi voz soy yo el que le debe mucho a esa riqueza, a ese “background”. Uno es lo que ha vivido y la suma de las experiencias que lleva dentro. Mi voz es fruto de mis aventuras, de mi forma de cantar, de mi modo de expresar. Aquella banda de rock de cuando era joven me dio mucho. Cantaba versiones de los Beatles y de Led Zeppelin. Y lo hacía a garganta pelada. No sabía nada de música clásica. Desde los quince años daba conciertos para mis amigos del colegio y actuaba en el pub que regentaba mi madre en Lima cuando les fallaba el cantante. Podía estar toda la noche actuando entre humos, sin parar. Imagínate.

—Y de ahí a la cima del canto…
—Bueno, no fue tan sencillo. Eso sí, tuve suerte de no joderme la voz… Lo que tengo claro es que ésta, antes que en la garganta, está en el cerebro. Nosotros hacemos que suene en verdad una nota porque la hemos “escuchado” en nuestra mente. Eso es mágico. Una nota es una posición exacta del sonido. Y hay que ajustarla a la voz de cada uno, a sus posibilidades. La voz se maneja con las sensaciones. Y en ópera esa cuestión es llevada al límite porque la ambición es la excelencia.

En un momento, Juan Diego Flórez proyecta un sonido como recién traído del hipotálamo. Es una solfa que queda colgando por ahí, sin desaparecer del todo. Un sonido manejado con un criterio inexpresable, como un pájaro. Flórez nació en Lima en 1973. Su padre era intérprete de música criolla. La adolescencia le confeccionó estas aristas sin divismo que ahora gasta. Está lejos de la afectación confitada que ejercitan otros. No es un pedante con modales de alhelí. Empezó varias carreras en el Perú de Fujimori, donde todo era excedente de miserias. Las abandonó con un rigor escrupuloso. La música le rondaba furiosamente. Habla acortando distancias, en una cercanía de risa con mucho diente.

—Empecé Publicidad y dejé Publicidad. Pensé en apuntarme a Antropología. Después a Filosofía… Y nada. Era consciente de que ser músico (y más clásico) en Perú era arriesgarse a morir de hambre. No aprobé después el examen de ingreso en Humanidades por un punto. Eso habría determinado toda mi vida. Y lo entendí como una señal… En verdad tenía pocas alternativas si no me hubiera ido bien en esta profesión. Entre en el conservatorio de Lima para aprender a escribir música, a hacer arreglos, a prepararme como cantante pop… Pero descubrí la música clásica y me fascinó. Comencé en 1990 y dejé el conservatorio de mi ciudad en el 93. Lamentablemente me vi obligado a dejar mi país para mejorar mi formación. Entonces me marché a Filadelfia… Y tampoco me gradué… Lo mío ha sido siempre no terminar lo que inicio.

Juan Diego Flórez carraspea con ciertos intervalos, como corrigiendo con sobriedad de tos las confidencias. A los 23 años debutó en el Rossini Opera Festival de Pesaro (Italia). Era 1996. Se estrenó como tenor principal en un rol endiablado, el de Corradino en la ‘Matilde de Shabran’. Y ese fue el principio de la gloria, una descarga de ovaciones lo predispuso a hacer surco con los peraltes de la nuez en la historia del ‘bel canto’, ‘reinventando’ a Donizetti, Rossini, Gluck, Paisiello…

—En ese mismo año, el 96, debuté en La Scala a las órdenes de Riccardo Muti. Imagino que aceptar algo así sólo se hace cuando uno es muy joven, muy ignorante y muy osado. No era consciente de lo que estaba sucediendo. Fue más tarde cuando empecé a darme cuenta de lo que aquello significaba. Era un inconsciente. Sabía, por ejemplo, qué era La Scala, pero no la tenía interiorizada. Ahora con más conocimiento, me crecen las inseguridades.

—¿Mira hacia atrás?
—Soy más de echar la vista hacia delante. Sólo ahora empiezo a disfrutar del momento. Lo principal es estar en el presente. Pero en esta profesión se tiende a estar pensando en mañana. Más si uno es consciente de la presión (y la suerte) que supone tener comprometida la agenda profesional hasta el 2014.

—¿Da tiempo a darse cuenta de la realidad del mundo?
—Sin duda. A mí me preocupa mucho la salud del planeta. Me emociono con la naturaleza… Y respecto a lo social: me gusta ver que mi país va mejorando en todos los aspectos. Hablo de Perú porque es la realidad que mejor conozco. Ahora la clase media es más numerosa y la pobreza va disminuyendo, aunque aún queda mucho por hacer en este sentido. Me enoja la desigualdad. Y cuando era niño se notaba mucho más cómo la clase dominante, los “blancos” que decimos allí, detentaban todo el poder. Aún quedan ciertas actitudes anacrónicas en esa gente… Pero el poder está más mezclado. Por fin somos todos peruanos. Sobre todo aquellos que antes no eran considerados así, los desclasados.

—Los vulnerables…
—Así es. Y para ayudar desde mi posición he creado una fundación para favorecer orquestas y coros infantiles y juveniles, un modelo muy parecido al que desarrolla el maestro Abreu en Venezuela. Ya tenemos las primeras orquestas. Y es muy estimulante. Va dirigido a los sectores que gozan de menos opciones. Va a ser algo importante.

