El país de Gales (parte de Gran Bretaña junto a Inglaterra y Escocia) ha dado al mundo un gran número de artistas líricos que han alcanzado prestigio internacional. Entre ellos, el tenor Stuart Burrows, el barítono Geraint Evans, la soprano Gwyneth Jones, el bajo Robert Lloyd y el barítono Bryn Terfel. Pero, sin duda, un lugar muy especial entre ellos es el que logró la recientemente fallecida soprano Margaret Price.

Margaret Price nació el 13 de abril de 1941 en Blackmood, Monmouthshire (Gales). Como toda familia galesa, la música formó parte importante de su infancia, pero nunca pensó en ella como una carrera, ya que su ambición era ser una profesora de biología.

Sin embargo, a los quince años de edad y por consejo de su profesor de música, decidió participar en un concurso para voces jóvenes ganando una beca para estudiar en la Trinity College of Music de Londres.

En un principio fue clasificada como mezzosoprano y como tal formó parte del célebre coro de los Ambrosian Singers. Su debut en la ópera tuvo lugar en 1962 en la Welsh National Opera, en el rol de Cherubino de Las bodas de Fígaro. Y fue este mismo personaje el que la llevó a la escena internacional, cuando en junio de 1963 tuvo que reemplazar a Teresa Berganza en el Royal Opera House Covent Garden de Londres. El reparto incluyó a Geraint Evans, Tito Gobbi, Ilva Ligabue y Mirella Freni, dirigiendo Georg Solti.

El director James Lockhart la convenció de que debía cambiar su tesitura a la de soprano lírica y fue como tal que logró un prestigio indiscutido, principalmente, como soprano mozartiana.

Además del Covent Garden, donde cantó en numerosas temporadas, también lo hizo en 1967 para la English Opera Group, cantando el rol de Titania en A Midsummer Night’s Dream de Britten y Acis y Galatea, de Haendel. Fue llamada al Festival de Glyndebourne en 1968, y posteriormente en 1971 y 1972, logrando un gran éxito como Constanza en El rapto del serrallo y Così fan tutte, ambas de Mozart.

El 22 de octubre 1969 debutó en los Estados Unidos, en la San Francisco War Memorial Opera House, en el rol de Pamina en La flauta mágica, junto a Cristina Deutekom (Reina de la Noche), Stuart Burrows (Tamino), Geraint Evans (Papageno), David Ward (Sarastro) y la dirección de Charles Mackkerras. La ópera se cantó en inglés y tuvo cuatro representaciones en San Francisco y una (2 de noviembre) en el Hearst Greek Theatre de Berkeley.

A San Francisco volvió el 19 de septiembre de 1970, para cantar Nannetta en Falstaff, con Geraint Evans (Falstaff), Dan Richardson (Ford), Mary Costa (Alice), Lili Chookasian (Mrs. Quickly) y Stuart Burrows (Fenton). Se cantaron cuatro funciones. Siguió el 17 de octubre de 1970 como Fiordiligi en Così fan tutte, con Teresa Berganza (Dorabella), Graziella Sciutti (Despina), Renato Capecchi (Don Alfonso), Alberto Cupido (Guglielmo), Ryland Davies (Ferrando) y el director John Pritchard.

La tercera visita a San Francisco fue el 6 de septiembre de 1980, para cantar Amelia Grimaldi en Simon Boccanegra, con Renato Bruson, Cesare Siepi y Giorgio Lamberti, dirigiendo 6 funciones Lamberto Gardelli. Volvió el 12 de noviembre de 1981 para ser la protagonista en Aida junto al Radamés de Luciano Pavarotti (que cantaba por vez primera este rol), Stefania Toczyska (Amneris), Simon Estes (Amonasro), Kurt Rydl y Ferruccio Furlanetto compartiendo el rol de Ramfis. Dirigió las 5 funciones el español Luis Antonio García Navarro.

Su quinta y última temporada en San Francisco la inició el 9 de septiembre de 1983 como Desdémona en un Otello cuyas 7 funciones tuvieron tres protagonistas diferentes: Plácido Domingo (1), Richard Cassilly (2) y Carlo Cossutta (4). Dirigió Marek Janouski.

En 1971 cantó en la Ópera de Colonia (Alemania) el rol de Doña Ana en Don Giovanni y luego en la Ópera Estatal de Bavaria en Munich (donde residió entre 1971 y 1999), siendo considerada como una de las grandes sopranos mozartianas de su generación.

En 1972 cantó en Chicago el rol de Fiordiligi en Così fan tutte. El 27 de marzo de 1973 cantó para la RAI en Roma, el papel de Ágata en El cazador furtivo de Von Weber, con James King (Max), Karl Ridderbush (Caspar) y el director Wolfgang Sawallisch.

En 1975 estuvo en el Festival de Salzburgo cantando Constanza en El rapto del serrallo. En 1976 debutó en la Grand Opéra de París como la condesa en Las bodas de Fígaro.

En enero de 1978 canto en el Teatro alla Scala de Milán el Don Carlos, junto a Plácido Domingo, Renato Bruson, Elena Obraztsova y Yevgeny Nesterenko, bajo la batuta de Claudio Abbado.

También en 1978 volvió al Palais Garnier de París, para cantar Otello, con Plácido Domingo y Gabriel Bacquier, dirigiendo Jesús López Cobos. Repitió ese mismo año su Desdémona en el Covent Garden de Londres, con Domingo y el barítono Silvano Carroli; y en junio en París, con Domingo y Kostas Paskalis, pero dirigiendo Nello Santi.

En 1983 cantó en el Royal Festival Hall de Londres, la ‘Misa de Réquiem’ de Verdi, junto a la mezzosoprano Livia Budai, el tenor Giuseppe Giacomini y el bajo Robert Lloyd, dirigiendo Jesús López Cobos.

El 21 de enero de 1985 tuvo lugar su debut en el Metropolitan Opera House de New York, con Otello, junto a Plácido Domingo, Sherrill Milnes y James Levine (5 representaciones). Su segunda temporada en el Met comenzó el 27 de enero de 1989, como Elisabetta en Don Carlos, con Neil Shicoff, Bernd Weikl, Tatiana Troyanos, Ruggero Raimondi y James Levine. Se vio forzada a cancelar su programada intervención como Fiordiligi en Cosí fan tutte, en 1990, siendo reemplazada por la emergente Carol Vaness.

El 1 y 2 de abril de 1989 dio dos recitales en el Teatro La Fenice de Venecia, con música de Schubert y Mahler, dirigida por Daniele Gatti. El 1 de abril de 1990 volvió a Venecia para cantar 5 funciones del ‘Stabat Mater’ de Rossini en la Basílica SS Giovanni e Paolo, con la mezzosoprano Dolores Ziegler, el tenor Dano Raffanti y el bajo Giorgio Surjan, dirigiendo Ion Marin.

En 1993 nuevamente para La Fenice de Venecia cantó en 4 oportunidades el ‘Te Deum’ de Anton Bruckner, con el tenor Vinson Cole y el bajo Hans Sotin. El programa incluyó la ‘Vesperae solemnes de confessore’, de Mozart. Sus últimas actuaciones en Venecia fueron en 1994 con el ciclo de Schumann, ‘Frauenliebe und Leben’ (’Amor y vida de mujer’), acompañada al piano por Thomas Dewey.

A Nueva York volvió el 22 de enero de 1995 para un recital Richard Strauss en el Carnegie Hall, con las ‘Cuatro últimas canciones’. Repitió el programa en Washington (6 mayo), Ann Arbor (11 mayo), San Francisco (15 mayo), Costa Mesa (17 mayo). En Brookville (New York) se presentó el 20 de mayo, y su programa incluyó el ‘Preludio’ y ‘Muerte de amor’ de Tristán e Isolda, ópera que grabó pero que nunca cantó en escena.

Margaret Price se retiró de la escena en 1999, radicándose en Ceibwr Bay, una pequeña localidad marítima de Gales y se dedicó a la cría de Golden Retriever, una raza de perros perdigueros. Margaret Price falleció, a los 69 años de edad, el viernes 28 de enero de 2011, de un ataque cardiaco en su hogar cerca de Cardigan, Ceredigion.

La voz de Margaret Price era cálida y de un timbre fascinantemente hermoso, muy apropiado para el repertorio mozartiano en que descolló y, también, aunque en un grado menor para el repertorio verdiano, en el cual encarnó a heroínas como Elisabetta, Amelia Grimaldi, Aida y Amelia, pero principalmente, Desdémona, rol en el que no tuvo rivales.

Cantó otras óperas como Giovanna d’Arco (versión concierto) de Verdi (en el Philarmonic Hall, junto a Carlo Bergonzi, y Sherrill Milnes), Norma de Bellini, Adriana Lecouvreur de Cilea, El caballero de la rosa de Srauss (la Mariscala) y Ariadne auf Naxos de Richard Strauss, aunque no me ha sido posible encontrar referencias cuándo y dónde lo hizo. Como ya se ha dicho, también cantó en 1983 el rol de Isolda, pero solamente para el disco y accediendo a una petición del director Carlos Kleiber.

