El pasado 20 de octubre, Josep Carreras presentó sus memorias en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, escritas a dúo con el periodista y escritor Màrius Carol. “Los amantes de la ópera conocen mi trayectoria, pero aquí cuento cosas que me pasaron durante la aventura de crear Los Tres Tenores o cuando asumí la dirección musical de los Juegos Olímpicos, que nunca había contado públicamente”.

A viva voz está disponible en castellano (Plaza Janés) y catalán (Rosa dels Vents). Cuenta también con una traducción en alemán.

“Llegando casi a los 65 años, he pensado en dar un vistazo al retrovisor y recordar lo que ha sido mi vida, tanto en el aspecto profesional como en el aspecto personal, e intentar explicárselo a la gente, a las personas. Y también intentar explicar cuál es mi visión de ciertos aspectos de nuestra vida, de nuestra sociedad”.

Primeras páginas del libro:

«Eran las dos de la tarde cuando Josep Carreras, con veintiocho años, salió del Teatro de la Scala de Milán por la puerta de artistas, situada en la via Filodrammatici. Antes de cruzar la plaza, miró con orgullo un cartel en la fachada del templo lírico que anunciaba la ópera Un ballo in maschera donde se podía leer su nombre en el papel de Riccardo, junto a los de Montserrat Caballé, que interpretaba a Amelia, y Renato Bruson, que representaba a Renato. Inesperadamente, sintió un escalofrío que le recorrió el cuerpo, a pesar de que lucía un sol de invierno que confortaba.

No se dejó intimidar por la sensación de abismo que por un momento le embargaba, así que se subió el cuello del abrigo, respiró profundamente y caminó con paso firme en dirección al Palazzo Marino para alcanzar la via degli Omenoni, donde tenía su apartamento Giuseppe di Stefano. El tenor italiano, un divo con una personalidad desbordante por el que Carreras sentía una profunda admiración desde que era muchacho, le había hecho llegar durante un ensayo una nota en la que le proponía ir a almorzar a su casa para probar unos espaguetis cocinados con pasión y poder charlar un rato sin atender al reloj.

Al pasar junto al monumento a Leonardo da Vinci, en mitad de la plaza, alzó la mirada y pensó que el escultor había reproducido al artista con una cara de preocupación que debía parecerse a la suya ante su debut en el más universal de los teatros del bel canto del mundo. A Carreras, las emociones se le acumulaban: iba a debutar en la catedral de la ópera y, unos días antes, su ídolo Di Stefano le abría las puertas de su casa en una evidente señal de afecto personal y de respeto artístico.

El tenor siciliano vivía en el primer piso de un inmueble señorial, en el número 2 de la via degli Omenoni. Era un apartamento espacioso, sobrio y elegante,con una decoración contenida y muebles clásicos, que Di Stefano compartía con su esposa Maria, una atractiva estadounidense, y los hijos del matrimonio. El salón, con grandes sofás de color blanco, disponía de un piano; apenas había referencias a la dilatada carrera del tenor, más allá de un par de carteles de unas primeras funciones en México o Estados Unidos, un disco de oro y unos pocos galardones seleccionados. Al tenor le obsesionaba que la casa pudiera parecer un templo a mayor gloria suya, cuando en realidad era el ámbito dedicado a su familia, por la que sentía verdadera devoción.

Cuando Di Stefano le abrió la puerta, le saludó exultante. Le ayudó a quitarse el abrigo y la bufanda, y le cogió por el hombro amistosamente para presentarle a su parentela. Carreras siempre recuerda la cordialidad con que le trató (”por favor, llámame Pippo”), de la misma manera que conserva la memoria gustativa de los spaghetti al pomodoro e basilico que le sirvió en la mesa, mientras descorchaba un vino piamontés que podía revivir a un muerto.

Durante el almuerzo charlaron animadamente como si fueran dos viejos amigos. Desde que cruzó el umbral de la puerta se sintió inesperadamente cómodo, por lo que a la hora del café no tuvo reparos en pedirle consejo sobre un asunto que le tenía obsesionado: una de las primeras frases que pronuncia el personaje de Riccardo en Un ballo in maschera es aquella que dice “amici miei… soldati. E voi del par diletti a me”, y Carreras no estaba satisfecho de cómo le salía la nota “del par”. Di Stefano lo escuchó con atención, como el médico que atiende a un paciente preocupado por su dolencia y, cuando hubo concluido, esbozó una sonrisa antes de responderle: “No tienes que preocuparte, Josep. ¿Sabes por qué? Porque esta nota nunca sale bien”.

Di Stefano podría haberle dado un consejo de maestro a discípulo, podría haberle sugerido que debía concentrarse en llevar el sonido a la máscara, impulsando la voz desde el diafragma e imaginando que ésta no salía por la boca sino por la nuca, y Carreras hubiera quedado fascinado. Un poco más incluso que antes de entrar en el apartamento. Pero él prefirió quitarle hierro al asunto, dar confianza al colega, tratarle como una figura de la ópera que sabría encontrar la solución a su problema, sabiendo que lo peor que puede ocurrirle a un cantante es obsesionarse con una nota por complicada que ésta sea o pueda resultarle. Di Stefano era también un maestro en las relaciones personales.

Debía de tener once años cuando me compraron un tocadiscos, un Kolster Dualette en forma de maletín, que mis padres adquirieron en una tienda de electrodomésticos de la calle Pelayo, en Barcelona. Uno de mis primeros discos fue un elepé de 33 revoluciones, del sello La voz de su amo, con una selección de canciones napolitanas interpretadas por Giuseppe di Stefano, que incluía cinco temas por cara, entre las que figuraban ‘O sole mio’, ‘Core ‘ngrato’, ‘Torna a Surriento’ o ‘Santa Lucia’.

Lo ponía a todas horas, porque me entusiasmaba el sentimiento con que cantaba. Cinco años después, pude escuchar a Di Stefano en el Liceu representando el papel de Riccardo en Un ballo in maschera, que me deslumbró no sólo por la manera en que cantaba sino por cómo sabía ponerse en la piel del personaje.

Desde aquel día, mi admiración sólo hizo que aumentar: en los años en que estudiaba con el maestro Jaime Francisco Puig, que había dado clases a Jaume Aragall, me gustaba oír en casa nuevas grabaciones del tenor de Catania, que escuchaba con delectación mientras pensaba en cómo se expresaría en el escenario.

En 1971, me presenté al Concurso de Voces Verdianas de Parma animado por Giuseppe de Tomasi, que era director de escena del Nabucco de Verdi (producción del Liceu de 1970), y Lluís Andreu, por entonces adjunto al director del mismo teatro y que incluso me acompañó para darme seguridad.

Tuve la suerte de ganar, pero además tuve también la fortuna de que alguien hubiera recomendado a Di Stefano que fuese a la sesión final, porque había un joven tenor barcelonés cuya voz recordaba increíblemente a la suya en sus comienzos en la ópera. Cuando antes de esta última jornada la organización nos informó de que el maestro se encontraba en Parma y que nos saludaría y nos dirigiría unas palabras, me puse aún más nervioso: la camisa no me tocaba el cuerpo.