Regresa el carraspeo y alguna nota cantada que Juan Diego Flórez engarza a las palabras a modo de ejemplo de algo. Lleva varias semanas en el Liceo de Barcelona interpretando ‘La hija del regimiento’, donde se aloja una de las arias más diabólicas del repertorio, con nueve do de pecho. Hasta ahora le han pedido cuatro bises. Y los ha cumplido.

Flórez, con su arquitectura de cantante de boleros, ha detonado tradiciones y tabúes en un mundo de cuello duro como el de la ópera. En La Scala ofreció el primer bis en 75 años. Ha sido hábil a la hora de elegir su repertorio. Y arrastra una candela revolucionaria que hizo saltar la lucecita de alerta en las antenas de Kraus y Plácido Domingo.

—Soy mi peor fan. No me gusto mucho. Pero sé cómo quiero cantar. Y es cierto que algunas cosas de mi repertorio suenan diferentes en mí. Un poco por méritos propios y otro poco porque soy hijo de lo que vino antes. El canto es una combinación entre lo espectacular y la clase: la elegancia, lo profundo. Intento hermanar las dos caras. Eso es el ‘bel canto’.

27 de marzo de 2010

30 de marzo

Especial Alfredo Kraus (II)

Ópera en la radio. Con Tomás Ataz y Gerardo Andrés

Nueva gira de Bartoli en España: “San Sebastián (el 8 de abril, en el Kursaal), Bilbao (el 10, Teatro Arriaga), Oviedo (el 12, Auditorio Príncipe Felipe), Santiago de Compostela (el 14, Auditorio de Galicia), Valladolid (el 17, Centro Cultural Miguel Delibes), Pamplona (el 19, Baluarte) y Vitoria (el 20, Teatro Principal)”.

29 de marzo

Villazón, Ópera de Viena, 22 de marzo de 2010

Calixto Bieito convence en Stuttgart con su versión de Parsifal

“La innovadora contundente propuesta de Bieito provocó no pocos comentarios ingeniosos entre el público durante el primer entreacto. Entre ellos el de si Wolfgang Wagner, nieto del compositor que ayer hizo una semana que falleció, haría una propuesta similar si ahora volviera dirigir escénicamente el testamento musical de su abuelo”.

28 de marzo

27 de marzo

Rolando Villazón regresa a la Ópera de Berlín

«La noticia del esperado regreso de Villazón a los escenarios alemanes viene enmarcada por su reciente presentación en la Ópera de Viena, con El elíxir de amor, de Donizetti, donde la prensa reportó un verdadero “estado de excepción” ante la desbordante respuesta del público vienés”».

26 de marzo

Gallardo-Domâs triunfa en Valencia

“Una ovación interminable premió anoche el debut de la soprano chilena Cristina Gallardo-Domâs como Salud en La vida breve (Manuel de Falla), en el Palau de les Arts de Valencia, bajo la dirección de Lorin Maazel, en una puesta de Giancarlo del Monaco”.

Simon Rattle: “No quiero vivir de las rentas del pasado”

—¿Sobrevivirá el festival a los titulares de prensa?

—De los perjuicios económicos no respondemos nosotros. Con o sin titulares, Salzburgo pertenece a otra dimensión. Allí te rodeas de historia y te expones a uno de los públicos más sofisticados del mundo. Lo importante para nosotros es El ocaso de los dioses, que la Orquesta lleva 40 años sin abordar.

—Se ha dicho que es usted el José Antonio Abreu europeo.

—Exageran. José Antonio es un Nelson Mandela, un revolucionario, un catalizador de ideas. Ha salvado vidas con un Sistema que cuenta por miles los jóvenes que pueden vivir de la música. Chavales, de apenas 17 años, que te hacen estremecer con la Primera de Mahler.

A apretarse el cinturón… Mortier, dixit:

«”Vamos a intentar subir los ingresos. Gregorio Marañón y yo vamos a hablar con patrocinadores. Además se van a subir un poco los precios. Otra de las medidas es el intercambio de producciones con otros teatros sin ningún coste. El primer año el recorte es del 10%, el segundo del 20% y tengo miedo por el tercero, el 30%.

Este es un tema que tenemos que hablar con los cantantes”. La propuesta de Mortier será “congelar” sus cachés, además de “buscar nuevas voces”».

25 de marzo

Viaje al corazón de los celos, en El Palau de les Arts

«La mujer destrozada por amor de La vida breve toma su venganza en Cavalleria rusticana, donde es, precisamente, un hombre el que sufre mal de amores.

“Es como una ópera en dos actos”, describió Del Monaco, que, no obstante, llamó la atención sobre las divergencias de las dos obras. “Tienen un color diferente porque el alma española es más oscura que la italiana“».

24 de marzo

Plácido Domingo se mantiene en buena recuperación

“Cuenta con viajar a Madrid el próximo julio para cantar en el Teatro Real Simon Boccanegra”.

“Domingo se alternaría con Carlos Álvarez en la interpretación del papel de Simon Boccanegra. De hecho, será Álvarez el que estrene, el 17 de julio, y está previsto que Domingo cante las funciones del segundo reparto, junto a Anghela Gheorghiu, los días 22, 25 y 28 de julio”.

En vídeo:

“Lo que yo quiero dar a los espectadores es una gran emoción”.

“Es muy importante que la gente conozca la música de nuestros días”.