Margaret Price fue, además, una excelsa intérprete de lieder de Schubert, Schumann, Brahms y Strauss, como también de Alban Berg y Arnold Schönberg. Entre los honores que recibió está el de Dama del Imperio Británico, otorgado por la Reina Isabel II en 1993 y el de Kammersängerin (Cantante de la Corte) otorgado por las óperas de Munich y Viena. Como persona, fue una mujer afable, amable y modesta, con un gran sentido del humor, y muy querida y respetada por todos sus colegas.

Discografía:

La discografía de Margaret Price es muy extensa y variada, y está documentada en numerosos CDs muy fáciles de obtener. La que sigue es tan solo una discografía básica.

Su primera grabación parece haber sido en 1970, Las bodas de Fígaro, dirigida por Otto Klemperer, y en la que interpretó el rol de Barbarina, junto a Elisabeth Söderström (Condesa), Gabriel Bacquier (Conde), Teresa Berganza (Cherubino), Geraint Evans (Fígaro). En 1971, y siempre bajo la dirección de Klemperer, grabó el rol de Fiordiligi en Così fan tutte con Lucia Popp (Dorabella), Luigi Alva (Ferrando y Geraint Evans (Gugliemo).

En años posteriores grabó nuevamente Las bodas de Fígaro, bajo la dirección de Riccardo Muti, haciendo ahora la Condesa, junto a Kathleen Battle (Susana) y Thomas Allen (Fígaro). Grabó La flauta mágica, como Pamina, dirigida por Colin Davis; Don Giovanni, dirigida por Solti; y el Réquiem de Mozart, dirigido por Peter Schreier.

De Verdi grabó Aida (dirigida por García Navarro), Un ballo in maschera (con Pavarotti y dirigida por Solti), Don Carlos (dirigida por Claudio Abbado), Otello (dirigida por Carlos Kleiber) y el Réquiem, dirigido por Abbado. Un LP muy interesante es el dedicado a Canciones de Verdi (dirigido por Parsons). De Weber grabó Der Freischütz (dirigida por Sawallisch); y de Wagner, Tristan und Isolde (dirigida por Kleiber). De Richard Strauss grabó Ariadne auf Naxos (versión de 1912), dirigida por Kent Nagano.

En otro repertorio, grabó ‘Judas Maccabäus’ de Haendel, ‘The Kingdom’ de Elgar; ‘La Pasión según San Mateo’, de Bach; ‘Réquiem Alemán’ de Brahms (dirigido por Previn); ‘Winterreise’ de Schubert (dirigido por Dewey); ‘Sinfonía Nº 4′ de Mahler (dirigida por Horenstein) y ‘Sinfonía Nº 8′ de Mahler (dirigida por Bernstein); ‘Altenberg Lider’ de Berg (dirigido por Abbado) y varios recitales con arias y canciones de Mozart, lieder de Schubert y Schumann, verdaderas joyas vocales.

Fuentes:
-Wikipedia (Internet)
-BBC News (obituario)
-The Washington Post (obituario)
-Teatro La Fenice Archivio Storico
-San Francisco Opera Performance Archive
-Metropolitan Opera Archives
-Royal Opera House Collections on Line
-Rodolfo Celletti: Il Teatro d’Opera in disco (Milano, 1978)
-Alan Blyth: Opera on Record (London, 1979)
-K.J. Kutsch-Léo Riemens: Grosses Sängerlexikon (Berne, 1987)

[Fotografías: cortesía de Charles Mintzer y Ópera Nostalgia]

Septiembre 2010

Night and day

Mi modesta contribución a la memoria del notable bajo recientemente fallecido Cesare Siepi ha querido ser, en esta oportunidad, una recopilación de su legado musical, tanto en discos como en vídeos. He tratado de poner los nombres completos de los autores, especialmente en el caso de las canciones; y en el de las arias de ópera, señalar las palabras del recitativo que precede al aria (cuando procede).

La discografía no está exenta de curiosidades. La selección de la ópera de Rachmaninov The Miserly Knight (El caballero codicioso) grabada en inglés para la Columbia americana en 1952 es una de ellas. La crítica de la revista Time del 30 de junio de 1952 dijo:

“Basso Siepi sings it resonantly in poorly articulated English” (El bajo Siepi canta resonantemente en un inglés malamente articulado).

Siepi (queriendo tal vez emular o imitar a su predecesor Ezio Pinza) aceptó participar en dos musicales en Broadway. ‘Bravo, Giovanni’, con música de Milton Schafer y letra de Ronny Graham, se estrenó el 17 de mayo de 1962 y alcanzó solamente 72 representaciones.

Siepi, en el rol de Giovanni Ventura, no obstante su voz, no logró imponerse y “the women steel the show” (las damas se robaron el espectáculo). Siepi tuvo su parte con la canción ‘If I were the man’ (’Si yo fuera el hombre’). Afortunadamente, el sello Columbia grabó la música con los mismos artistas, en un LP que actualmente puede obtenerse en formato CD.

Regresó a Broadway en el rol de Vittorio Bruno en el musical ‘Carmelina’, con música de Burton Lane y letra de Alan Jay Lerner (’Camelot’ y ‘My Fair Lady’), inspirado en el film ‘Buona sera, Mrs. Campbell’ (1968). A su lado Georgia Brown como la signora Carmelina Campbell, que en el cine había realizado Gina Lollobrigida (junto a Peter Lawford, Phil Silvers y Telly Savalas).

La obra se estrenó el 8 de abril de 1979 y cerró el 21 de abril de 1979 con sólo 17 representaciones. Un fracaso total. En todo caso la crítica no fue cruel con Siepi y manifestó que “hizo aparecer la música mejor de lo que realmente era”. Las comparaciones con Pinza fueron inevitables y un crítico se preguntaba qué habría pasado si la obra hubiese sido compuesta por Richard Rodgers (el autor de ‘South Pacific’).

En 1980 el sello Original Cast decidió llevar al disco este musical con el mismo reparto original de la obra. Siepi declinó participar en dicho proyecto y su rol fue cantado por Paul Sorvino. Así se perdió la oportunidad de preservar la voz de Siepi en su segunda y última aventura en Broadway.

[Visione Veneziana (Brogi). Dirige: Cesare Gallino, 1948]

[L'ultima canzone (Tosti), 1948]

De sus grabaciones comerciales, tanto en arias o registros integrales, me quedo sin vacilar con sus primeros discos grabados en Italia para la Cetra (1947-1948), realmente maravillosos, sean arias de ópera o canciones. Afortunadamente, pueden obtenerse actualmente en CD.

[Si la rigueur et la vengeance, La Juive (Acto I), Halévy. Dirige Alberto Erede, 1954]

Por cierto, a gran nivel se encuentra su primer recital para la Decca de 1954, con arias italianas y francesas. Muy recomendable y también fácil de obtener en CD. De los registros integrales, mis favoritos son La forza del destino y Mefistofele. No siendo yo particularmente ‘mozartiano’ de corazón, dejo a los expertos esta elección.

De las grabaciones del vivo también hago mi propia selección, indicada más abajo.

Siepi fue un frecuente invitado a los shows de la televisión estadounidense en los años ’50. Hago un detalle de todos aquellos que he podido identificar.

[La calunnia, 1952]

‘La voz de Firestone’ estuvo en la TV entre 1950 y 1963. El ‘Show de Ed Sullivan’, desde 1948 hasta 1971. Originalmente se llamó ‘Toast of the Town’ pero cambió su nombre en 1955. Otro popular programa fue ‘The Bell Telephone Hour’, producido por la N.B.C. entre 1940 y 1958 (radio) y 1959 hasta 1968 (televisión).

Siepi se presentó en ‘The Voice of Firestone’ entre 1951 y 1962. Con Ed Sullivan al parecer, solamente en 1953 y 1954. La firma VAI (Video Artists International) reeditó comercialmente, en 1990, en vídeos VHS, varios de los programas originales de ‘The Voice of Firestone’ con grandes cantantes líricos como Jussi Björling, Nicolai Gedda, Franco Corelli, Ferruccio Tagliavini, Richard Tucker, Jan Peerce, Lauritz Melchior, Robert Merrill, Jerome Hines, Roberta Peters, Eleanor Steber, Bidú Sayao, Jeanette MacDonald, Risë Stevens y muchos más.

Algunos de estos vídeos han sido posteriormente (2000/2005) ofrecidos en formato DVD tanto por VAI como por KULTUR. Lamentablemente, Siepi se opuso a que los suyos fuesen comercializados, pues encontraba su actuación muy limitada y los escenarios anticuados y ridículos. ¡Qué lástima! Así nos privó de disfrutar, con buena imagen y sonido, de su arte incomparable.

En Youtube se pueden ver algunos de ellos (sin duda, pirateados o de coleccionistas particulares), y aunque no son técnicamente perfectos, si nos permiten apreciar al gran bajo en su mejor momento vocal.

[Deh, vieni alla finestra. 1954]

SUS PRIMERAS GRABACIONES:

CETRA (Torino) (1947-1948) (78 r.p.m.)

REGISTROS INTEGRALES (comerciales):

REGISTROS INTEGRALES (del vivo):
Don Giovanni, Norma, Il barbiere di Siviglia, Mosè in Egitto, La favorita, Marino Faliero, Nabucco, Ernani, La forza del destino, Don Carlo, La Juive, Fausto, Mignon, La bohème, La Gioconda, Boris Godunov, Khovanschina, Giulio Cesare (Handel); ‘Sinfonía Nº 9′, ‘Coral’ (Beethoven).