Eran demasiadas emociones para tan pocas horas. El azar quiso que cantara el aria de Riccardo que le había visto interpretar en el Liceu y con la que cuatro años después debutaría en La Scala de Milán, donde de nuevo iba a estar mi ídolo en el patio de butacas. Fue excitante verle bajar de su impresionante Rolls-Royce, darle la mano, tembloroso, y escuchar su voz para animarme. No me pareció un divo en el sentido negativo de la palabra. No vi en él a un personaje altivo, arrogante o endiosado; al contrario, tuve la sensación de estar ante un individuo afable, asequible y cercano. Recuerdo que me dijo que con mi voz y mi manera de cantar podía llegar muy lejos, aunque me advirtió que siempre sería indispensable una cosa: “tieni duro”, es decir, “ten determinación”.

Dos días antes del estreno de Un ballo in maschera en La Scala se llevó a cabo el ensayo general, al que acudió Di Stefano. La nota “del par” salió correctamente y Carreras llegó al final del primer acto más que satisfecho. Sin embargo, una llamada inesperada a la puerta de su camerino le cambió la cara. Allí estaba Pippo, con semblante serio. Temió que no le hubiera gustado este principio del papel para el que no había querido aportar ningún consejo. Pero la cuestión era otra muy distinta: “Josep, tu no puedes debutar en La Scala con este traje de Riccardo. ¿No ves qué pinta tienes? ¡Pero si pareces el muñeco de Michelin!”.

Carreras se excusó: era el vestido que le habían entregado en el teatro. No había otro. Lo habían hecho a la medida de Giorgio Merighi, que medía un palmo más y pesaba cien quilos. El sastre había intentado meterle un poco de ropa de aquí y de allá, acortándole el pantalón, pero aun así se le veía desastrado. ¿Qué se suponía que debía hacer? Di Stefano le vio apurado, así que le dijo que no se preocupara. “Vuelve mañana a casa y veremos si encontramos algo más digno”.

Así lo hizo y esta vez Pippo se lo llevó directamente a su vestidor. El espacio era espectacular, pues colgaban a la vista cincuenta (¿o quizá eran sesenta?) trajes a medida de todos los personajes que había interpretado a lo largo de su dilatada carrera. Como si supiera el orden en que estaban colocados, se dirigió a un rincón y sacó triunfante la percha con el vestido de Riccardo. “Ésta es la indumentaria que tienes que llevar mañana”. Carreras se quedó mirando el traje pulcramente conservado y sólo acertó a decir: “Gracias, muchas gracias, maestro”.

Que el tenor al que quería parecerme desde niño me animara antes del concurso de canto de Parma me dejó sin palabras, que cuatro años después me cediera el traje con que había cantado en 1957 en La Scala, con Maria Callas, me llenó de satisfacción. Por cierto, en Parma gané interpretando, entre otras, una de las arias de Un ballo…, pero en Milán iba a interpretar toda la ópera en el mejor de los escenarios. No podía creer lo que estaba pasándome. El teatro milanés era la meta de mis sueños; debutar al lado de Montserrat Caballé resultaba un lujo, y que Giuseppe di Stefano me apadrinara suponía tocar el cielo.

Tengo grabada esta fecha: el 13 de febrero de 1975. Era consciente de que estaba obligado a dar el máximo de mí, pero no tenía claro si ello iba a resultar suficiente para un público tan entendido y exigente. Yo era un joven tenor que el año anterior había debutado en tres grandes teatros como la Staatsoper de Viena, con el duque de Rigoletto; el Covent Garden de Londres, con el Alfredo de LaTraviata, y el Metropolitan de Nueva York, con el Cavaradossi de Tosca.

Pero La Scala era algo especial y por aquellos días todavía más. En el primer ensayo con la orquesta, cuando los músicos me aplaudieron después de interpretar la primera romanza, me sentí más seguro. Recuerdo que el día de mi debut el público arrancó en aplausos al concluir el aria de salida. Y la maldita nota “del par” salió bien. Así que los nervios empezaron a abandonarme casi sin darme cuenta y empecé a ser consciente de que aquélla podía ser mi gran noche.

El milanés no es un público fácil y suele ser especialmente crítico con aquellos papeles que parecen haber sido escritos para tenores italianos, pero nada de eso ocurrió, afortunadamente. Después de las frases previas al último cuadro, cuando Riccardo se enardece ante la perspectiva de volver a ver a su amada Amelia, los bravos espontáneos del público impidieron por unos momentos escuchar a la orquesta y me sentí extraordinariamente feliz.

La actuación de aquel día constituyó un éxito como nunca antes había conocido. Las críticas fueron igualmente entusiásticas; la verdad es que me abrumó leer lo que decían de mí. Y lo curioso es que también hacían mención al traje de Di Stefano que llevaba, porque se corrió la voz no sólo entre los expertos sino también entre el público de que el tenor me lo había prestado para la ocasión, y hubo quien vio en ello algo premonitorio, como un amuleto de la buena suerte. A partir de aquel triunfo, se me abrieron nuevos caminos que iban a conducir mi carrera hacia nuevos horizontes. Por ejemplo, pude trabajar con el que era uno de los grandes mitos musicales del siglo XX, el maestro Herbert von Karajan.

Su triunfo en La Scala se repitió las cinco noches en que cantó durante aquel mes de febrero. El día del estreno estaban en el patio de butacas André von Mattoni, secretario personal de Karajan, y Peter Busse, su asistente de dirección, quienes quedaron asombrados por la actuación de Carreras y no dudaron en llamar al maestro austríaco para comentarle la magnífica impresión que les había causado el joven tenor catalán, sugiriéndole que lo escuchara cuando tuviera oportunidad. Karajan era un hombre que tenía confianza ciega en su equipo, y unos meses después su mánager Emil Jucker preguntó a Carlos Caballé, que llevaba los asuntos profesionales de Carreras, si disponía de fechas libres en abril de 1976, porque al célebre director le gustaría que interpretara la parte del tenor de la Messa da requiem, de Verdi, en el Festival de Pascua de Salzburgo.

Me sentí eufórico con aquella oferta. Después de haber debutado en La Scala, nada podía hacerme más feliz que la posibilidad de ser dirigido por Herbert von Karajan. La oferta no se circunscribía sólo al Réquiem, sino que incluía interpretar, meses más tarde, el papel del príncipe del Don Carlo, de Verdi. De nuevo viví un momento soñado. Cuando veinte minutos antes del ensayo con orquesta de la misa pude saludarle, me impresionó su mirada azul, intensísima, brillante. “Espero que sepa perfectamente la partitura”, me dijo.

Le respondí que sí, intimidado. A mi derecha tenía al barítono José van Dam, el otro solista masculino, a mi izquierda las cantantes femeninas, que eran la soprano Montserrat Caballé y la mezzo Fiorenza Cossotto. Detrás estaba el coro y delante la Filarmónica de Berlín al completo. ¡Pero Karajan se encontraba allí delante, a apenas un metro de distancia, y el tenor es el primero en cantar en el Réquiem! Si el día de La Scala sentía mariposas en el estómago, aquel día en Salzburgo debía de tener un enjambre de abejas. No sabía exactamente qué pretendía de mí, y allí estaba yo ante aquel mito viviente, que me resultaba lo más parecido a Dios. La tensión que me invadía era brutal».

Vissi d’arte (Viena, 1988)

(Gracias, Paco Roa)

('Caras y caretas', Buenos Aires,11 de agosto de 1906).