Gérard Mortier: “Mi sueño es conseguir que Plácido Domingo venga a enseñar al Teatro Real cuando decida dejar de cantar”

«Si algo tiene claro Gérard Mortier es que su intención al frente del Real pasa por objetivos concretos, como situar al coliseo madrileño entre los primeros teatros de ópera de Europa (”podemos ser mejores que París”, aseguró); hacer que Madrid sirva de “puente” con América Latina (al Teatro Colón de Buenos Aires viajará la producción del Real de Aida y a Brasil el Don Quijote de Halffter); y apoyar con decisión a los nuevos creadores».

Gérard Mortier: “Dormirse en la ópera no es tan grave. Una cabezadita nunca viene mal”

—Antes de jurar el cargo y empezar a trabajar, ¿qué cree que se pueden ofrecer, el Teatro Real y usted?

—Madrid tiene un teatro estupendo. Pero le falta trabajo en equipo, un mensaje que nos haga creernos ganadores, como en un equipo de fútbol. El símil con el Real Madrid me viene fenomenal.

—Acostumbrado a cruzar rubicones, ¿qué hará en Madrid sin Sena, sin Ruhr, sin Salzch?

—En Madrid me he encontrado con un clima muy parecido al de Bruselas, en mis comienzos. Sólo que ahora tengo 30 años de experiencia a mis espaldas. Se me ha advertido de que el público de Madrid es muy conservador. Y qué me dicen de Katia Kabanova o Jenufa. Aquello fue un tremendo éxito comparado con el recibimiento del último Andrea Chénier.

Fabio Armiliato: “La sangre latina es importante para cantar bien”

—La Fura dels Baus debutó la semana pasada en La Scala de Milán y recibió sonoros abucheos. ¿Es excesivo el protagonismo de los montajes sobre la voz?

—Armiliato: Necesitamos hacer óperas nuevas pero en Italia vas a ver La Traviata y te encuentras a los protagonistas vestidos de astronautas. Es un sinsentido. Abundan los directores de escena que piensan que pueden hacer lo que quieran.

—Dessì: La ópera tiene que convivir con la emotividad del canto y con la belleza del componente teatral. Hay que mantener el equilibrio entre la música, el canto y la escena. (…)

—¿Qué similitudes y diferencias encuentran entre la cultura operística en Italia y en Sevilla?

—Armiliato: En Italia como en España hay mucha tradición operística y una gran historia vocal. La sangre latina es importante para cantar bien.

—Dessì: Estoy de acuerdo. Y añadiría que la afición es mayor en España que en Italia actualmente. Allí llevamos años padeciendo la crisis y aquí se han abierto muchos teatros líricos recientemente. Lo peor es que los apasionados italianos se están desapasionando porque se ha vuelto habitual el que se cambien los elencos durante la temporada y se supriman o cancelen títulos.

—¿A qué mitos de la lírica española admiran más?

23 de marzo

Entrevista con Isabel Rey

—Usted comentaba en un artículo publicado en Ópera Actual el pasado año sobre esta ampliación de su repertorio que el barítono Leo Nucci le recomendaba no dejarse “descorazonar por los prejuicios ajenos”.

—Recuerdo que el primero en darse cuenta del cambio en mi sonido fue Ruggero Raimondi, con quien he hecho infinidad de Norinas. Juan Pons me oyó Amelia en vivo y me felicitó. A José Van Dam, otro gran Simone, también le entusiasmó el cambio.

Hasta ahora no he encontrado comentarios negativos ni en la crítica ni en el público, pero sí cierta reticencia en los teatros. Me siguen viendo como una ligera. Es duro que te encasillen. Que sólo las voces grandes sean las adecuadas para cantar Verdi es ya tradición, creo que equivocada, pero tradición, y en muchos casos hemos dado poder sonoro a las orquestas por encima de los requerimientos del autor.

Villazón se eleva al paraíso en su regreso en Viena a los escenarios

“El público ovacionó al tenor, que respondió arrodillándose ante el respetable al que ofreció su corazón en un gesto de agradecimiento”.

22 de marzo

Una bravissima Edita Gruberova pone en pie al Teatro Real

“Con Lucrecia de Borgia de Donizetti y Beatrice de Tenda de Bellini, heroínas cuya profundidad Gruberova aumenta con su poderosa voz y su primorosa técnica, inició su triunfante primera parte del recital programado dentro del Ciclo Grandes Voces de la presente temporada del coliseo madrileño y que el próximo miércoles 23 de marzo podrá escucharse en Radio Clásica de Radio Nacional.

Y muchos escuchaban ya con la boca y las manos listas para premiar a su diva con una pasión más propia de los conciertos de rock que de los escenarios líricos. Pero fue justo antes del entreacto cuando el público se confesó sobrecogido por su poderosísima interpretación del difícil aria ‘È strano!… Ah, fors’è lui… Sempre libera’ de La Traviata“.

21 de marzo

Patricia Kraus: “Desde el principio aposté por una carrera personal y eso tiene un precio”

“Acaba de publicar su nuevo trabajo en solitario, ‘Vintage Fun Club’, en el que se adentra de lleno en los sonidos del soul y del jazz que escuchó de niña gracias a su padre, el mítico tenor canario Alfredo Kraus. De formación clásica, la intérprete ha experimentado a lo largo de su carrera con distintos ritmos hasta encontrar en la música negra su verdadera vocación, tras su experiencia en el campo de los sonidos alternativos.