Mis preferencias:

Bravo Siepi! The Broadway songs of Cole Porter:
Roland Shaw Orchestra
London (U.S.A.) (1958) LP: X-5461 (OS- 25054);
CD: Myto Records 983.188 (Italia) (2003) ( *)

(*) El CD Myto incluye, además, ocho canciones italianas, grabadas originalmente
en 1948 para el sello italiano Cetra.

Bravo, Giovanni (Original Broadway cast):
Comedia musical de Milton Schafer y Ronny Graham (letra)
Cesare Siepi, Michele Lee, Maria Karmilova, David Opatoshu
Stanley Prager
Columbia (U.S.A.), LP: Nº 5800 (1962)
DRG Records (U.S.A.) (Digitally remastered) CD (2002)

Concerto Martini & Rossi (Incontri memorabile):
Con Graziella Sciutti y Marcella Pobbe
Fausto: Le veau d’or; La Juive: Si la rigueur; La forza del destino: La vergine degl’angeli; I vespri siciliani: O tu Palermo; Don Carlo: Ella giammai m’amò
CD: FONIT-CETRA 5032

UNA GRABACIÓN MUY ESPECIAL
En la década del ’50 existía en Nueva York un restaurante italiano, muy singular, ‘Chez Vito’. Su dueño era el napolitano Vito Pisa; y un conjunto musical que tenía como solista a la soprano Leyna Gabriele, amenizaba las comidas. Fue un lugar preferido por los cantantes líricos que cantaban en el Metropolitan Opera, y con frecuencia añadían sus privilegiadas voces a la de la anfitriona. No podían faltar los ‘Tres Mosqueteros de la Ópera’ como los había bautizado Ed Sullivan en su popular show televisivo: el tenor Cesare Valletti y los bajos Cesare Siepi y Fernando Corena. Así nació la idea de grabar un LP que, seguramente, se vendía en el mismo local. Es, probablemente, uno de los discos más escasos de Siepi:
Vito Records K8OP-1123/4 ‘The 3 Musketeers of the Opera at Chez Vito‘ (1954)

En este LP, Siepi canta:

(*) También conocida como ‘Patrulla de cosacos’. La carátula del LP equivocadamente indica que cantan ‘Los boteros del Volga’

UNA GRABACIÓN MUY POCO CONOCIDA
Songs of Italy: ‘The romantic voice of  Cesare Siepi’:

The Salzburg Recital of 1956
Con Leo Taubmann, piano (Salzburgo, 27 julio 1956):

Cesare Siepi: Historical Recordings from 1955-1956:

El sello austriaco Preiser ha publicado, en CD, tres volúmenes con la voz de Siepi:

CESARE SIEPI EN LA TELEVISIÓN

The Voice Firestone:

The Ed Sullivan Show (originalmente, ‘The Toast of the Town’):

The Bell Telephone Hour:

OTRAS TRANSMISIONES TELEVISADAS

1950, 6 de noviembre: ABC: Don Carlo (Opening night live telecast from Metropolitan Opera): Rigal, Björling, Barbieri, Merrill

1962, 28 de enero: NBC: Don Giovanni (NBC Opera Company): Leontyne Price (Anna), Helen George (Elvira), Judith Raskin (Zerlina), James Pease (Leporello), Charles K. L. Davis (Ottavio)
Peter Herbert Adler

1963 RAI: ‘Legends Of The Opera’: Le nozze di Figaro: Aprite un po’ quegl’occhi

1984 VAI: Rigoletto: Escenas para niños. Actuado por marionetas y usando el playback de la grabación de Rigoletto
Con Joan Sutherland, Renato Cioni y Cornell MacNeill

1985 VAI 4482 (2008): Mirella Freni & Cesare Siepi Live In Concert (1985).
Siepi canta:

Fuentes:

Había nacido el 15 de mayo de 1939; estudió canto en Dinamarca. Sus primeras actuaciones fueron en el campo del oratorio y de la música barroca.

En 1971 cantó en la Komische Oper de Berlín el rol protagónico en Don Quichotte, de Massenet. En 1973, el director sueco Ingmar Bergman lo escogió para el rol de Sarastro en su film ‘Trollflöjten’ (La flauta mágica) de Mozart.

Otros roles en su carrera fueron Marke, en Tristán e Isolda; Gurnemanz, en Parsifal; además de numerosos roles en obras barrocas de Monteverdi, Rameau, Händel y otros compositores.

Paralelamente, Ulrik Cold, fue regisseur y director (intendente) en la Ópera Real de Copenhague.

Su herencia discográfica incluye Armida de Lully, Admeto, Re di Tessaglia, de Händel; Hypolite et Aricie de Rameau, Xerxes, de Händel; L’Incoronazione di Poppea, de Monteverdi y La Pasión según San Mateo, de Bach, además del mencionado film ‘La flauta mágica’.

(Fotografía: Gentileza de Ópera Nostalgia y Manfred Krugmann)

Siepi

Siepi

Ricordi ancora il dì che c’incontrammo,
le tue promesse le ricordi ancor… ?
Folle d’amore io ti seguii… ci amammo
E accanto a te sognai, folle d’amor.

Sognai felice, di carezze a baci
Una catena dileguante in ciel
Ma le parole tue… furon mendaci…
Perchè l’anima tua è fatta di gel.

Te ne ricordi ancor?
Te ne ricordi ancor?

(Gracias, Enrique)

* *

Cesare Siepi, el más célebre de los bajos italianos de posguerra, falleció ayer, 5 de julio de 2010, en Atlanta (Estados Unidos). Hace unos diez días, fue víctima de un infarto.

Había nacido en Milán, el 10 de febrero de 1923. Tenía 87 años.

[Dies irae... Liber Scriptus (Misa de Réquiem, Verdi): Herva Nelli, Fedora Barbieri, Giuseppe di Stefano, Cesare Siepi. NBC Symphony Orchestra. Dirige: Arturo Toscanini. 27 de enero de 1951]

Después de Ezio Pinza, Siepi fue el mayor exponente en la cuerda de bajo, tanto en Europa como en América.

Descanse en paz.

(Gracias, Juan)

“En EE.UU. celebrarán mi 65 cumpleaños, el 4 de julio, por todo lo alto. Nací y vivo en Madrid. Estoy casado y tengo un hijo. Mi idea política se resume en el último movimiento de la ‘Novena’ de Beethoven: todos los seres humanos tenemos que ser hermanos. Soy agnóstico”.

Mozart

—¿Al cura pelirrojo le gustaba hacer tríos?
—Sí, y no precisamente musicales, que también los hizo. Era vox pópuli que Vivaldi, a pesar de ser cura, convivía con una cantante, la Giró, veinte años más joven, que era su protegida, y una hermana de esta a la que contrató como enfermera.

—Pillín.
—”Como soy estrecho de pecho (asmático) —se justificaba—, no puedo decir misa y necesito una enfermera siempre conmigo”.

Vivaldi / Concierto y cuerda para bajo continuo

—Pero fue fiel a su trío.
—Efectivamente, fiel a las dos hermanas. Las costumbres en aquella época eran muy relajadas, incluso los cardenales tenían doble vida, y allí, en Venecia, los carnavales duraban casi seis meses.

Bach / Suite Nº 1

—La debilidad de Bach era más prosaica.
—Sí, el orgullo. Fue una persona religiosa y de orden, fiel a sus dos mujeres, de las que tuvo 20 hijos; pero tener que estar bajo la esfera de quienes le contrataban, muchos ignorantes y cretinos, le sacaba de quicio, y tenía que tragarse el orgullo. Sin embargo, por orgullo y por cabezonería acabó encarcelado.

—¿El más feo de todos los genios?
—Probablemente Wagner, porque era bajito y cabezón.

Haydn / Mov. 4º de la Sinfonía 88

—Pues a Haydn lo describían como a un monstruo.
—Sí, de él decían que sus piernas eran tan cortas que cuando se sentaba no alcanzaba el suelo. Su mandíbula inferior sobresalía como la de un bulldog y tenía la cara picada de viruela. Y le llamaban el Nigeriano por el color de su piel. Pero era bonachón y tenía sentido del humor. Era muy amigo de Mozart.

—Mozart sufría una extraña fobia.
—Sí. Un trompetista dejó un documento en el que explica que cuando Mozart era pequeño tenía terror a la trompeta. Su padre lo invitó a su casa y le pidió que tocara para ver sí así se le pasaba la fobia; pero en cuanto se puso a tocar, Mozart se desmayó. Sufría trompetofobia.

—¿Qué es lo que más le sorprende de la vida íntima de los grandes músicos?
—Vivaldi fue cura porque, al ser pobre, su padre tuvo dos opciones: o hacerlo cura o castrarlo; pero Liszt se hizo sacerdote por vocación después de haber tenido hijos y siguió acostándose con todas las señoras —eso sí, de alta alcurnia— que podía. Que un abate fuera un promiscuo quizá es lo que más me choca.

—Mucho pecado de faldas, veo.
—El de Wagner fue, además de la autoidolatría, la infidelidad hacia sus mejores amigos y protectores: se la pegaba con sus mujeres.