“Poseyó una voz poderosa y homogénea, que le permitió abordar con comodidad el vasto dominio del repertorio italiano, desde fragmentos belcantistas hasta declamaciones veristas”, reseña Patrón Marchand sobre Riccardo Stracciari (1875-1955) en su libro Cien grandes cantantes del pasado.

Se sentía realmente identificado con los personajes que interpretaba. “La voz que nos dejan oír las viejas grabaciones Fonotipia y Columbia luce pareja y suntuosa en la mayoría de los casos y lo coloca, sin ninguna duda, entre los primeros barítonos de su generación como De Luca, Scotti, Galeffi, Ruffo, Danise y Amato“.

Riccardo Stracciari cantó La traviata en el Teatro Real de Madrid, junto a Rosina Storchio (la creadora del personaje de Cio-Cio-San, de Madama Butterfly) en noviembre y diciembre de 1909.

Rosina Storchio, la primera Cio-Cio-San.

La crítica de prensa que reproducimos a continuación corresponde a la primera representación, 25 de noviembre de 1909, y fue publicada en La Nación Militar dos días después, el 27 de noviembre.

Junto a Storchio y Stracciari cantaron Taccani, Verdaguer, Del Pozo, Oliver. Dirigió Ricardo Villa. La representación se repitió el 28 de noviembre y el 1, 5 y 9 de diciembre de 1909 (Historia del Teatro Real. Joaquín Turina).

* * *

Los teatros

De telón afuera

Después de Carmen y Tannhauser hemos escuchado La Traviata de una manera soberbia, en la que la Storchio y Stracciari dieron una prueba más de lo mucho que valen.

Ambos rivalizaron y se completaron de modo admirable en la famosa ópera de Verdi.

Rosina Storchio ('Por esos mundos', Madrid, 1 de mayo de 1910.

En la Storchio no se sabe qué celebrar más, si la dulzura de su preciosa voz o las singulares dotes de gran actriz que posee.

¡Qué manera más delicada, más sentida, más artística, en una palabra, de representar a Violeta!

El público, subyugado realmente ante tan perfecta manera de interpretar la obra y ante tan admirable escuela de canto, interrumpió con gran frecuencia a la artista para tributarle justísimas ovaciones. El aria del primer acto, el dúo del segundo y la escena final de la obra, muy especialmente, produjeron hondo efecto, siendo la señora Storchio aclamada con entusiasmo.

'Por esos mundos' (Madrid), 1 de mayo de 1910.

Otro tanto puede decirse de Stracciari. Este, que ya en Tannhäuser fue reconocido como un gran cantante, anoche causó un verdadero alboroto desempeñando la parte de Jorge (sic) Germont.

Es el Sr. Stracciari un artista de méritos altísimos, que cautiva por su magnífica voz, su impecable dicción y su refinado estilo de canto.

En el dúo con la Storchio, estuvieron ambos a la misma altura. Es el mayor elogio que de Stracciari se puede hacer.

Todos los demás artistas tuvieron una interpretación admirable, y la orquesta y coros, como siempre, y ovacionada por todos conceptos.

La soprano rumana Roxana Briban nació en Bucarest en 1971. Comenzó a estudiar violín a los seis años de edad. Posteriormente inició sus estudios de canto con Maria Slatinaru-Nistor en la Academia de Música de Bucarest. Pronto se destacó y ganó,  a partir de 1999, varios concursos importantes como el Magda Ianculescu, George Enescu, Hariclea Darclee y Ludovic Spiess.

Debutó en la Ópera Nacional de Bucarest, en el 2000, como la Condesa en Las bodas de Fígaro. El mismo año realizó una gira por Francia, cantando Violetta en La traviata y Elisabetta en Don Carlo. También cantó en España, pero en un repertorio sinfónico.

El 2001 la llevó nuevamente a Francia. En el 2002 cantó en  Bangkok (Tailandia) —donde interpretó a Nedda en Pagliacci— y una vez más en Francia: Aida, La traviata y concierto homenaje a Maria Callas. A los 32 años (2003) debutó en la Wiener Staatsoper como Micaela en Carmen y cantó en Tesalónica (Grecia) el rol de Aida.

Roxana fue artista del conjunto estable de la Ópera del Estado de Viena (hasta el 2010) y de la Ópera Nacional de Bucarest, hasta el año 2009. En Viena, además de Micaela, cantó Mimì en La bohème, Elvira en Don Giovanni, Amelia en Simon Boccanegra, la Condesa en Le nozze di Figaro y Cio-Cio-San en Madama Butterfly.

Además se presentó en Berlín, Leipzig, Wiesbaden, Toulouse, Massy, Toulon, Liege, Ámsterdam, Luxemburgo, etc. En el 2007 cantó el Requiem verdiano en Roma, frente a la Basílica de San Pedro, y participó en una gira por países asiáticos que realizó la Ópera de Viena (Seul, Taipei, Singapur), cantando Le nozze di Figaro. En 2008 cantó en Busan (Corea del Sur) en la ópera Aida.

Participó en dos temporadas en el Teatro Municipal de Santiago de Chile. En el 2005 cantó tres funciones de Aida, junto al tenor chileno José Azócar; y en el 2006, cuatro funciones de Don Giovanni (Doña Elvira).

En el 2009, el director de la Ópera Nacional de Bucarest, Catalin Ionescu Arbore, la conminó a dejar la Ópera de Viena y dedicarse exclusivamente a la ópera rumana. Ella rehusó y se le canceló su contrato con la ópera de Bucarest. A partir de entonces, cayó en  una profunda depresión, que, al parecer, la indujo al suicidio, cortándose las venas de las muñecas.

Fue el 21 de noviembre de 2010. Tenía sólo 39 años de edad.

Fuentes: sitio web de Roxana Briban y Associated Press

"Diferentes expresiones del gran barítono en la ópera de Verdi" ('Actualidades', Madrid, 27 de enero de 1910).

María Galvany ('Album Salón', 1 de enero de 1906).

13 Noviembre 2010, a las 2:37

(Gracias, Victoria)

[Fotos: cortesía de Charles Mintzer y Ópera Nostalgia]

Agosto 2010

El pasado 15 de agosto de 2010 falleció en su ciudad natal, Novellara, el tenor italiano Franco Tagliavini (no confundir con el mucho más famoso Ferruccio Tagliavini).

Franco había nacido en Novellara (Reggio Emilia) el 29 de octubre de 1934. Realizó sus estudios de canto en el Liceo Musicale de Vercelli, con la otrora distinguida soprano Zita Fumagalli-Riva (1893-1994). En 1961 fue uno de los ganadores del Concurso de Canto “Aslico” (Associazione Lirica e Concertista Italiana). Este concurso le permitió debutar en 1962 en el Teatro Nuovo de Milán, como Canio en Pagliacci; y luego en el Teatro Bellini de Catania, como Cavaradossi en Tosca.

Cantó en todos los teatros importantes dentro y fuera de Italia. En La Scala de Milán debutó el 10 de abril de 1965 como Amenofi en Mosè, de Rossini. Cantó allí en varias temporadas, hasta diciembre de 1975, en el rol de Macduff en Macbeth. En el Metropolitan Opera de Nueva York debutó el 27 de marzo de 1970 como Pollione en Norma, con Joan Sutherland y Marilyn Horne.