Su potente voz y su pasión por la música están reflejados en los temas de este disco, que contiene versiones de grandes intérpretes de jazz y cuatro temas propios. Con su nuevo álbum ha culminado un proceso de búsqueda personal que comenzó con ‘Alma’, su anterior disco”.

—¿Que podrán encontrar sus fans en esta nueva producción?

—Este trabajo sigue la manera de cantar que siempre he tenido, ahora más definida con el tiempo. Sobre todo, pretendo seguir desarrollando mi faceta como vocalista, que es lo que siempre he querido. He incluido versiones de grandes temas de las voces que más me influyeron desde pequeña como Nina Simone, Aretha Franklin Janis Joplin, y otras como las de Billie Holiday o Ray Charles, que marcaron mi infancia.

—¿Qué la llevó a explorar el mundo del soul y del jazz?

—Es una música que siempre me ha gustado. Mi padre tenía una colección de discos de gospel, de música espiritual negra, y yo escuchaba esas canciones maravillada, deseosa de interpretar como aquellas voces que tanto admiraba.

20 de marzo

19 de marzo

[La Scala, 17 de marzo]

La Fura divide La Scala

“La gran triunfadora de la noche en los veredictos del público fue, no obstante, la soprano Anja Harteros como Elisabeth. La división de opiniones alcanzó al tenor Robert Dean Smith como Tannhäuser, a Roman Trekel como Wolfram y a Julia Gertseva como Venus. Y, por supuesto a La Fura, abucheada por un sector del público con la misma o mayor intensidad que era aclamada por otro”.

¿A qué ha venido Mortier?

“Lo primero que le llamó la atención de Madrid fue que su teatro de ópera diera la espalda a la ciudad. Por eso Gérard Mortier (Gante, 1943) le ha cogido gusto al metro, que cada mañana le deja, a eso de las nueve, en plena Plaza de Isabel II, en las antípodas de un Palacio Real cuyas vistas parecen evocar el absolutismo lírico que lleva tres décadas aboliendo”.

“Ya no es la imagen del subversivo Thomas Bernhard la que preside la solemnidad de su nuevo despacho, sino la reproducción de un grabado de Goya. ‘El sueño de la razón provoca monstruos’, se lee al pie. ¿Significa que Mortier ya no es el mismo, que ha perdido fuelle en los avatares de París y viene a Madrid para entregarse a los pecados de una vejez rossiniana? ¿O acaso el enfant terrible aguarda su momento en estado de latencia?

El miércoles lo sabremos. A las doce de la mañana hará oficial la programación de la temporada 2010-2011 y adelantará también las claves de su proyecto para los cinco años que, desde el próximo mes de septiembre, lo atan contractualmente a Madrid. Entre el miedo y la fruición, entre la suspicacia y la entrega desmedida, entre la excelencia y el provincianismo se mueven los melómanos y aficionados madrileños. No saben a qué atenerse. No está claro, dicen, quién es Mortier. Ni a qué ha venido”.

Puccini, palmas por sevillanas

Enigma no resuelto de Turandot

“Maria Guleghina volvía al Maestranza con uno de los últimos personajes incorporados a su repertorio. No me pareció que estuviese en su mejor momento. (…) Armiliato esperó al segundo acto para encontrase en plena forma. A pesar de lo heterodoxo de su técnica, sobre todo en ese giro a base de portamentos, su fraseo es siempre apasionado, con un bello metal en el registro superior, rutilante y encendido, como lo demostró en el exultante Nessun dorma. Un poco como él, a la antigua, canta también Dessì, puro sentimiento en el fraseo, voz que seduce por su forma de proyectarse, aunque los filati de Signore, ascolta sonaron con claras dificultades”.

18 de marzo

La Ópera de Praga se rinde ante David Lomelí

“Cuando uno sale del teatro y uno termina involuntariamente hablando de uno mismo para mí es lo más importante y espectacular que puede pasar, que la gente salga hablando de ella misma y cambie. Si la gente habla de lo bien o lo mal que canta el agudo, no sé, si hablan de la performance, creo que fue un fracaso. Si la gente realmente siente, se ríe, emociona, entonces estamos al otro lado del río. Y para mí esa es mi misión y por eso tengo los maestros que tengo y tengo el manager que tengo, porque son gente que creen en esa visión igual”.

El Metropolitan Opera House se rinde ante la magia de Netrebko

“Un agudo de Anna Netrebko en vivo vale por mil géiseres tibios, una lluvia de flores de jacaranda, el misterio que devela un amanecer. Transcurre el minuto 21 del total de 181 que dura la representación y en cuanto hace su aparición en escena la Netrebko todo cambia: es efectivamente una aparición, blanca y tibia”.

17 de marzo

El Teatro Colón se reabrirá en mayo

«Mientras se inaugura la sala de ensayo del Teatro Colón, el jefe de Gobierno, Mauricio Macri, comunicó vía Twitter que se adelantará la reapertura del edificio para el 24 de mayo, cuando estaba prevista para el 25.

“Queremos evitar cualquier problema o conflicto con los festejos que se van a estar realizando el mismo día en la avenida 9 de julio”, explicó el jefe de Gobierno en la red social.