Wagner / Cabalgata de las Walkyrias

—Ingrato.
—Llegó a coquetear con el rey Luis II de Baviera, que estaba enamorado de él, para sacarle toda la pasta.

Chaikovski / Danza china de El cascanueces

—¿El más atormentado, Chaikovski?
—Sí, ser homosexual en la época de la Rusia zarista significaba irse a vivir a Siberia. Intentó ocultar su homosexualidad (a la que consideraba una enfermedad) casándose. El matrimonio fue un desastre y vivió amargado. Pero tuvo una relación con Nadejda von Meck, una acaudalada viuda rusa que tenía 11 hijos y que estaba enamorada de él.

—¿Qué tipo de relación?
—Ella le mantenía y sólo le puso una condición: que no se conocieran. Estuvieron carteándose durante catorce años.

Beethoven / Marcha turca de la ruinas de Atenas

—¿Beethoven era el de peor carácter?
—En una ocasión, como tantas, estaba tocando el piano y un príncipe susurró algo a una señora. Beethoven cerró la tapa del piano y gritó: “¡Yo no toco para esos cerdos!”. Luego se arrepentía; mandaba a la porra a un amigo y a los diez minutos le escribía una carta: “¡Querido corazoncito!, por favor, ven, perdóname. Te besa tu Beethoven, también llamado albóndiga”. Su música es así.

—Ciclotímica.
—Sí. Nunca cuajó con ninguna mujer, prefería las fulanas, a las que llamaba fortalezas.

—No está mal.
—Y Brahms tocaba desde los 11 años en prostíbulos de Hamburgo. Durante toda su vida tuvo un amor incondicional hacia ellas, decía que eran mejores que cualquier dama.

—La mayoría de los músicos provenía de estratos sociales bajos.
—Sí, los artistas eran parte de la servidumbre, se utilizaba a los músicos como ahora se usa un CD, no estaban considerados.

Brahms / Danza húngara Nº 4

—¿Cuál es la historia de amor más bella?
—La de Brahms con Clara Schubert, bastante mayor que él y esposa de su mejor amigo y protector. Brahms se enamoró de Clara nada más verla. Cuando Schubert enloqueció y tuvieron que internarlo, Brahms no lo traicionó, incluso cuando murió siguieron enamorados toda la vida, pero sin casarse.

Beethoven / Coro de mujeres de El rey Esteban

—Había genios esforzados y genios iluminados.
—Cierto. Beethoven era un genio pero le costaba; en cambio, Mozart… En la Capilla Sixtina, una vez al año se abría un cofre que contenía una obra, el Miserere de Allegri a ocho voces, se interpretaba y se volvía a guardar bajo llave y bajo pena de excomunión a quien la copiara.

—¿Una obra complicada?
—Mucho. Mozart, con 14 años, escuchó el Miserere de Allegri una vez, llegó a casa y lo escribió sin un solo fallo. ¿Cómo es posible? Yo creo que era un savant.

—¿El síndrome del sabio?
—Sí, personas con desórdenes mentales como el autismo que pese a sus discapacidades poseen sorprendentes habilidades mentales específicas. A Mozart era como si alguien le dictara la música, nunca corregía.

29 de mayo

28 de mayo

[My lips' fiery kiss; atención al 3:47;-)]

Anna Netrebko: “Cuanto canto un aria, soy más cantante, pero cuando tengo a mi lado a un compañero atractivo, actúo como mujer. La ópera es un arte sensual, y siempre trato de dotar a mis heroínas de un espíritu erótico-amoroso”.

“¿Cuánto tiempo puede cantarse Don Juan? Estaría bien ir haciendo otra cosa ya. Siempre le empujo [se refiere a su pareja, el barítono uruguayo Erwin Schrott] a que haga algo nuevo, pero, lamentablemente, es un poco vago”.

27 de mayo

[Presentación de la obra por el director artístico, Emilio Sagi]

“La soprano da vida a Thérèse, “una mujer, harta de la cocina que decide que quiere ser abogado, soldado, político, dedicarse a lo que se dedican los hombres. Su decisión pasa de su cerebro a su cuerpo y sus pechos vuelan. Pasa de ser Thérèse a ser Tirésias.

Y su marido (Gabriel Bermúdez), que personifica los valores más extremos de la masculinidad, se convierte en una señora de la cual se enamora un gendarme y que tendrá, porque alguien tiene que hacerlo, hijos. Nada menos que 40.049”.

26 de mayo

“Jo, Dalí, la ópera compuesta por Xavier Benguerel (Barcelona, 1931) por encargo del Ministerio de Cultura para conmemorar en 2004 el centenario del nacimiento de Salvador Dalí, se estrenará finalmente en junio de 2011 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y abrirá en septiembre de ese mismo año la temporada lírica 2011-2012 del Liceo de Barcelona”.

25 de mayo

19 de mayo

—Oiga, que esto es España. ¿Ya capta la idiosincrasia local?
—Me parece más amable Madrid que París. Esto no es el Festival de Salzburgo: estuve trece años allí, y hubo que discutir mucho con la vieja guardia de la ópera y sus privilegios. Después pasé a dirigir la Ópera Nacional de París, y fue muy difícil relacionarme con la crítica y con algunos sectores del público.

[Flórez y Machaidze: Vieni fra queste braccia. Comunale di Bologna, 2009]

18 de mayo

“Cuando comienza la ópera, Nerón y Popea se aman en la noche. Cuando la ópera acaba, se aman en presencia de Roma y del mundo”. Así resume Jean Starobinski la última ópera de Monteverdi. “¿Es Popea antes que nada una enamorada o una ambiciosa?”.

17 de mayo

Danielle de Niese y Philippe Jaroussky, en L’Incoronazione di Poppea. Teatro Real (vídeo promocional). 

16 de mayo

15 de mayo

—¿Por qué las actuales figuras de la ópera no alcanzan el nivel de reconocimiento que tuvo su generación? ¿Les falta calidad?

—Me temo que hoy se prefiere que los cantantes sean desechables, que al cabo de cinco años las figuras que llegaron a la cima con tanto trabajo, con tanto esfuerzo, resulten obsoletas. No se les cuida, se prefiere introducir continuamente novedades y vender lo nuevo. Es la forma en que funciona la sociedad: como ocurre con los teléfonos móviles, nada dura.

13 de mayo

[Ensayo general, 12 de mayo de 2010]

“Del 13 al 15 de mayo en la Universidad Carlos III de Madrid dentro del proyecto pedagógico del Teatro Real. Es una propuesta que revisita el mito de Carmen con coreografía de Tony Fabre y bailarines de la CND2″.

12 de mayo

Especial Alfredo Kraus III (en la casa de Werther): no se lo pierdan

10 de mayo

Con Martina Serafin (la Mariscala), Sophie Koch (Octavian), Peter Rose (Barón Ochs)  y Ofèlia Sala (Sophie).

9 de mayo

[Villazón: Ombra mai fu, Dopo notte, atra e funesta (fragmentos), Händel. Salle Pleyel, 6 de mayo de 2010]

«Hugh Canning, crítico del Sunday Times, habla de un “penoso retorno” a los escenarios en referencia a su actuación esta semana en el Festival Hall londinense. (…)

El crítico señala que la operación a que se sometió el tenor para que le extirparan un nódulo en las cuerdas vocales no ha eliminado los problemas que ya tenía, como es su pequeño registro, y se pregunta si, a menos que reeduque su voz, podrá enfrentarse el próximo año en la Royal Opera House londinense a un rol tan exigente como es Werther, de Massenet.

(…) Aunque los críticos tienen su parte de culpa —todos saludamos a una nueva estrella tras escucharle en aquel glorioso Hoffmann (en su debut londinense en 2004)—, está claro que Villazón ha estado mal aconsejado sobre su repertorio”».

[Historia del Teatro Real]

[Sobre el Gran Teatro del Liceu]

8 de mayo

[Dame Te Kanawa: Tarakihi, canción maorí]

E, pakia kia rite
E, ko te rite kia rite
E, takahia kia ngawari
E, torona kei waho
Hoki mai.

[Stefania Bonfadelli: Spargi d’amaro pianto. 2003]

Mañana domingo 9 de mayo, “el metro de Barcelona se convertirá en un escenario para la ópera, y el Gran Teatro del Liceo organizará una jornada de puertas abiertas durante todo el día, con motivo de la celebración del Día Europeo de la Ópera”.

7 de mayo

Mañana, sábado 8 de mayo, “en la Plaza de Oriente a las 12 y a las 21 h., jóvenes promesas de la lírica interpretarán conocidos fragmentos de óperas de tema español con una participación ‘especial’ del público”.

“Al hilo de un divertido guión, en el que la presencia y la participación del público será fundamental, se escucharán arias de las óperas Carmen, de Bizet; El barbero de Sevilla, de Rossini; Don Giovanni y Las bodas de Fígaro, de Mozart; La favorita y La hija del regimiento, de Donizetti; y Don César de Bazán, de Massenet”.

[Angelica Kirchschlager: Voi che sapete. 2005]

Kirchschlager: “La voz es el instrumento más fascinante, porque sale del cuerpo. La voz humana es como la voz de Dios. Los grandes compositores quisieron que en su gran obra —Beethoven y su ‘Novena’ o Mahler y su ‘Décima’— hubiera voces”.