En este teatro cantó durante seis temporadas, un total de 38 presentaciones. Además de la citada Norma, Cavalleria rusticana, Un ballo in maschera, Macbeth, Rosenkavalier, Tosca, Vespri Siciliani y Aida (solamente el tercer acto, en una función de gala, con Leontyne Price). Su última presentación allí fue en 1974.

En los Estados Unidos cantó también en San Francisco, Los Ángeles, Chicago, Dallas, Berkeley, Boston, Atlanta, Cleveland, Phoenix y San Diego.

Debutó en el Covent Garden de Londres, cantando Tosca y Norma. Participó en el Festival de Edimburgo, Maria Stuarda (con Leyla Gencer), y en varios festivales del Maggio Musicale Fiorentino. Entre los teatros italianos que más frecuentó, además de la Scala: la Ópera de Roma, San Carlo de Nápoles, La Fenice de Venecia, Regio de Parma, Comunale de Bolonia, la Arena de Verona y Termas de Caracalla en Roma. En Sudamérica solamente cantó en el Teatro Municipal de Río de Janeiro, dos funciones de Cavalleria rusticana, 9 y 11 de noviembre de 1979.

Franco Tagliavini, en 'Un Ballo in maschera'.

Actuó en Tokyo, El Cairo, Moscú, Berlín, Múnich, Bonn, Montecarlo, Bruselas, Lyon, Niza, París, Budapest, Sofía, Zúrich, Ginebra, Johannesburg, Pretoria. Tal vez uno de sus escenarios favoritos fue la Deutsche Oper de Berlín, en la que cantó en muchas temporadas, debut en 1969 en Tosca, con Pilar Lorengar, y donde creemos que se retiró definitivamente de la escena, en 1984 (La traviata, con Varády) y 1986 (Manon Lescaut, con Kabaibanska).

Después de su adiós a la ópera se retiró a su ciudad natal donde permaneció los últimos 30 años de su vida, junto a su esposa francesa Elyanne.

En el 2001 el Gobierno Italiano le otorgó el título de Cavaliere al Merito della Repúbblica Italiana.

En el 2010, debido a un “trauma ortopédico”, fue hospitalizado en el Hospital de Guastalla, donde permaneció durante cinco meses. Parecía recuperado, pero complicaciones respiratorias causaron su deceso a los 75 años de edad, el 15 de agosto de 2010, en Novellara.

Aunque la voz de Franco Tagliavini no fue lo que podría llamarse “una hermosa voz”, era muy musical, muy seguro y con un rango amplio que le permitía alcanzar las notas agudas con toda facilidad. Algunos obituarios en Internet mencionan, equivocadamente, que Franco habría cantado con Maria Callas y que también se habría presentado en el Liceo de Barcelona.

Estas informaciones son totalmente falsas. En España, solamente cantó en Bilbao, Oviedo y Madrid. Y si bien es cierto que no cantó con la Callas, sí lo hizo con otras distinguidas divas del momento, como Renata Tebaldi, Leyla Gencer, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Leonie Rysanek, Régine Crespin, Pilar Lorengar, Virginia Zeani, Katia Ricciarelli, Renata Scotto y Montserrat Caballé, sólo para citar algunas de las más famosas internacionales. Sin embargo, su más frecuente colega y apreciada amiga fue la soprano Raina Kabaivanska.

Fue un tenor muy apreciado por algunas de ellas, debido a su apostura y a su altura, de casi dos metros, que lo convertía en un excelente colega para sopranos “altas” como Tebaldi, Sutherland o Nilsson.

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Discografía comercial de Franco Tagaliavini

Discografía selectiva “live” de Franco Tagaliavini

Dragica (Carla) Martinis como Aida. 1953.

[Fotografía: cortesía de Ópera Nostalgia]

Agosto 2010 (versión actualizada)

El pasado lunes, 9 de agosto de 2010, a los 88 años de edad, falleció en Viena, la soprano croata Dragica (Carla) Martinis.

Había nacido en Danculovice (Yugoslavia) el 19 de enero de 1922, y tomó el apellido Martinis de su profesor de canto en el Conservatorio de Zagreb, con quien contrajo matrimonio.

Debutó en Zagreb, en 1942, como Mimì en La bohéme. En 1949 ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Canto de Ginebra. Después de cantar en Zagreb y Praga, fue contratada para la New York City Center, debutando en el rol titular de Turandot, en 1950. Permaneció con esta compañía durante dos temporadas.

Debutó en la Ópera Estatal de Viena el 14 de diciembre de 1950, en Turandot, junto a la soprano Irmgard Seefried (Liu) y el tenor Helge Roswänge (Calaf). El 18 de diciembre fue Tosca, nuevamente con Roswänge y el barítono Alfred Jerger. La crítica la celebró como sigue:

“Para este exigente rol, la señorita Martinis tiene una voz opulenta y extensa, que es aún más rica en el registro agudo, un sonido de inmenso brillo que sin embargo agrada al oírlo” (Wiener Zeitung- Turandot)

“La voz, brillante y cálida, asciende sin esfuerzo al registro agudo, con un ataque ligero y libre. El fraseo, apoyo y cambio de registro son impecables. El registro medio, pleno y rico. Tiene una maravillosa presencia escénica, que contribuyó a conquistar rápidamente a la audiencia” (Neues Oesterreich- Tosca).

El 5 de febrero de 1951, siempre en Viena, fue escogida por Herbert von Karajan para una versión concierto de Aida con el tenor alemán Lorenz Fehenberger, la mezzosoprano estadounidense Nell Rankin y el barítono italiano Giampiero Malaspina. Cantaron en italiano y fue transmitida por radio, lo que ha permitido que actualmente pueda ser disfrutada en CD.

El 1 de julio de 1951, junto al conjunto del Teatro San Carlo de Nápoles, debutó en la Opera de París como Amelia en Un ballo in maschera, con Ferruccio Tagliavini, Ebe Stignani, Alda Noni, y Paolo Silveri.

El 7 de agosto de 1951 participó en el Festival de Salzburgo, cantando Desdémona junto al Otello del tenor chileno Ramón Vinay, el barítono Paul Schöffler y el tenor Anton Dermota (Cassio), dirigiendo Wilhelm Furtwängler.

El 14 de febrero de 1952 hizo su debut oficial en el Teatro San Carlo de Nápoles, en Tosca, con Ferruccio Tagliavini y Giampiero Malaspina. El 22 de febrero repitió el rol, pero con el tenor Gianni Poggi. El 1 de marzo cantó en el mismo teatro, Un ballo in maschera, con Tagliavini, Dora Minarchi y Silveri.

El 12 de abril de 1952 debutó en el Teatro alla Scala de Milán, como Elena en Mefistofele, teniendo como colegas a Renata Tebaldi, Ferruccio Tagliavini y Nicola Rossi-Lemeni. Dirigió Victor De Sabata.

El 22 de mayo fue Elisabetta en Don Carlo, junto a Gino Penno, Ebe Stignani, Paolo Silveri y Nicola Rossi-Lemeni, dirigiendo Antonino Votto.

El 5 de julio volvió a Nápoles, pero ahora a la Arena Flagrea (Mosta d’Oltremare) para cantar Aida con Elena Nicolai, Mario Filippeschi, Ugo Savarese e Italo Tajo, bajo la batuta de Tullio Serafin.