En estos momentos se está realizando el acto de inauguración de la sala de ensayo, como una forma de mostrar que las obras están avanzando. “Tecnología y acústico de avanzada. Le dan un flexibilidad al teatro muy necesaria. Ahora no se necesita usar el escenario”, comentó Macri en Twitter, en un mensaje transmitido desde la ceremonia.

No obstante, hace unos días la oposición se quejó porque asegura que el teatro no estará en plenas condiciones el día de la reapertura».

Mehta regresa a La Scala de la mano de La Fura

“En realidad lo que trato de mostrar es a Tannhäuser como un personaje universal, quiero hacer a través de él un homenaje a todos los grandes creadores que por diferentes motivos han vivido trágicamente entre el Venusberg y el Wartburg, entre la pasión y la razón espiritual. Es el caso de Marilyn Monroe, de Giordano Bruno, de Pasolini, de Schubert, de Janis Joplin, de Mozart, de John Lennon, de Dalí, de Modigliani y hasta del propio Wagner. La lista es interminable”.

16 de marzo

Exposición sobre Maria Callas, en Los Ángeles

“Más de 50 años después del debut de Maria Callas en Los Ángeles, el espíritu de ‘La Divina’ regresó anoche a esa ciudad gracias a una exhibición ‘de valor extraordinario’ con vestidos y joyas de sus actuaciones y con algunas de sus pertenencias más preciadas”.

“La muestra, que reúne también fotografías, documentos inéditos, libros y cartas, llega a Los Ángeles tras haber recorrido desde 1993 ciudades como Nueva York, Atenas, Roma, Tokio o México”.

Carmen, en la tierra de don José. 19 y 21 de marzo, en el Baluarte

“La Carmen de Merimée (la novela) contiene más referencias a Navarra; la Carmen de Bizet (la ópera) muestra, por su parte, un diálogo entre el soldado José Lizarrabengoa y la gitana andaluza que debe apresar, ya que ha herido a otra cigarrera como ella en la Fábrica de Tabacos de Sevilla”.

—Deber ir a la prisión. Palabra de navarro, ordena don José.

—¿Eres de Navarra? Yo también lo soy, responde ella.

—¿De Navarra, tú?

15 de marzo

Inva Mula: “Trato de medir mis actuaciones pero a todos nos ha tentado la vorágine del trabajo”

—Su debut en Valladolid lo hará con su tarjeta de presentación, el bel canto (Puccini, Rossini, Bellini…). ¿Eligió usted este repertorio o fue su tesitura de voz la que determinó esta dedicación?

—Es el repertorio que estoy cantando en la actualidad. La mayor parte de estas arias las he incluido en el disco de arias editado por Virgin Classics ‘Il bel sogno’ que ha salido a la venta hace poco y es muy representativo de mi repertorio actual un aria belcantista, Puccini (las dos arias de un personaje que adoro Mimì, Pagliacci que he cantado en Orange y cantaré en el Liceu en la próxima temporada) en la primera parte y repertorio francés en la segunda: la temporada pasada he cantado Micaela (Carmen) en Florencia dirigida por Zubin Metha, Faust en Toulouse y en Orange, con Roberto Alagna, Manon en Viena y Thais en Las Palmas en el 2008… todos personajes que amo. (…)

—Suele cantar en el Teatro Real de Madrid. ¿Qué le parece el público operístico español?

—Adoro el público español y me siento muy cómoda en España, creo que tengo muy buena comunicación con el público, pero no sólo canto en el Teatro Real, he cantado en el Liceu de Barcelona, Bilbao, Las Palmas y he realizado conciertos en La Maestranza de Sevilla, Vigo, Valencia, Málaga. (…)

—Ha sido compañera de Rolando Villazón en el escenario, que ha tenido que retirarse unos meses. Como parte de la elite de solistas de ópera, ¿se siente presionada para cantar más de lo conveniente?

—Siento gran afecto por Rolando, hemos comenzado juntos y es un gran ser humano además de gran artista. Creo que canta con una inmensa generosidad y esta carrera exige mucho, tanto a nivel vocal como emocional. Muchas veces surgen problemas y hay que superar momentos difíciles, yo espero que muy pronto él pueda continuar la carrera con el mismo éxito.

Personalmente trato de medir mis actuaciones y de elegir los personajes y las producciones que me interesan, pero todos nos hemos sentido tentados en caer en una vorágine de trabajo, sobre todo porque las agendas se planean con mucha anticipación y es complicado pensar que en el 2012 o 2013 se cantarán personajes que quizá cuando llega el momento, ya no están tan cómodos dentro de nuestra vocalidad…

14 de marzo

María Bayo: “Me gusta evitar los caminos trillados; este trabajo es un constante desafío, una carrera de fondo”

—Ha cantado los roles principales de óperas como Los pescadores de perlas, Las bodas de Fígaro o Los cuentos de Hoffmann. ¿Qué le queda por hacer?

—Muchos roles. Tengo en catálogo mas de 50 roles de ópera y zarzuela, pero tengo mucho todavía por descubrir. En mente tengo algún Verdi muy lírico como Simon Boccanegra, y varios roles de Handel como Alcina y Rodelinda. Llevo más o menos debutando dos roles por año desde que he comenzado.

Jorge de León: “No hay vallas ni puertas para mí; intento abrirlas con esfuerzo”

—¿Qué espera de los dos montajes en el Palau de les Arts? ¿Consolidar su nuevo estatus?