“Cuando dices cantante la gente piensa en la voz y la garganta, pero para cantar utilizas todo el tronco. De los 250 músculos que tenemos, usamos 200 para cantar”.

“En esta producción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona [2003] se recuperan los siete conjuntos escenográficos que el artista Josep Mestres Cabanes realizó en el año 1945 para esta gran ópera del compositor italiano”.

6 de mayo

[Jordi: Mexico. Télé France 2, 2008]

—¿Por qué Sevilla, en un extremo subdesarrollado de la Europa del XIX, se convierte en centro de tantas óperas?

—Hay que tener en cuenta que en el siglo XIX Sevilla poseía ya una imagen internacional acuñada durante el Siglo de Oro. El hecho de convertirse durante dos siglos en el puerto único de navegación con la América española atrajo a la ciudad a una importante colonia extranjera y creó en Europa una imagen de ciudad cosmopolita, de legendarias riquezas y donde todo era posible. La literatura romántica no hace sino darle forma artística a ese imaginario sevillano.

—¿Qué personajes sevillanos han dado lugar a más óperas?

—Sin lugar a dudas Don Juan Tenorio, sobre quien hemos contabilizado 49 óperas diferentes. Es curioso, porque la primera ópera sevillana (1671) trata sobre Don Juan y se llama El impío castigado y la última de todas se estrenó en Lisboa en 2006 y se titula El disoluto absuelto. Se da la circunstancia de que esta última ópera se basa en un libreto de José Saramago. Después del Tenorio el personaje sevillano más veces llevado a la ópera es Fígaro, con 38 composiciones.

[Roberto Murolo: Era de maggio]

Era de maggio e te cadéano ‘nzino,
a schiocche a schiocche, li ccerase rosse…
Fresca era ll’aria… e tutto lu ciardino
addurava de rose a ciento passe…

[Kaufmann: Dies bildnis]

Kaufmann

Jonas Kaufmann: cualidades, virtudes y… algunos defectos. Por Arturo Reverter, en Radio Clásica.

* *

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[El gran Kraus: Com’è gentil la notte a mezzo april]

I puritani en el Real: aplausos para Diego Flórez; bravos para Eglise Gutiérrez

“Vocalmente el tenor ha estado tan sublime como suele estarlo aunque tampoco se ha entregado o así lo ha entendido el público, que ha premiado ’sólo’ con aplausos al peruano durante la representación, y unos ralos ‘bravos’ cuando ha salido a saludar, acostumbrado en este coliseo a verdaderos desbordamientos de entusiasmo”

“Casi todos los cantantes saltan a la fama con ocasión de una sustitución. Es el ciclo vital de la ópera. Pavarotti sustituyó a Di Stefano y Ramón Vargas se hizo un nombre como el Rodolfo que no pudo encarnar Luciano”.

27 de abril

[Teatro Coliseo. Buenos Aires, diciembre 2009]

¿No echan en falta algo?;-)

26 de abril

[Sì, ritrovarla io giuro, Liceo de Barcelona, enero 2008]

22 de abril

21 de abril

[Albelo: Credeasi misera, Puritani, Bellini. La Coruña, 2009]

(Gracias, Victoria)

[Dúo Orpheo: Maria Eugenia Boix y Jacinto Sánchez. Noviembre 2008]

20 de abril

Carreras, en Buenos Aires
Sábado 24 de abril, Luna Park, junto a Rebeca Olvera

Non piangere, Liù

[Con Mirella Freni, Paul Plishka, 1978]

—¿Cuál es su impresión sobre la actualidad en cuanto a los cantantes?
—Creo que en el mundo de la ópera hay magníficos profesionales cantantes y en la cuerda tenoril tenemos, por ejemplo, a un magnifico Juan Diego Flores para el repertorio ligero, rossiniano, y también está Villazón, un Manes, un José Cura y otros de altísimo nivel artístico. (…)
—Pero, ¡atención!, que no es sólo la voz o el talento para cantar lo que consagra a un artista, sino el cómo consigue llegar al público desde el punto de vista emocional… (…)
—¿Qué les recomendaría a los estudiantes de canto?
—Evidentemente, me gustaría tener las palabras adecuadas para cada uno de ellos, asunto ahora difícil, pero si tuviera que escoger una sugerencia para todos, ya ni siquiera un consejo, les diría que ante todo estén seguros de que son capaces de observar una disciplina férrea y muy seria en dedicación. Sin disciplina y rigor no se logra nada.

* *
—Hay magníficos tenores en la última generación. Para citar los primeros que me vienen a la cabeza: Roberto Alagna, Marcelo Alvarez, Rolando Villazón, José Cura y Juan Diego Flórez en su propio repertorio belcantista.
—De los cinco nombres que acaba de dar, cuatro son latinoamericanos…
—Y no son los únicos latinoamericanos. Hay otros, como (el mexicano) Ramón Vargas, y también hay grandes cantantes de otras cuerdas, tanto hombres como mujeres. Sin duda le ha llegado el turno a Latinoamérica, que está en un momento buenísimo en cuanto a voces, lo que también habla de la salud y la vigencia de la ópera entre ustedes.

17 de abril

16 de abril

Placido Domingo, La Scala, Simon Boccanegra. Quince minutos de sonada ovación para Domingo; abucheos para Daniel Barenboim

13 de abril

[Ch'i il bel sogno di Doretta, La rondine, Puccini]

Montserrat Caballé: “Aragón es la tierra de mi familia y ahora es también la mía”:
Caballé “interpretó un recital de 80 minutos que incluyó temas de Donizetti, Bellini, Rossini, Giménez y Serrano, entre otros. (…) Entre pieza y pieza, se incluyó la fotografía de gente que se quiso unir al homenaje a la catalana mientras la periodista María José Cabrera leía los textos que habían hecho llegar gente como Zubin Mehta, el barítono Carlos Álvarez, el tenor Juan Diego Flórez, José Cura, la soprano Ainhoa Arteta, Federico Mayor Zaragoza, Marilyn Horne, Jesús López Cobos y Joan Holender.

Todos destacaron ‘la calidad humana de la artista, por encima incluso de la profesional’ a la que calificaron como la mejor soprano del último medio siglo”.

[Liceo de Barcelona, abril 2010. Vídeo promocional]

12 de abril

Diana Damrau (hoy en el Liceo, El rapto en el serrallo):

“Para un cantante, ir cambiando del texto hablado al cantado es difícil. Muchos directores prefieren hacer recortes para evitar riesgos. Pero en esta versión hay momentos de suspense donde las palabras, como las atmósferas y los silencios, son claves”.

10 de abril

9 de abril

[A bello a me ritorna, cabaletta del Primer Acto de Norma, Bellini. Théâtre Antique d’Orange, 1974]

Medio siglo de Caballé
Concierto homenaje de Montserrat Caballé, el lunes 12 de abril, en el Auditorio de Zaragoza

8 de abril

Daniella Barcellona: “La función de un cantante es llevar lo que está en la partitura directamente al corazón del público”

La mezzosoprano italiana será hoy, y el sábado, Adalgisa en Norma en el Festival Internacional de Ópera Alejandro Granda

—Usted es una mezzosoprano. ¿Qué la diferencia de una soprano?
—La diferencia está en el color, en el volumen y la extensión de la voz. La voz de una soprano es más potente. Carmen, por ejemplo, es una obra escrita para una mezzosoprano. Si la canta una soprano, se puede crear una pared de sonido, donde la voz no pasa la orquesta y se pierde su coloratura. Una soprano no es mejor que una mezzosoprano. Somos diferentes.

—Es especialista en ‘bel canto’. Explíquenos qué es el bel canto…
—’Bel canto’ es ‘canto bello’, es decir, algo con más armonía y melodía; quizá por eso llega tanto a la gente. Es un canto muy elegante, rico en expresividad, con roles siempre positivos, como pasa con Tancredi, la ópera de Rossini, el máximo representante del bel canto. Bellini y Donizetti también lo hicieron.

[Di tanti palpiti, 2005]

—La crítica dice que usted hace el mejor Tancredi de la actualidad…
—(Ríe). No lo sé. A veces lo dice el público, pero yo no puedo juzgarme. Sí le puedo decir que amo esta obra porque le ha dado todo a mi carrera. Empecé en Pessaro, en 1999, con esta ópera, y con ella he recorrido teatros como la Scala de Milán, el Metropolitan Opera House (MET)… Solo me falta el Palais Garnier de París, pero este año cantaré allí (ríe).

—¿Qué diferencias hay entre cantar en la Scala y en el MET?
—Al MET, la gente va a divertirse y a pasar un día tranquilo, con música. En Italia, a veces, el público va a juzgar a los artistas, a oír si hizo bien tal o cual agudo, o si su carrera se está terminando; es decir, no va a divertirse necesariamente. Todos son unos expertos… pasa como en el fútbol, donde todos se creen entrenadores (risas).

7 de abril

Robert Carsen: “No estoy nada interesado en la provocación”

—El público de Madrid le adora, pero esta propuesta es muy distinta, menos espiritual. ¿No teme que la acogida no sea tan buena?
—Las otras dos eran obras muy reflexivas y emocionales. No estoy nada interesado en la provocación, pero aquí más bien habría que preguntar al público que no le guste cuáles eran sus expectativas: ¿por qué va no a ver una obra donde hay aberraciones sexuales y de todo tipo como en la historia de Salomé? El texto de Wilde fue muy impactante en su tiempo, la ópera también, este y cualquier montaje también debe serlo.