Carla Martinis cantó una sola temporada en Sudamérica, y en Brasil. El 12 de agosto de 1952 debutó en el Teatro Municipal de Río de Janeiro, como Turandot, junto al tenor Roberto Turrini, el bajo Mario Petri y la soprano brasileña Aracy Beles Campos. El 29 de agosto cantó La Gioconda con Giulietta Simionato, Giacinto Prandelli, Ugo Savarese y Mario Petri.

En 1952 cantó en el Festival de Aix-en-Provence, doña Ana en Don Giovanni.

El 20 de noviembre de 1952 se presentó en la Deutsche Oper de Berlín, en Tosca con el tenor Sebastian Hauser y el barítono Josef Herrman, dirigidos por Artur Rother.

El 28 de enero de 1953 hizo sus últimas presentaciones en la Scala milanesa, en Don Giovanni. En el reparto figuraban Elisabeth Schwarzkopf (Elvira), Alda Noni (Zerlina), Mario Petri (Don Giovanni), Sesto Bruscantini (Leporello) y los tenores Leopold Simoneau y Nicolai Gedda se alternaron como Don Octavio. Dirigió Herbert von Karajan.

A partir de 1953 y hasta 1962 fue miembro del elenco estable de la Ópera de Viena. Cantó 14 roles diferentes en más de 250 representaciones. Algunos de estos roles fueron en las óperas Boheme, Madama Butterfly, Manon Lescaut, Tosca y Turandot (Puccini); Aida, Ballo in maschera, Trovatore y Forza del destino (Verdi); Andrea Chénier (Giordano), Don Giovanni (Mozart) y Los Cuentos de Hoffmann (Offenbach).

El 8 de junio de 1953 participó en un concierto en el Musikverein, GrosserSaal, de Viena, con la soprano Martha Mödl y los tenores Giuseppe Di Stefano y Wolfgang Windgassen. La Martinis cantó ‘Tu che la vanità’ de Don Carlos y el dúo de amor (’Viene la sera’) de Madama Butterfly, con Di Stefano. El concierto fue transmitido por radio.

El 9 de agosto de 1953 cantó en Roma (al parecer por única vez), en las Termas de Caracalla, Aida con Elena Nicolai, Mario Filippeschi y Raffaele De Falchi.

En 1954 volvió a los Estados Unidos para presentarse en la War Memorial Opera House de San Francisco. Cantó La forza del destino con Claramae Turner, Richard Tucker/Roberto Turrini, Leonard Warren, Cesare Siepi y Salvatore Baccaloni (septiembre, 21 y 30); y Turandot, con Licia Albanese, Roberto Turrini y Nicola Moscona (octubre, 8).

Luego pasó a Los Ángeles donde cantó Turandot, con el mismo reparto (23 de octubre) y fue Giorgetta en Il Tabarro con Roberto Turrini, Robert Weede, Nicola Moscona y Claramae Turner (27 de octubre).

El 2 de julio de 1955 cantó por última vez en Nápoles, en la Arena Flagrea, Otello, con Mario del Monaco y Giuseppe Taddei.

A Italia volvió solamente para algunas determinadas representaciones, generalmente en las temporadas de verano. El 22 de julio de 1956, en el Castello San Giusto de Trieste cantó La Gioconda con Carlo Bergonzi y Aldo Protti.

El 14 de febrero de 1957, en el Teatro La Fenice de Venecia cantó Turandot con Orietta Moscucci y Roberto Turrini. El 29 de marzo de 1957, en el Teatro Municipale de Reggio Emilia fue Sieglinda en La Walkiria con Elena Nicolai (Brunilda) y el tenor Alexander Miltschinoff. El 25 de julio de 1957, en los Giardini Margherita de Bolonia, La Gioconda con Giuseppe Gismondo y Aldo Protti.

El 20 de enero de 1960 cantó Un ballo in maschera en la Staatsoper de Viena, con Giuseppe Di Stefano y Aldo Protti.

En los años ’60 (no he podido precisar la fecha) una tragedia familiar golpeó su vida, al fallecer su hijo en un accidente. Esto la afectó de tal manera que le hizo retirarse prematuramente de la vida artística, en 1962, a los 40 años de edad. Esto explica por qué es tan poco conocida por las generaciones actuales.

Compartió la misma época, los años post segunda guerra mundial, con Renata Tebaldi, Maria Callas, Antonietta Stella, Caterina Mancini, Clara Petrella, Adriana Guerrini, Maria Pedrini, Marcella Pobbe, Carla Gavazzi, Gigliola Frazzoni, Anita Corridori, Lucy Kelston, Anna Di Cavalieri, Leyla Gencer, Anita Cerquetti y muchísimas más. Tal vez el retrato que de ella hace Elena Nicolai contribuyó a ello:

“Era una artista muy seria, hacía una vida muy retirada, no salía nunca excepto cuando debía cantar. No era una gran intérprete, pero cantaba bien, tenía una hermosa voz” (Elena Nicolai: La mia vita fra i grandi del melodramma, Azzali, Parma, 1993).

Para completar este retrato, debo decir que sin duda alguna Carla o Dragica Martinis completa el grupo de las tres más importantes sopranos yugoslavas del siglo veinte, junto a Zinka Milanov y Sena Jurinac.

Una hija, Pauline Pfeffer, también soprano, ha realizado una carrera como soprano de conciertos.

Sus grabaciones fueron, lamentablemente, pocas. Para el sello Ariola-Eurodisc grabó selecciones de Un ballo in maschera (1952), junto al célebre tenor danés Helge Roswänge y Theo Bayle; y Tosca (1953), con Rudolph Schock y Joseph Metternich. Ambas en alemán. También existe una versión completa de La forza del destino con Martha Mödl (haciendo de Preziosilla), Rudolph Schock, Joseph Metternich y Gottlob Frick.

La justamente célebre grabación del Otello de Salzburgo (1951) ha sido reeditada innumerables veces en diferentes sellos y puede actualmente obtenerse en formato CD.

El sello austriaco Preiser ha editado un CD (90126) con arias de las óperas Aida, Un ballo in maschera, La forza del destino, Otello, Manon Lescaut, Tosca, Madama Butterfly, Turandot, Louise y Russalka. Son todas grabaciones entre 1951 y 1956. Muy recomendable.

Siepi

Siepi

Ricordi ancora il dì che c’incontrammo,
le tue promesse le ricordi ancor… ?
Folle d’amore io ti seguii… ci amammo
E accanto a te sognai, folle d’amor.

Sognai felice, di carezze a baci
Una catena dileguante in ciel
Ma le parole tue… furon mendaci…
Perchè l’anima tua è fatta di gel.

Te ne ricordi ancor?
Te ne ricordi ancor?

(Gracias, Enrique)

* *

Cesare Siepi, el más célebre de los bajos italianos de posguerra, falleció ayer, 5 de julio de 2010, en Atlanta (Estados Unidos). Hace unos diez días, fue víctima de un infarto.

Había nacido en Milán, el 10 de febrero de 1923. Tenía 87 años.

[Dies irae... Liber Scriptus (Misa de Réquiem, Verdi): Herva Nelli, Fedora Barbieri, Giuseppe di Stefano, Cesare Siepi. NBC Symphony Orchestra. Dirige: Arturo Toscanini. 27 de enero de 1951]

Después de Ezio Pinza, Siepi fue el mayor exponente en la cuerda de bajo, tanto en Europa como en América.