—Sí. Mi objetivo es consolidar la carrera sin afán de descubrir nada, sino de hacer las cosas bien, mantenerme y no defraudar la expectación que se ha creado en torno a mí.

—Cuente cómo fue lo del Real desde dentro.

—No lo viví como algo extraordinario. Surgió una indisposición del compañero, el gran Marcelo [Álvarez], y mi objetivo como cover era salvar el espectáculo. Había un patio de butacas lleno y había que ofrecerles lo que querían. Salí a eso. Todo lo demás vino añadido. Cuando terminó la función me di cuenta de que había pasado algo. No tenía pavor de enfrentarme al público del Real, sino de que la función debía continuar.

—¿No ha generado competencia con Marcelo Álvarez?

—En absoluto. No he tenido oportunidad de hablar con él, pero me ha enviado mensajes de apoyo y admiración. Hemos trabajado muy bien, lo admiro y es una referencia.

Noche memorable: José Carreras en Monterrey (México) El Real traslada El árbol de Diana del barroco al manga japonés“En el reparto, Lyubon Petrova y Ekaterina Lekhina se alternarán en el papel de Diana; mientras que Marina Comparato, que cantará lesionada, y Ketevan Kemoklidze, lo harán en el de Amore. Por suparte, Simon Orfila asumirá todas las funciones de Doristo, al haber cancelado Marco Vinco”.

13 de marzo

12 de marzo

El árbol de Diana de Vicente Martín y Soler llega al Teatro Real

“El elenco lo completarán Pavol Breslik y José Luís Sola (Silvio), Ainhoa Garmedia (Britomarte, genio y ninfa), Marisa Martins (Clizia, genio y ninfa), Jossie Pérez (Cloe, genio y ninfa) y Simón Orfila (Doristo)“.

Carta al director General del Teatro Real

“Quiero ser directo, SOLICITO como profesional de las artes escénicas, SOLICITO desde mi compañía teatral, SOLICITO desde mi empresa ALKIMIA 130 S.COOP. :

La DISPONIBILIDAD PARA ADQUIRIR material escénico que desborda los almacenes del Teatro Real, poder acceder al material y por medio de aportación, ayuda, coproducción o convenio específico, REUTILIZAR – RECICLAR – MAXIMIZAR escenografía, vestuario…etc.

Soy consciente que la propiedad de ese material es pública y pertenece a Patrimonio, por ello, para que en situaciones artísticas-económicas como las de ahora y para que en el futuro no se QUEME, no se TIRE, no se TRITURE patrimonio nacional y podamos ser más inteligentes y creamos entre tod@s, le hago esta solicitud.

Alex Rodríguez Ramírez

Carreras no grabará rancheras

“No, Plácido lo hace mucho mejor que yo. Yo no creo tener el talento… para una canción quizá sí, una situación especial, pero grabar todo un disco de ranchera yo sinceramente no creo que sea el cantante ideal, y me gustaría porque me encanta”.

[Houari Aldana: Bella Nice, che d'amore, Bellini. Al piano, Edelmiro Arnaltes]

Entrevista al tenor cubano Houari Aldana

—Houari Aldana, nombre de batalla. Pero ¿qué nombre es ése?

—Es un nombre argelino, concretamente el de Bumedian. Nací cuando el presidente de Argelia visitaba Cuba y era allí más popular que una estrella del rock. El fervor revolucionario del momento me unió para siempre a un nombre que es un problema, porque son raros los documentos de mi vida que no tuve que repetir dos y más veces por errores denominativos.

—¿Le hace falta una oportunidad como la que acaba de tener Jorge de León en el Real de Madrid, que sustituyó con éxito a Marcelo Álvarez en Andrea Chenier?

—Eso sería estupendo. Estoy en condiciones de cantar de ahora para después un Tamino, un Edgardo, un Nemorino, un Alfredo Germont, un Tonio… y me haría feliz, aunque es un rol muy breve, el tenor italiano de El caballero de la rosa de Strauss, que figura en las temporadas próximas del Real y de Amigos Canarios de la Ópera.

—¿Le asusta enfrentarse a Wagner en el concierto de mañana, junto a dos expertos internacionales como son los conferenciantes Werner y Metina Radach?

—Si me asustase no cantaría. Está bien que te preocupes, y hasta un puntito de nerviosismo, pero con miedo no saldría a escena.

El Festival Musitemático homenajea “de corazón” a Alfredo Kraus

«El tenor leonés Ignacio Encinas y la soprano rusa Maya Dashuk, acompañados al piano por Giulio Zappa, recordarán hoy a Alfredo Kraus en una gala lírica con la que el Festival Musitemático de La Orotava homenajeará al gran tenor canario fallecido en 1999. El concierto tendrá lugar, a partir de las 21:30 horas, en el Auditorio Teobaldo Power de La Orotava, escenario donde Kraus actuó hace ahora veinte años. (…)

El homenaje comenzará con la proyección de un documental elaborado a partir de imágenes inéditas de Alfredo Kraus. “En el vídeo se muestra a un Kraus desconocido, de apenas 30 años edad, interpretando cuatro de sus piezas más representativas, entre las que destacan una de Rigoletto y otra de La hija del regimiento».