6 de abril

Salomé se va a Las Vegas

“Siglo XXI. ¿Dónde se puede encontrar gente que vista túnicas bíblicas? ¿Cuál es el lugar que representa el exceso más absoluto —codicia, frivolidad…—?

La respuesta la encontró Robert Carsen en Las Vegas, ciudad norteamericana donde el director de escena canadiense ha decidido trasladar su nuevo montaje de «Salomé», una coproducción entre el Teatro Regio de Turín, el Maggio Musicale Fiorentino y el Teatro Real de Madrid, donde se estrena el próximo domingo”.

[Nina Stemme: escena final de Salomé. Liceo de Barcelona, julio 2009]

“La piedra angular de la historia es la archiconocida danza de los siete velos, ‘una venganza de Salomé hacia sus padres’, que Carsen conserva pero transforma ‘de una más pervertida’, indica Jesús López Cobos, poniéndose al frente de 95 músicos pues se tocará la versión completa (a veces por problemas de espacios se han interpretado otras con menos instrumentos). Esta gran orquesta requiere de una gran voz, como es la de Nina Stemme, que ya interpretó este personaje la pasada temporada en el Liceo de Barcelona”.

5 de abril

[Damrau: Ach, ich liebte, aria de Konstanze del Primer Acto de El rapto en el serrallo, Mozart. Metropolitan Opera House, mayo 2008]

Debut de Diana Damrau en el Liceo

“Junto a ella, la también soprano Olga Peretyatko, los tenores Christoph Strehl y Norbert Ernst, el bajo Franz-Josef Selig y el actor berlinés Christoph Quest en el papel hablado del pachá Selim. La dirección musical correrá a cargo del británico Ivor Bolton”.

4 de abril

Malikian: Oblivion (Piazzola)

Malikian: Princesa

Ara Malikian: “Lo bastardo es preferible a lo puro, tanto en la música como en la sociedad”

—¿Por qué se piensa siempre en la música clásica sólo como una manifestación occidental y del hemisferio norte?
—Por el poco conocimiento que se tiene del mundo. Es verdad que la cuna de la música clásica es Europa, pero también existen músicas clásicas de las tradiciones árabe, japonesa o india que deberíamos conocer mejor, al igual que sus culturas de origen.

Frühbeck, Medalla del Palau de la Música

“En 1998, el galardón fue para el director de orquesta de origen argentino Daniel Barenboim, mientras que la mezzosoprano Teresa Berganza lo ganó en 1999, el tenor Alfredo Kraus en 2000 y al año siguiente, les fue concedida a título póstumo al director Luis Antonio García Navarro y al compositor Joaquín Rodrigo”.

3 de abril

Teatro de la Maestranza, 18 de marzo de 2010

Fabio Armiliato: “El protagonismo trae mala suerte”

“No es correcto para un cantante hacer declaraciones en los periódicos, ni responder públicamente a la provocación. En este momento necesitamos trabajar todos juntos por el teatro, dejando el ego atrás, sin esas polémicas. El protagonismo solo trae mala suerte”.

Se refiere Armiliato a la polémica de Marcelo Álvarez con el gran jefe del Real, Mortier.

2 de abril

26 de marzo de 2010

1 de abril

Simon Boccanegra y el problema del ausente

“Caído Plácido del cartel por su reciente operación, le siguieron la soprano, el tenor y el bajo. Pero Barenboim, sin inmutarse. A las siete de la tarde del martes atravesaba tranquilamente la gran plaza a sotavento de la Ópera fumándose un purazo formato Churchill. Media hora más tarde comenzaba una función en la que algunas de las voces suplentes ni siquiera llegaron con tiempo de ensayar.

Tampoco esto importa, porque además de tenerle allá abajo, dos pantallas de TV en el borde del primer piso transmiten a los cantantes cada uno de sus gestos. Cuando no basta, se pone de pie, alza los brazos muy por encima del foso y todo el mundo entra en caja al instante. Si el aplauso ralea al final, repite él sus salidas a escena y el público enloquece”.

Hoy traemos a portada algo muy especial. Especial, porque no es fácil encontrar información rigurosa, documentada, sobre la soprano chilena Rayén Quitral. Especial también, porque tampoco es fácil encontrar las grabaciones que de Rayén podrán escuchar. Una exclusiva con todas las de la ley en óperasiempre.es;-)

¿Dónde hubiera llegado Rayén con una más sólida formación, con un sólido apoyo afectivo en su vida personal?  Nunca lo sabremos. De lo que no hay duda, es que poseía una voz excepcional.

Gracias mil, Juan.

* *

Rayén Quitral (1916-1979)

El Copihue Rojo (1953)

“Soy una chispa de fuego” (de El Copihue Rojo)

Abril, 2010

“La soprano chilena Rayén Quitral, que paseara su voz privilegiada por los escenarios del mundo durante los años 30 y 40 del siglo veinte, siempre tuvo a honra reconocer que su apellido era de origen indígena (mapuche) y su nombre artístico significa “flor de fuego” en esa lengua. Sin embargo, los Quitral no tendrían más sangre araucana en sus venas, que cualquier otro campesino típico del sur de Chile.

María Georgina Quitral Espinoza nació en la pequeña localidad costera de Iloca (provincia de Curicó), el 7 de noviembre de 1916, hija de un peón agrícola, Fidel Quitral Correa; y de una campesina, Fidelisa (Fidela) Espinoza Letelier (algunas versiones dicen que el nombre de la madre sería Elena). Su padre falleció siendo Rayén aún muy niña. Su madre trabajaba de empleada doméstica en una casa particular de Iloca.

Hasta los cinco años de edad vivió Rayén en Iloca con unas tías, hermanas de su madre. Después la llevaron a San Javier, donde comenzó a asistir a una escuela primaria, y de San Javier se trasladaron a Curicó, donde completó su instrucción, pues allí vivió de los siete a los quince años. Por entonces cantaba en fiestas familiares y en la iglesia. También realizó algunos estudios de piano.

A los quince años de edad, Rayén fue madre soltera. Una bondadosa señora alemana se hizo cargo del niño y costeó su educación.

Alrededor de 1932, el dentista santiaguino Alfredo Avaria le escuchó cantar y, entusiasmado, logró que la señora Quitral y su hija se fueran a trabajar a su casa en Santiago.

El dentista hizo que su paciente, el empresario teatral chileno Ignacio Benítez Gallardo, la escuchara en su consultorio (Rayén cantó, escondida tras una puerta, el tango de Luis Martínez Serrano, ‘Donde estás corazón’) y Benítez, entusiasmado con esa prodigiosa voz, la llevó a la casa de la prestigiosa maestra de canto doña Emma Ortiz.

Esta dama, cuyo nombre real era Emma Wachter Ortiz de Thomassen, de origen bávaro, le dio primero clases en forma particular, y luego le hizo ingresar al Conservatorio Nacional de Música, en 1935, donde Emma Ortiz fue su profesora de canto; María Elena Blum, de piano; y el maestro Pizzi, de teoría y solfeo.

Rayén Quitral

[Ay, ay, ay... (Osmán Pérez Freire), 1953]

La primera presentación pública de Rayén Quitral fue en el Teatro Club de Señoras, posiblemente en marzo de 1937, en una presentación que ahí realizó Emma Ortiz con sus alumnas más aventajadas. Luego se presentó en el Teatro de Sewell.

Aún estudiaba cuando se le ofreció un ventajoso contrato para presentarse en conciertos. Como la dirección del Conservatorio pusiera inconvenientes, Rayén optó por retirarse. Su debut no pudo ser en el Teatro Municipal, pues se la consideró muy joven y sin experiencia, pero lo realizó en el Teatro Central, el 31 de mayo de 1937, en uno de los tradicionales conciertos de los días lunes, con un programa de dos horas de duración y las localidades agotadas.

Repitió este concierto en el Teatro Central y en otros como el Teatro Santa Lucía y el Teatro Oriente, tanto en la capital como en el resto del país, durante tres meses. Entre ellos destacaron sus exitosas presentaciones en el Teatro Municipal de Concepción y en el Casino de Viña del Mar junto al violinista Pedro D’Andurain.

El 29 de abril de 1938 se presenta en el Teatro Solís de Montevideo en un concierto, acompañada al piano por su maestra, Emmita Ortiz. Es anunciada como “concierto de la soprano araucana Rayén Quitral”. Siguen actuaciones en Radio Baquedano de la capital y un ‘concierto de despedida’ en el Teatro Caupolicán, y en agosto viaja a Argentina.

Rayén Quitral

[Una voce poco fa, El barbero de Sevilla, Rossini. 1938]

En septiembre de 1938 debuta como concertista en Buenos Aires, realizando cuatro conciertos en el Teatro Politeama, y graba en esa misma ciudad sus dos primeros discos (‘Una Voce poco fa’, de Il Barbiere di Siviglia, con ‘L’angui d’inferno’, de Il flauto magico, disco Victor N° 36211 (12”); y las canciones ‘El Copihue Rojo’ y ‘Canción Araucana’, disco Victor N° 38332 (10”). También en el mismo año es contratada por Radio Belgrano (LR3), en la cual permanece durante cuatro años con un mismo auspiciador.