Descanse en paz.

(Gracias, Juan)

“Nucci y Ciofi, la misma pareja que el año pasado protagonizó el momento histórico, cerraban esta noche la segunda parte del recital con ‘Sì, vendetta’ con tal apabullante acogida del público que han hecho un bis con esa misma pieza.

Tras el delirio que han provocado, varios minutos saludando en medio de una gran ovación, Ciofi (Siena, 1967) ha interpretado, como si no llevara encima dos horas de esfuerzo, el primer bis programado, ‘Chi il bel sogno di Doretta’, de La Rondine, de Puccini, y ha recibido un aplauso tan cerrado que se sujetaba la cara emocionada.

Ha tomado el relevo Nucci que ha preguntado al auditorio “¿un poco de Andrea Chénier?” para dejarle boquiabierto con su potente ‘Nemico della patria’, de Umberto Giordano.

Y cuando ya parecía imposible que pudiera haber más, después de salir varias veces más a saludar solos y junto al director, Michele Mariotti, con una sonriente pero agotada Ciofi haciendo el gesto de dispararse en la sien, ha sucedido lo inédito: Nucci ha pedido a la orquesta y al director que atacara de nuevo los compases de Sì vendetta“.

13 de junio

Plácido Domingo: “Voy a parar un poco, quiero conservar lo que tengo: mi familia y mi carrera”

“Ahora voy a tratar de hacer un poco menos. Lo importante es dormir bien y estar saludable. Y cuando sales al escenario darlo todo. Lo cierto es que los cantantes se preocupan mucho de su instrumento, la voz, pero a veces se olvidan de todo lo demás…

Sí, es cierto que me cuido la voz porque la necesito para cantar. Pero ahora, a mis años [cumplirá 70 el próximo mes de enero], con todo lo que he hecho, es una cuestión que Dios o el destino dirá. Tampoco es una tragedia. He cantado tanto…”.

12 de junio

[¡Ay, Jalisco, no te rajes...! ]

Juan Diego Flórez:

“Debo ser prudente en lo que escojo. Abordaría Les Pêcheurs de perles de Bizet en 2012, pero Romeo y Julieta, Manon o Werther son pesados para mí”.

“Si canto cada vez más roles pesados, mi voz, un día u otro, va a pagarlo caro: empezará a cansarse, perderá sus colores y sus agudos”.

9 de junio

“No es sólo la voz”. “El talento es la capacidad de transmitir emociones con la música. Eso es lo que quiere el público y lo que siempre ha querido el compositor desde que nació la ópera. Es un hilo que va directo de la voz al corazón”.

Kabaivanska ha compartido escenarios con los más importantes cantantes de ópera del siglo XX, desde Joan Sutherland a Mario del Monaco, Plácido Domingo o Luciano Pavarotti. ¿Quién gana en divismo? No da nombres. “Los hombres. Nunca aceptan que una mujer les haga sombra”.

8 de junio

[Cantarero: Addio del passato. Enero 2008]

«”Traviata te envuelve, es difícil mantener el equilibrio entre la técnica y el alma. Ahora soy yo quien debe demostrar que la confianza era merecida. Pero déjenme decirles que una gran Traviata depende de un gran Alfredo. Y yo, lo tengo”, afirmó la cantante señalando a su amigo y cómplice, el cotizado tenor jerezano Ismael Jordi, quien tras haber triunfado en una treintena de ocasiones con este rol reconocía ayer, con la afabilidad que le caracteriza, su ilusión por acompañar a Mariola”».

Rolando Villazón: “Sigo con mi filosofía de cantar y tomar riesgos en mi carrera…y para mí ha sido muy hermoso recuperar algo que por un momento ya no tenía. Ahora, tengo más euforia al cantar y me entrego aún más en el escenario”.

2 de junio

Aragall y Serrat (recital benéfico ‘Ayuda a África a oír’): Paraules d’amor (unas poquitas;-)

1 de junio

[Menéndez: Dichoso  aquel que tiene la casa a flote, romanza de Roque y Coro del Tercer Acto de Marina, Arrieta. Concierto Voces para la Paz 2007]

“Dentro de mi cuerda todavía soy un barítono joven. Lo que he hecho hasta ahora se amolda muy bien a mi repertorio. Mozart va a ser un compañero de viaje importante. He cantado la mayoría de los papeles para barítono de sus óperas, y en ellos me encuentro como pez en el agua. También me va bien Rossini porque, a pesar de tener una voz con bastante volumen y cuerpo, puedo manejar bien las agilidades.

Ahora estoy empezando a trabajar todos los papeles de Donizetti y Bellini, además de muchos de los papeles escritos para barítono dentro de la ópera francesa, que se adecúan bien a mi vocalidad. Es algo que he descubierto cantando Les mamelles de Tirésias”.

“Hay quien necesita coger el avión y salir al escenario todos los días. No es mi caso. Creo que el cuidado de la voz es una cuestión de temperamento y yo no me muero por participar en la vorágine diaria, como le pasa a Plácido. Me gusta cantar pero también estoy muy a gusto en mi casa”.

Del artículo que hoy llevamos a portada es autor el investigador de ópera uruguayo Dr. Antonio Lagatta Mazzeo. Ya hemos escuchado en el blog alguna edición de su excelente programa radiofónico ‘La ópera y sus intérpretes’, seguro que lo recuerdan. En esta ocasión, y por escrito, y para todos ustedes, la semblanza del tenor uruguayo José Oxilia.

Gracias mil, Antonio.

* *

Datos biográficos de José Oxilia (1861-1919)

En la ciudad de Montevideo, en el barrio de La Aguada, nació José Nicolás Oxilia el 3 de junio de 1861, hijo del matrimonio de inmigrantes italianos integrado por Domenico Oxilia y María Martino.

Su padre era dueño de un café ubicado en la calle Buenos Aires, denominado ‘Café Lírico’, que se hallaba ubicado justo frente al Teatro SOLÍS, el que era frecuentado por artistas líricos y gente de teatro. Criado en ese ambiente, ya desde niño José quería ser artista, quería ser tenor. Pero su padre, precisamente porque tenía tanta relación con la gente de teatro y conocía las penurias que con frecuencia se dan en la vida de los artistas, se oponía a que su hijo se dedicara al canto.

Por esa época llega a Montevideo el circo de los hermanos Podestá, y el adolescente Oxilia se pasaba los días enteros en el circo, lo que motivó que su padre, fastidiado por tal actitud, decidiera mandarlo a Italia, a fin de que terminara sus estudios liceales, para luego ingresar a la Facultad de Pavía, y se dedicara al estudio de la medicina. Esto acontecía en el año 1875, cuando el futuro cantante tenía 14 años de edad. Pero según parece, el joven no era muy aplicado en sus estudios y la mayor parte del tiempo la dedicaba a frecuentar la gente de teatro.

Hacia 1879, cuando cursaba el cuarto año universitario, la noticia de la enfermedad de su padre lo obligó a retornar a Montevideo. Al poco tiempo su padre, Domenico, fallece, y el joven debe hacerse cargo del ‘Café Lírico’, sustento de toda la familia.

Entonces se decide a comenzar seriamente sus estudios de canto, los que realiza con el maestro Carmelo Calvo, antiguo organista y director de compañías de zarzuela, que desde hacía años estaba radicado en Uruguay.