11 de marzo

Fernando Álvarez: “Kraus es sinónimo de perfección vocal en todo el mundo”

“No conozco con detalle todo lo sucedido en Madrid —reconoce—, pero sí puedo decir que Marcelo [Álvarez] venía de cantar la misma obra en el teatro de La Bastilla en París, bajo la dirección de Daniel Oren y en la misma producción de Giancarlo del Monaco, cosechando ovaciones diarias. Sí sé lo que ocurrió el día que (Marcelo) decidió abandonar tras los dos primeros actos.

Esa noche, los cantantes llevaban incorporados micrófonos porque la ópera se emitía en directo por la radio. En el Real, la cabina de sonido se encuentra en la sala, muy cerca del paraíso, donde se habían dispuesto unos bafles; de modo que cuando los intérpretes cantaban, sonaba su voz y simultáneamente el eco procedente de la altura; como consecuencia, el público rompió a protestar al creer que el sonido estaba siendo amplificado”.

10 de marzo

Carlos Álvarez: “No voy a cantar Simon Boccanegra en el Teatro Real”

“No, no lo voy a hacer. Y soy consciente de que al coliseo se le va a plantear un problema grave, pero ya lo saben. Tenía que haber cantado muchos simones antes que el de Madrid y los he ido cancelando uno a uno. Primero cayó el de Viena, después el de Oviedo, y tampoco cantaré el de La Scala, que llegará en abril. ¿Por qué cantar, entonces, éste? Me parecía una falta de cortesía el haber dicho no en otros teatros y subir a escena en Madrid. Puede ser una decisión que se entienda o no, pero es la mía”.

[Machaidze: Je veux vivre, Romeo y Julieta, Gounod]

Entrevista a Nino Machaidze

—Anoche cantó por primera vez en el Liceu.

—Mi único sentimiento es de felicidad por debutar en uno de los teatros más bellos y con más tradición operística del mundo y que tiene una excelente acústica.

—Y además lo hizo con Marie de La fille du régiment, un personaje clave en su carrera.

—Así es. Con él me presenté en la Scala hace tres años. Me trae muy buenos recuerdos y además es un papel que me permite mostrar mi faceta de cantante y actriz. Es una obra cómica, pero muy lírica y muy completa. ¡Y además es una de las pocas óperas con final feliz!

—Su carrera va por el bel canto.

—Es un repertorio que se adapta a mi vocalidad. Tengo tiempo para plantearme otros retos. Ahora mismo lo alterno con el francés, como es el caso de Romeo y Julieta de Gounod, ópera con la que debutaré en el Covent Garden de Londres, y hasta he cantado Rigoletto de Verdi, con el que actuaré por primera vez en el Met de Nueva York.

—A su edad, ¿no le han advertido que puede quemarse tan acelerada?

—No, lo importante es la calidad de lo que cantas y no la cantidad. Yo estaré siempre atenta a la evolución de mi voz antes de intentar otro tipo de registro. Mientras, cumplo a rajatabla con mis descansos, sigo estudiando una hora al día e intento mantenerme en forma con la gimnasia.

–Ha cantado con Villazón, Flórez y Bros. ¿Qué ha aprendido de ellos?

—¡Solo cosas buenas! Una ópera no son solo dos notas altas, sino tres horas de música y es muy importante que haya feeling con los colegas, es un trabajo conjunto. Con estos grandes artistas sientes que lo que tú das te lo devuelven con creces.

7 de marzo

Marcelo Álvarez: “No me propongo hacer olvidar a Del Monaco”

—Usted comenzó centrado en el repertorio del belcanto, luego hizo papeles mas ‘de fuerza’ como Trovatore, y ahora este verista Chénier. ¿Cómo se producen los cambios? ¿Cambian las condiciones vocales o cambia su propia visión de cómo encarar un papel?

—Un poco de todo. Yo me pregunto ¿quién puede decir si se canta Andrea Chénier como lo hacían Del Monaco o Corelli? ¿Quién sabe cómo era la voz de Gigli, más grande o más chica que la mía? Aquellas orquestas eran más chicas. El verismo de principios del novecientos era muy distinto al que hoy se oye. Muchas veces eran orquestas de aficionados. Los instrumentos tenían otros resonadores; las cuerdas, los vientos, todo era diferente.

Desde que empecé con el belcanto, diez años como tenor lírico ligero, fui seguido por tres profesionales. Al ver mi evolución, comprobaron que mis cuerdas no eran de tenor ligero. Lo que pasa es que yo empecé a estudiar tarde, a los 30, y mis cuerdas eran chicas. No me propongo hacer olvidar a Del Monaco. Lo que puedo ofrecer son colores diferentes. No quiero decir que lo mío es único, sino que un mismo rol tiene muchas alternativas. Y que, más allá de los detractores, uno tiene que abrir el corazón y cantar de otra manera.

8 de marzo

Celso Albelo: “Cantar el rol que hizo Kraus en La Sonámbula es una prueba de fuego”

—La crítica le suele comparar con Alfredo Kraus. ¿Se siente usted influido por la figura y la técnica del tenor grancanario?

—Desde luego. Soy un tenor lírico ligero y abordo el mismo repertorio. Pero una cosa es que sea un referente y otra que caigamos en la imitación.

—¿Cuáles considera que son los pasajes más delicados?

—Cada vez que abro la boca es delicado. Empiezo con un recitativo con el que enseguida paso a la parte de la boda, donde comienzo a cantar, y luego comienzo con el dúo con ella. Desde la primera hasta la última nota hay que estar concentrado.