De regreso en Chile, el 4 de diciembre de 1938 cantó (sin micrófono) en la inauguración del Estadio Nacional de Santiago, siendo acompañada por el tenor mexicano Juan Arvizu. Los dos años siguientes los pasó prácticamente entre Argentina y Chile, y presentaciones en Radio Belgrano. En la temporada de diciembre 1939 y enero 1940 tuvo ocasión de compartir honores con dos grandes de la lírica internacional: el tenor español Hipólito Lázaro y el tenor italiano Tito Schipa.

En diciembre de 1940 dio conciertos en diversos teatros de Lima y en Radio Nacional de Perú, con motivo de las fiestas del Centenario de Arequipa. En Perú era anunciada como “la voz extra humana”.

Rayén Quitral

[Der Hölle Rache, aria de la Reina de La Noche, La flauta mágica, Mozart. 1938]

En su debut en el Teatro Municipal de Lima, cantó el aria de la Reina de la Noche de La flauta mágica, la canción ‘Mapuche’, lieder de Brahms y Schubert, para finalizar con ‘El Copihue Rojo’.

En su segundo concierto cantó ‘Ardon gl’incensi’ de Lucia di Lammermoor. Entonces vino uno de los grandes terremotos que destruyó gran parte de la ciudad. Rayén permaneció en la ciudad cantando en Radio Nacional y luego dio un concierto de despedida en el Teatro ‘Marsano’ de Miraflores, cantando ‘Ah! fors’è lui’ y ‘Sempre libera’, de La Traviata, con unos agudos que “eran verdaderos cañonazos”.

De vuelta en su país, Rayén cantó durante los primeros meses de 1941 en Valparaíso, Viña del Mar y Santiago, realizando luego largas giras por el sur del país.

El maestro Erich Kleiber, que la había escuchado cantar en conciertos, la solicitó para el rol de la Reina de la Noche, en el estreno argentino de La flauta nágica de Mozart. Tanto Kleiber como la ilustre cantante y maestra Edita Fleisher la prepararon para este rol, con el cual debutó en el Teatro Colón de Buenos Aires el 12 de septiembre de 1941.

En esta obra compartió honores con el tenor Charles Kullmann y el bajo Alexander Kipnis. Se dieron cinco funciones de esta obra. Al año siguiente, el maestro Fritz Busch repuso La flauta mágica en el Colón y nuevamente es llamada Rayén Quitral para el rol de Reina de la Noche, junto al tenor Edward Kein y el bajo Giacomo Vaghi. La primera de las seis funciones tuvo lugar el 18 de agosto de 1942.

Poco antes, el 16 de julio de 1942, había debutado en el Teatro Municipal de Santiago, en el rol protagónico de Lucia di Lammermoor. Dos funciones de esta ópera y un exitoso concierto el día 31 de julio constituyeron el aporte de Rayén a esa temporada lírica.

Después de cantar en el Teatro Colón, Rayén Quitral realizó largas giras de conciertos, cantando en las principales ciudades de las provincias argentinas. Regresó a Chile en febrero de 1943 con recitales en Valparaíso y Viña del Mar.

Rayén Quitral

[La tierra (Emmita Ortiz—Gabriela Mistral), 1953]

Aunque duela admitirlo, Chile no quiso o no supo explotar la riqueza de Rayén Quitral en su mejor época. Además de las dos funciones de Lucia ya mencionadas, su contribución a la ópera nacional en treinta años de carrera artística, se redujo a una aislada función de Rigoletto, al término de la temporada, el 16 de octubre de 1943, junto al tenor Bruno Landi y el barítono Daniel Duno.

Siguieron conciertos en Uruguay, Perú, Brasil, Cuba, Estados Unidos (donde fue ventajosamente contratada por el empresario Sol Hurok) y Canadá.

En Nueva York fue acogida en la casa del célebre pianista chileno Claudio Arrau. Éste le ofreció su casa y además se preocupó personalmente de pulir ciertas vulgaridades en su interpretación y musicalidad. Cuando Arrau creyó que su alumna estaba lista para cantar en un escenario, logró sin grandes problemas una audición para el Metropolitan Opera de Nueva York. Antes de dirigirse al teatro, Arrau, una vez más le hizo hincapié en lo que le había enseñado.

El 21 de noviembre de 1944 tuvo lugar la audición. Rayén cantó el aria de la Reina de la Noche de La flauta mágica y la Escena de la Locura de Lucia di Lammermoor. Los Archivos del Metropolitan Opera registran lo que sigue: “Extraordinary voice, was so nervous that she was unmusical, undisciplined. Needs much work” (”Voz extraordinaria. Estaba tan nerviosa que se mostró antimusical, sin disciplina. Necesita trabajar mucho”).

Por supuesto, no fue contratada y Arrau, muy molesto con su ‘indisciplinada” alumna, no quiso saber nada más de ella. Tengo en mi poder una funda de un disco 78 rpm Columbia que dice: “The world’s greatest artists on the world’s finest records” (”Los más grandes artistas del mundo en los mejores discos del mundo”). Y luego una lista de grandes de la música como Ezio Pinza, Lily Pons, Torsten Ralf, Paul Robeson, Risë Stevens… y Rayén Quitral.

Esto me hace creer que, posiblemente, antes de la malograda audición, Arrau consiguió que Rayén Quitral grabara algunos discos para la Columbia americana. Sin embargo, al no obtener el contrato con el Metropolitan, los discos jamás se publicaron y es más que probable que las matrices fuesen destruidas. Así fue como Rayén Quitral perdió la mejor oportunidad de convertirse en una soprano de renombre internacional.

En algunas entrevistas que he tenido oportunidad de leer, la soprano menciona con absoluto desparpajo haber cantado en el Metropolitan Opera, Carnegie Hall, Opera de París y Scala de Milán. Mis investigaciones demuestran que, lamentablemente, nada de esto fue verdad.

En 1945 viajó a México y obtuvo uno de los mayores éxitos de su carrera al participar en el ‘estreno’ en Ciudad de México de la ópera El rapto del serrallo, de Mozart. Se dieron dos funciones, los días 14 y 16 de agosto de 1945, en el Teatro de las Bellas Artes. Rayén cantó el rol de Konstanze y a su lado estuvieron el tenor Romulo De Spirito (Belmonte), la soprano Ruby Mercer (Blonde), el bajo Salvatore Baccaloni (Osmin), el tenor Carlos Sagarmínaga (Pedrillo) y el bajo Gilberto Cerda (Selim). Dirigió el maestro Walter Herbert.

En su libro Cincuenta Años de Opera en México, Carlos Díaz Du-Pond la describe así: “… una chilena con una voz fabulosa de soprano que pudiéramos llamar ‘única’, pues tenía una extensión fenomenal”. Rayén Quitral se radicó por varios años en la capital mexicana, donde cantó en radio auspiciada por la Lotería Nacional.

En 1949 volvió a Chile para tres conciertos en el Teatro Municipal y presentaciones en Radio Sociedad Nacional de Agricultura. El 19 de septiembre de 1949 dio un concierto en el Teatro 18 de Julio de Montevideo, acompañada al piano por Darío Sorin. Luego vinieron conciertos en Francia y en Italia. El 30 de abril de 1950 se presentó en un concierto en el Teatro della Pergola, en Florencia. La crítica de Il Mattino dell’Italia Centrale dijo que “… el público aplaudió vivamente”, pero agregaba: “… no ha confirmado plenamente todavía la bella fama con que era anunciada al público florentino. La entonación no es siempre segura….”.

El 6 de enero de 1951 tuvo lugar su ya legendario debut en el Royal Opera House Covent Garden de Londres, con la ópera La flauta mágica. Se dieron cinco funciones, los días 6, 17 y 26 de enero; y 7 y 19 de febrero, y la obra fue cantada en inglés.

El reparto fue el siguiente: Peter Pears (Tamino); Uta Graf (Pamina); Rayén Quitral (Reina de la Noche); Jess Walters (Papageno); Iris Kells (Papagena); Marian Nowakowski/Norman Walker (Sarastro), Parry Jones (Monostatos). Erich Kleiber (director de orquesta).

Rayén cantó la primera función en inglés, pero después la empresa la autorizó para cantar su rol de la Reina de la Noche, en idioma alemán. Aunque estas funciones tuvieron gran éxito de público (Rayén Quitral declaraba en una entrevista que los mismos reyes de Inglaterra aplaudieron de pie su interpretación…; queremos creer que la historia es verdad), la crítica fue algo reservada. Así el Daily Telegraph del 8 de enero de 1951 comentaba que “… hizo una eficiente, pero áspera (harsh) Reina de la Noche…”.

Vuelve a Chile y el 3 de septiembre de 1951 dio un concierto en el Teatro Municipal acompañada por Carlos Oxley al piano, pero los críticos chilenos, haciendo gala de severidad, le criticaron su “vulgarismo” y su “despliegue de sonoridad”. El 10 de octubre del mismo año se presentó en el Teatro Central en un concierto a beneficio de la Universidad Popular Juan Enrique Concha.