Dos años después, en 1881, deja el negocio en manos de un pariente y vuelve a Italia, donde continuó sus estudios de canto con el maestro Felice Pozzo, mientras, entre otras cosas, trabajaba de mozo.

En 1884 integra en calidad de comprimario la compañía lírica de Marino Mancinelli, que actúa en el Teatro del Liceo de Barcelona entre el 14 de noviembre de 1884 y el 24 de febrero de 1885. Y en este teatro se produce el debut de José Oxilia, el 21 de noviembre de 1884, con el rol de Laerzio en la ópera Hamlet de Thomas, cuyo rol titular fue cantado alternadamente por Giuseppe Kaschmann y Victor Maurel (6 funciones).

El 11 de diciembre es Arturo en Lucia di Lammermoor, cuyos roles principales estuvieron a cargo de Marcella Sembrich y Julian Gayarre (8 funciones). El 10 de febrero de 1885 canta el rol de Rambaldo en la ópera Robert le Diable de Meyerbeer (1 función).

Y es precisamente en esta temporada que, ante la enfermedad de Julian Gayarre, y por indicación de éste, José Oxilia es llamado por el maestro Mancinelli para sustituirlo en el rol de Fernando en La favorita, lo que aconteció en la función de gala del 1° de enero de 1885.

Pese a que se dice que allí comenzó la gran carrera de Oxilia, lo cierto es que la compañía de Marino Mancinelli regresa al Teatro del Liceo para una nueva temporada que se desarrolló entre el 5 de abril y el 6 de junio de 1885, y José Oxilia continuó cantando papeles de comprimario: el 5 de abril Laerzio en Hamlet (8 funciones); el 6 de mayo Tebaldo en I Capuleti e i Montecchi de Bellini (4 funciones); el 21 de mayo Cossé en Los Hugonotes; y el 6 de junio de 1885 canta un pequeño papel en el estreno mundial de la ópera Il rinnegato Alonso García, del compositor catalán Manuel Giró.

Entre octubre de 1885 y abril de 1886, integra una Compañía Lírica que actúa en el Teatro Real de Madrid, donde canta los roles de Rambaldo en Robert le Diable, con Roberto Stagno en el papel titular (9 funciones); Tebaldo, en I Capuleti ed i Montecchi (8 funciones) ; Laertes en Hamlet (5 funciones); Radamés en una función de Aida, alternando con Roberto Stagno y Francesco Tamagno; Carlo de Sirval en Linda de Chamounix (7 funciones); y finalmente es Enzo Grimaldo en siete funciones de La Gioconda.

De regreso en Italia, en 1886 lo encontramos en el Teatro La Fenice de Venecia, donde ahora sí canta los roles principales de las óperas en que interviene: el 28 de julio es Fernando en La favorita, junto a Giulia Novelli y Giuseppe Kaschmann (2 funciones); y el 3 de agosto es Duque de Mantua en Rigoletto, junto a Giuseppe Kaschmann y Mariannina Lodi, bajo la dirección de Riccardo Drigo.

Hacia fines de 1886 integra la compañía lírica de Luigi Mancinelli, que actuó en el Teatro Real de Madrid entre el 2 de octubre de 1886 y el 29 de marzo de 1887.

En esta temporada cantó los papeles de Enzo Grimaldo en La Gioconda (11 funciones); Radames en Aida (10 funciones) alternando con Francesco Tamagno; Fausto en Mefistofele (11 funciones) alternando con Fernando De Lucia; y Rodolfo en Luisa Miller (3 funciones). Fueron sus compañeros de reparto la soprano Mila Kupfer, la mezzo Guerrina Fabbri, el barítono Mattia Battistini y los bajos Francisco Uetam y Aristodemo Sillich.

Oxilia / Niun mi tema

[Oxilia: Morte de Otello]

De regreso en Italia, canta en las óperas Los Hugonotes y Don Carlo en Padua, y Mefistofele y Fausto en Nápoles y Turín; y en el Teatro Grande de Brescia, en agosto de 1887, canta por primera vez el rol titular del Otello de Verdi, junto a la soprano Adalgisa Gabbi y al barítono Paul Lherié, bajo la batuta de Franco Faccio.

Con el mismo reparto, pasa al mes siguiente al Teatro Regio de Parma, donde canta Otello en 12 representaciones.

Consignemos que la ópera de Verdi había sido estrenada en La Scala pocos meses antes, el 5 de febrero de 1887, bajo la batuta del mismo director, Franco Faccio.

Agreguemos que Paul Lherié, ahora barítono, había iniciado su carrera como tenor, y el 3 de marzo de 1875, en el Teatro de L’Opéra-Comique de París, había creado el rol de Don José en el estreno de Carmen.

En 1888 encontramos a José Oxilia en el Teatro Comunale de Bolonia donde, en marzo canta el rol titular de la ópera Asrael de Franchetti, bajo la dirección de su autor; y en octubre es nuevamente Otello en 14 funciones, junto a la soprano Erminia Borghi-Mamo y el barítono Victor Maurel, que había creado el rol de Jago en el estreno de la ópera.

Luego llega el debut en La Scala de Milán, el 26 de diciembre de 1888, con la ópera Asrael (17 funciones), a la que sigue, el 19 de febrero de 1889, Otello, ópera que se canta en 13 funciones (alternando con el tenor Enrico Giannini), con la soprano Aurelia Cataneo y Victor Maurel.

Y precisamente, en alguna de estas funciones sucedió el hecho, relatado y tan repetido, de que Verdi, presente en La Scala, exclamara, durante la representación: “Ecco il mio Otello”, y que le felicitara personalmente por su brillante interpretación.

Hacia fines de 1889, Oxilia canta el papel titular de Lohengrin en el Teatro Carlo Felice de Génova.

En mayo de 1890, luego de nueve años de ausencia, regresa a Montevideo con la Compañía Lírica ‘Consigli’ y debuta en el Teatro Solís el 3 de junio (el día que cumple 29 años de edad) con la ópera La favorita, junto a la mezzo Aurelia Kitzú; a la que siguieron Mefistofele, con el bajo Pablo Meroles en el rol titular; Lucrezia Borgia, con la soprano Luisa Gilboni; y Otello, con Giuseppina Serra y Emilio Barbieri.

En julio la compañía ‘Consigli’ se traslada a la República Argentina, y Oxilia canta en el Teatro Olimpo de Rosario las óperas La favorita, Lucrezia Borgia, Lucia di Lammermoor y Otello.

De regreso a Montevideo, en agosto de 1890, integrando una nueva Compañía Lírica, canta en el Teatro Nuevo Politeama Lucia di Lammermoor, La favorita, Lucrezia Borgia, La Gioconda, La traviata, Los Hugonotes, Fausto y Carmen. Sus compañeros de reparto: las sopranos Isabella Svicher y Adele Gini-Pizzorni, las mezzos Sola Conde y Margherita Preziosi, los barítonos Giuseppe Kaschmann y Achille Moro, y los bajos Vittorio Arimondi y Alessandro Silvestri.

El 19 de el noviembre de 1890, junto a la soprano Elvira Colonnese y el barítono Emilio Barbieri, canta el Otello verdiano en la inauguración del Teatro Argentino de La Plata; a la que sigue, dos días después, Carmen, con la mezzo Margherita Preziosi en el rol titular.