4 de marzo

[Warren: Son Pereda, son ricco d'onore, Acto II, La forza del destino, Verdi. 1958]

En memoria de Leonard Warren, que un día como hoy, 4 de marzo, fallecía súbitamente en escena mientras interpretaba esa ópera innombrable para los cantantes, y cantaba este aria, en el Met, junto a Tebaldi, Tucker y Baccaloni. Hoy se cumplen 50 años.

No olviden el Eri tu que nos recomendaba Mefisto.

(Gracias, Yemapel)

Manuel García revive en el Maestranza con una ópera

“El tenor Manuel García (Sevilla, 1775-París, 1832) fue un músico formidable. Fue cantante, compositor, actor, empresario y profesor. Su enérgica personalidad tenía la fuerza de un imán. Entre las obras que creó hay tonadillas, canciones y alrededor de 40 óperas y operetas. El legado de Manuel García pervivió tras su muerte. María Malibrán y Pauline Viardot, sus hijas, añadieron nuevos capítulos a la leyenda forjada por el compositor sevillano. (…)

El estreno de L’isola disabitata supone una buena oportunidad para los cantantes, que comienzan su carrera. “Somos personas jóvenes que tenemos muchas ganas”, afirmó la soprano Marifé Nogales, que encarna a Silvia. El resto del elenco lo componen la mezzosoprano Carmen Romeu (Costanza); el tenor Jesús Álvarez (Gernando), y el barítono César San Martín (Enrico)”.

Sagi: “Deberíamos creer más en la música española y venderla mejor”

“Me he encontrado en algún teatro extranjero a españoles que criticaban la música de Manuel Falla por ser, en su opinión, demasiado folklórica, cuando en realidad es una música muy valorada fuera de España. Parece que como es música española, no es suficientemente buena”.

“La zarzuela, un género que interesa tanto fuera de España como la zarzuela era denostado aquí, tal vez por la utilización que hizo de ella la dictadura, pero se da la circunstancia de que a la vez recibimos con los brazos abiertos a las operetas vienesas y francesas, mucho más lejanas de nuestra cultura”. “Es una pena que no hayamos sabido defender mejor lo nuestro”.

3 de marzo

La directora coreana Eun Sun Kim, un ‘oído absoluto’, debuta en Madrid

«Tras sus estudios en la Escuela Superior de Música y Arte Dramático de Stuttgart, en mayo de 2008 ganó el II Concurso Internacional Jesús López Cobos para jóvenes directores de ópera del Real, premiado con 12.000 euros y un contrato por dos temporadas como asistente de dirección.

“Mi trabajo —detalla— consiste en hacer los ensayos de escena con los cantantes y estar cada día de función en el teatro por si el director de esa ópera se pusiera enfermo o tuviera algún problema”, algo que, dice riéndose, “lamentablemente no ha pasado nunca” aunque siempre esté “deseándolo”.

Eun Sun Kim dice que el trabajo de director “es muy esforzado, requiere mucha energía y buena forma física, porque no paras de moverte” aunque ella utiliza mucho los ojos y el gesto para “conseguir química” con los músicos.

Será con ellos, con la Orquesta Sinfónica de Madrid, con quienes debute como directora principal en el Auditorio, en el Ciclo de Conciertos de la Comunidad de Madrid, con un programa en el que además de la ‘obligada’ ‘Gerok’, de Isabel Urrutia, estarán la ‘Suite del teniente kijé’, de Sergei Prokofiev, y la Sinfonía número 4 de Tchaikovsky».

[Jesús López Cobos y Eun Sun Kim, maestro y alumna, desvelan cómo prepararon El holandés errante]

Plácido Domingo. La noticia es que no se sabe nada sobre la intervención quirúrgica anunciada para finales de la semana pasada, o incluso antes, según otros medios. Ninguna novedad tampoco,  en su página web.

2 de marzo

[Tebaldi: L'altra notte in fondo al mare, Mefistófeles, Boito. 1956]

Un castello per la Regina

“El castillo de Torrechiara, en el norte de Italia, dañado por el terremoto de 2008, fue restaurado y en sus 19 salas expone permanentemente trajes de escena y de gala, sombreros, fotos, baúles de viaje —el más grande de los cuales necesitó que se ampliara la puerta del camarote de la cantante en la nave “Giulio Cesare” que la llevaba a Buenos Aires— y joyas”.

Villazón debutará como director

“El tenor mexicano Rolando Villazón, que debe regresar a los escenarios el 22 de marzo en Viena, debutará como director de escena en una nueva producción de Werther de Massenet, que será el plato fuerte de la próxima temporada (2010-2011) de la Opera de Lyon“.

Entrevista a Daniela Dessì:

—Y la terrible princesa Turandot, ¿piensa interpretarla en un futuro?

—Me gustaría afrontarla en un próximo futuro. Es obvio que se trata de un personaje muy distinto de Liù y que identifico con la frase de los tres ministros Ping, Pang y Pong en su largo coloquio al comienzo del Acto II: ‘Turandot non esiste, non esiste che il niente’ (’Turandot no existe, no existe, no es nadie’).

En efecto, creo que Turandot es la mitificación del amor por parte de Calaf. Un personaje creado desde su propia fantasía en contraposición con Liù, quien representa (…) el amor puro y real, mientras Turandot es el imaginario exasperado y enfatizado en la mente de Calaf”.

[Foto: Gio]