Nuevamente parte para realizar giras de conciertos por países sudamericanos. El 14 de octubre de 1952 da un único concierto en el Teatro Municipal con Free Focke al piano. Luego regresa a Argentina. Allí, el 9 de julio de 1953, se presenta por última vez en el Teatro Colón de Buenos Aires participando en un concierto de Bailes y Cantos Folklóricos.

Rayén Quitral

[La tranquera (Osmán Pérez Freire—Antonio Viergol), 1953]

Tras una ausencia de dos años, en 1953 regresa a Chile para grabar diez temas para el sello verde de RCA Victor. Estos cinco discos 78 rpm, más los dos grabados en 1938 en Argentina, son su única herencia fonográfica. A fines de ese año dio un único concierto en el Teatro Municipal.

El 27 de enero de 1954 participó en la velada inaugural del Teatro SATCH (actual Teatro Carlos Cariola) junto a numerosos artistas, entre los que también se encontraban la soprano Marcela de la Cerda y el bajo Claudio Robles.

También en 1954 recibió la distinción del ‘Caupolicán’, como la mejor cantante lírica nacional, premio que otorgaba anualmente la Asociación de Cronistas de Cine, Teatro y Radio.

Rayén Quitral

[Una pena y un cariño (Lily y Mercedes Pérez Freire—María Pascal Lyon), 1953]

En 1954, cuando en Chile se ‘estrenó’ La flauta mágica, no fue Rayén Quitral la escogida para su famoso rol de la Reina de la Noche. Una joven soprano, entonces casi desconocida, Victoria Canale, cosechó los laureles que en justicia debieron ser para Rayén. Victoria Canale, entonces llamada Victoria Espinosa, de bellísima voz y figura, realizó una importante carrera en Alemania y España, donde grabó la ópera Marina junto al tenor Jaume Aragall.

En 1956 el gobierno alemán le otorgó a Rayén Quitral una beca para perfeccionarse en el Deutsche Akademische de Hamburgo. Son tres años de estudios y estrecheces. Compra un piano y para poder pagarlo tiene que fabricar empanadas y ver la suerte (tarot). Incluso no tiene luego dinero para volver a Chile. Obtiene el primer premio en el Conservatorio de Bonn, como la mejor intérprete de Wagner y Lieder, y en marzo de 1960 vuelve a Chile, convertida en una soprano dramática. Sin embargo, su voz ya no era la de antes.

No obstante su éxito en Alemania, tiene que pagar diez mil pesos a un diario para que publique la noticia de su regreso a la patria. Poco después enferma de gravedad en Santiago y los artistas chilenos deben hacer un festival para costear las operaciones y medicamentos. Finalmente, el gobierno chileno le otorga una pensión vitalicia para que pueda vivir, si no con holgura, al menos con dignidad.

A partir de 1961 sus actuaciones fueron pocas y, triste es reconocerlo, sin mucho éxito ni de crítica ni de público. Esporádicas intervenciones radiales y algún que otro concierto parecen haber sido las máximas oportunidades que Chile brindó a esta gloria nacional.

En marzo de 1967, treinta años después de su debut, dio su adiós definitivo a la escena, con una serie de recitales en el Teatro Municipal de Viña del Mar y en el Casino de la misma ciudad.

En los últimos años de su vida se desempeña como Profesora de Coros en el ‘Open Door’ (hospital psiquiátrico) y en el Sanatorio El Peral. También hace clases de música en escuelas industriales y liceos fiscales de Santiago. En 1975, en el Acto de Graduación de las alumnas del Liceo N° 26, Rayén Quitral alzó su voz, una vez más, para cantar en el Teatro Gran Palace ‘El Copihue Rojo’. Fue su canto de cisne.

En su vida privada Rayén Quitral no tuvo suerte. De su unión con el chileno-alemán Hans Krefft, quien la protegió y cultivó en sus primeros años de carrera, tuvo un hijo, Jorge Krefft Quitral, que falleció de cáncer en 1974, a los 36 años de edad.

En Buenos Aires, alrededor de 1938/39 se enamoró y se casó con el administrador teatral argentino Salvador Saldías. Juntos viajaron a Estados Unidos y México. Y fue en este último país en que Saldías la abandonó, llevándose todo el dinero que Rayén había logrado reunir por sus presentaciones. El divorcio tuvo lugar en 1947. Según el investigador peruano Alejandro Yori, a partir de ese momento Rayén se dedicó a una vida disipada sin control alguno.

Sus desilusiones artísticas y familiares, la soledad en que vivía, las dificultades económicas que enfrentaba, la llevaron poco a poco a un derrumbe físico prematuro. Afectada del corazón y padeciendo una aguda afección hepática, con hemorragia digestiva, que no quiso curarse a tiempo, debió internarse de urgencia en el Hospital San Juan de Dios, el día 4 de octubre, donde 16 días después, el sábado 20 de octubre de 1979, a las 11:55 a.m. Rayén Quitral, la ‘flor de fuego’, se extinguía para siempre.

La prensa que tan esquiva le fue en los últimos años, cubrió ampliamente este triste final. Rayén pidió expresamente que no hubiera periodistas en su funeral. Después de una misa celebrada el domingo 21 de octubre, en la Basílica de la Merced, sus restos fueron llevados al Cementerio Metropolitano de la capital, donde Rayén descansa para siempre.

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Extractos de críticas de prensa de sus primeros años

“El lunes último logró Rayén Quitral producir una vez más un lleno absoluto con sus recitales líricos, pues la sala del Central no pudo contener al público que con insistencia pedía localidades. Se producía un fenómeno parecido en sus efectos al que Rubinstein causó en el Municipal, pero con la diferencia de que en el caso del pianista se trata de un virtuoso que se ha labrado una fama después de treinta años de actuación, en tanto que Rayén Quitral inicia recién su carrera artística.

Esto habla por sí sólo respecto de los méritos y las condiciones que posee su voz. Trátase de una cantante generosamente dotada, que tiene un absoluto dominio sobre todo su registro, tanto bajo como central y sobreagudo, que vocaliza con claridad, y que luce en su voz seguramente impostada, una ductilidad, una belleza de timbre y un vigor en verdad poco comunes. A todas estas características, únese en Rayén Quitral un temperamento de rara musicalidad, y tan depurado, que puede interpretar cualquier trozo devolviéndole su auténtico estilo.

Su próximo recital, tendrá lugar mañana en el Teatro Oriente”.

“Hay en Rayén Quitral una gran cantante lírica en potencia, pues difícil es imaginar voz más fresca, de timbre más grato, de más fácil emisión y extensión igual todo lo que concurre a señalar en la joven artista de veinte años un cúmulo de cualidades naturales, de las que puede esperarse el máximo para el futuro”.

“Se trata realmente de una cantante que posee notables dotes naturales, como ser un registro de gran extensión que en la región aguda llega a límites poco frecuentes y cuya parte central acusa una cálida sonoridad y un timbre de mucha pureza. Hay en Rayén Quitral facultades que podrán llevarla muy lejos en el terreno del teatro lírico y proporcionarle ruidosos éxitos. Su voz tiene ahora la generosidad de los veinte años, es robusta y responde a todas las exigencias.”

“Efectivamente, Rayén Quitral posee una voz de singular extensión, que halla su más grata calidad de timbre y su mayor justeza de emisión en el registro medio, cálido, pastoso y muy claro. Es evidente que la vastedad de sus recursos vocales le permite realizar proezas notables en los agudos, precisos, potentes y nítidos. El público aplaudió calurosamente a Rayén Quitral en su audición de presentación, obligándola a agregar varias obras más fuera de programa.”

El pasado 13 de enero falleció en su residencia de Piamonte, el bajo barítono italiano Wladimiro Ganzarolli. Descanse en paz.

“A lo largo de su dilatada carrera actuó en los más importantes coliseos operísticos de Europa y América, representando papeles tan significativos como los de Leporello, Scarpia, Escamillo, Lescaut o Falstaff. Asimismo realizó numerosas grabaciones para los sellos discográficos más importantes.  Estaba casado con la intendente del Palau de les Arts Reina Sofía, Helga Schmidt”.

“Ganzarolli contaba 78 años —los cumplió el pasado 9 de enero— y era uno de los cantantes más versátiles y completos de su gran generación. Belcantista reconocido y mozartiano cuando casi nadie interpretaba al genio de Salzburgo, su poderosa voz de auténtico barítono triunfó en los mejores teatros del mundo. Desde su debú en el Teatro alla Scala fue, durante decenios, uno de los cantantes favoritos del exigente público escalígero, al que brindó los papeles de Fígaro, Leporello, Guglielmo, Méphistophélès, Dulcamara, Ali Baba, Cardillac, Sulpice o Nevers. (…)

Fue particularmente aclamado por el cálido público del Teatro Colón de Buenos Aires, donde triunfó con óperas como La italiana en Argel, I quatro rusteghi, Las bodas de Fígaro o Guillermo Tell. También participó asiduamente en el Festival de Aix-en-Provence, donde formó una pareja emblemática con Teresa Berganza, hasta el punto de que en medios musicales se referían a este famoso festival como Festival BerGanzarolli”.

Wladimiro Ganzarolli: Se vuol ballare…, cavatina de Fígaro del Primer Acto, Escena II,  Las bodas de Fígaro, Mozart.
BBC Symphony Orchestra & Chorus. Dirige: Sir Colin Davis.

(Gracias, Paco Roa)