En diciembre de 1890 parte para Italia, y entre enero y febrero de 1891 canta en cinco funciones de Cavalleria rusticana en el teatro La Fenice de Venecia, junto a la mezzo soprano Lison Frandin.

Su voz, que no cuidó debidamente, ya en 1891, cuando el tenor contaba 30 años de edad, comenzó un lento y progresivo declive, y en este año poco pudo cantar en Italia y luego en Río de Janeiro, donde su Otello fue un fracaso.

En octubre de 1891 año regresa a Montevideo, y encontramos a Oxilia en tres conciertos brindados en el Teatro Solís: el 8 de noviembre con una Compañía de Zarzuela; el 15 de noviembre, junto a Luis Sambucetti; y el 27 de diciembre en un concierto vocal e instrumental, además de algunas intervenciones en el Instituto Verdi y en el Conservatorio La Lira.

En los primeros meses del año 1892 realiza una gira de conciertos por varias ciudades del litoral uruguayo, y luego es contratado por la Compañía Lírica que estaba actuando en el Teatro Solís, donde canta Cavalleria rusticana el 30 de abril y 1° de mayo, y luego La favorita el 10 y el 14 de mayo.

El 21 de mayo Oxilia parte para Buenos Aires, donde el 25 de mayo de 1892 canta La favorita en la inauguración del Teatro De La Zarzuela de Buenos Aires; y a posterior, en agosto de 1892, canta La favorita en el Teatro Nacional de Buenos Aires.

Regresa Oxilia a Montevideo, y el 19 de noviembre de 1892 se embarca para Italia. Recién volverá a Uruguay en 1918, nueve meses antes de su muerte.

Pocos datos hemos podido obtener respecto a la vida y actuaciones de Oxilia a partir de 1893, pero sí podemos consignar que ya sus años de gloria habían pasado, y entre sus actuaciones posteriores pudimos ubicar las siguientes. Año 1894: Lucrezia Borgia en el teatro Carlo Felice de Génova, L’Africana y Lucia di Lammermoor en el Teatro Politeama de Asti. Año 1897: Lucia di Lammermoor en el teatro Coccia de Novara. Año 1898: Mefistofele y Poliuto en el Teatro Piccinni de Bari. Año 1901: L’Africana en el Teatro Sociale de Monza. Año 1902: Il Trovatore en el Teatro Carcano de Milán. Año 1903: Lucia di Lammermoor, La traviata y La forza del destino en el Teatro Carcano de Milán, y Lucia di Lammermoor en el Teatro Verdi de Milán.

Aproximadamente en el año 1904 José Oxilia se retira de los escenarios líricos, pero durante sus años de apogeo había dilapidado las grandes sumas ganadas, y para poder subsistir abre una Escuela de Canto en Milán. Entre sus alumnos se contaron las sopranos Renata Chollet y Eva Gauthier, y los tenores Basilio Boitenko, Italo Cristalli, Walter Kirchoff, y el uruguayo Américo Spolverini; tenor este último que encontramos en el Teatro Solís de Montevideo en octubre de 1908, interpretando el rol titular del Otello verdiano y Canio en I Pagliacci.

En 1910 contrajo nupcias con Anna Cattaneo, una arpista a quien había conocido en el Teatro San Carlo de Nápoles, y de esta unión nacieron cinco hijos: Libera (que luego en Uruguay vivió en Durazno), Otello (que después fue gerente en los Hoteles Municipales de Montevideo), Domingo (que fue empleado del ferrocarril en Montevideo), Carlos Marx (violinista que actuó en algunas orquesta típicas) y María, todos nacidos en Milán.

Aquejado de diabetes, en 1916, a causa de una herida en el dedo de una mano, mal cuidada, que degeneró en gangrena, debió sufrir la amputación del brazo izquierdo, lo que motivó una larga hospitalización, y que a posterior usara una capa para ocultar la falta de su brazo.

Y llegaron los momentos de pobreza y amargura, durante la Primera Guerra Mundial, en los que poco a poco debió desprenderse de los objetos más queridos para poder hacer frente al matenimiento de su hogar: medallas y coronas de oro que había recibido en sus épocas de esplendor.

A principios del mes de julio de 1918, José Oxilia, con toda su familia, abandona definitivamente Milán y se embarca rumbo a Montevideo, donde llega treinta días después.

Y es esta la etapa más triste de la vida de Oxilia, y un día cualquiera, cansado de vivir en la pobreza intenta suicidarse, tirándose a un pozo de la calle Millán No. 2728, pero es milagrosamente salvado por un señor llamado Santiago Martínez, que casualmente pasaba por el lugar.

Pero al poco tiempo, a causa de su diabetes, se le debe amputar la pierna izquierda, y ya la vida se le hace insoportable.

Sumido en la miseria, y prácticamente olvidado, fallece en la madrugada del 18 de mayo de 1919, pocos días antes de cumplir 58 años de edad.

N° Catálogo……………………………………………………………N° Matriz

52246 Leoncavallo- Pagliacci: Un grande spettacolo (matrix 3369 a)

52248 Leoncavallo-Pagliacci: Un grande spettacolo (matrix ¿? a)

52254 Verdi – Un ballo in maschera: È schezo od e follìa (matrix 3357 a)

52274 Verdi – La traviata: Libiamo, libiamo (matrix 4396 a)

52275 Verdi – La traviata: Parigi, o cara (matrix 4397 a)

52280 Gounod – Fausto: Prólogo (?) (matrix Cib35R)

52309 Gomes – Il Guarany: Sento una forza indomita (matrix 395 b)

52317 Verdi – Aida: Morir! Sì pura e bella (matrix 403 b)

52321 Donizetti – Lucia di Lammermoor: Fra poco a me ricovero (matrix 404 b)

52321x Donizetti – Lucia di Lammermoor: Fra poco a me ricovero (matrix 392 b)

52324 Ponchielli – La Gioconda: Cielo e mar (matrix 393 b)

52330 Verdi – Otello: Niun mi tema (matrix 1628 b)

52331 Leoncavallo — Pagliacci: Vesti la giubba (matrix 1629 b)

52332 Verdi — Rigoletto: La donna è mobile (matrix 1630 b)

52333 Verdi — Rigoletto: Questa o quella (matrix 1631 b)

52334 Donizetti — La favorita: Una vergine, un angiol di Dio (matrix 1632 b)

52335 Giordano —Andrea Chénier: Un dì all_azzurro spazio (matrix 1635 b)

52356 Verdi — Luisa Miller: Quando le sere al placido (matrix 1771 b)

52356 x Verdi — Luisa Miller: Quando le sere al placido (matrix 2832 b)

52357 Boito — Mefistofele: Dai campi, dai prati. (matrix 1774 b)

52338 Donizetti — Lucia di Lammermoor: Fra poco a me ricovero. (matrix 1779 b)

52360 Verdi — La traviata: Dei miei bollenti spiriti (matrix 1634 b)

52360 x Verdi — La traviata: Dei miei bollenti spiriti. (matrix 2834 b)

52361 Meyerbeer — L’Africana: O Paradiso(matrix 1633 b)

52445 Boito — Mefistofele: Giunto sul passo estremo (matrix 2833 b)

Cilindro: L’Africana: O paradiso

- 33 — Verdi — Otello: Ora e per sempre addio